martes, 28 de octubre de 2014

J.C.SATAN + TY SEGALL_ Sala Apolo 23/10/2014_* VENDIENDO ALMAS AL DIABLO.






















Tim_oh!!Ty era un pequeñajo orondo, de chapetas rojas y rizos dorados, aplicado a la vez que hiperactivo. Criatura de culo inquieto, que pese a esa energía innata que le subía desde los pies hasta las puntas de los dedos, y que le explosionaba allí arriba; en su pequeña cabezota. No le impedía por otro lado, aplicarse en aquello que sus progenitores le decían: Labrarse un futuro a base de hincar los codos.
Una de aquellas tardes en las que el sol se quiebra por entre copas de los árboles que coronan las colinas de Santa Ana, y de regreso a casa. Una anunciación de rasgos invisibles y presencia azufrosa, salió a su paso por entre las calles de Orange County. Se contaron por miles las veces que contó emocionado aquel extraño encuentro; sin llegar a trascender si hubo un pacto satánico de por medio o cuanto de eso fue cierto. Como supondrán nadie dio crédito la historia del chiquillo. Pero lo que si es cierto es que decidió concentrar desde entonces, sus 5 sentidos en exprimir las cualidades de esa Fender Stratocaster que dicen, le regaló su abuela.


Quince años más tarde, como si de la misma Santísima Trinidad premonitoria se tratase, y ya reconvertido en Ty Segall; evangelizador de ovejas descarriadas y demás almas en pena. Nos vuelve a visitar con otro más de sus imprescindibles creaciones; dicen y puede, que el más ambicioso, meticuloso y cuidado de sus trabajos. Una oportunidad definitiva para que el que aquí firma, pudiera limpiar de pecados su alma, y saldar la deuda pendiente que junto a Thee Sees (a estos elementos ya los vi por fin en 2013), dejé escapar aquel PS de 2011 y 2012; todos tenemos pecados que expiar.
Si a todo este cúmulo de sospechosas circunstancias les unen la presencia de los Franceses J.C.SATAN, y tras ver danzar al público como posesos enardecidos. Me van a decir que no hay motivos para que uno no vea la mano negra de Satán tras la coincidencia: ¿Sería cierto el pacto que dicen hizo de niño? ¿O eran quizás los 4 jinetes del Apocalipsis los que nos poseyeron bajo el escenario? No lo sé, pero desde el pasado Viernes no hago más que contar las cuentas del rosario de la Chacha Beringüela, temeroso de la presencia de Belcebú entre nosotros.


*J.C.SATAN:

Dicen los pocos testigos que en la lejanía eludieron los sortilegios de los ángeles negros, que a las 9:30 picadas aparecieron sobre el escenario: Arthur Satan, la Italiana Paula H., Dorian, Ali y Romain; o lo que son J.C.SATAN. Algo que ya puestos aprovecho para reivindicar: No entiendo en mi escaso intelecto, como la gente desembolsa el precio de un concierto y pasa olímpicamente de los teloneros. Vaya, que parece que algunos vayan a fichar y hala, ya puedo decir que he visto a Ty Segall y tengo tema de conversación el los círculos más selectos. En fin, ellos se lo perdieron. Ya que el joven quinteto de Bordeaux desplegaron un set de diez temas, resumiendo su discografía de Ep's y longplays cargados de salvaje actitud sobre el escenario.

Un sonido sobre las tablas de la sala Barcelonesa que dista una eternidad en contundencia y abrasiva, con lo que se extrae de la escucha de sus recientes trabajos en estudio. Sobre el escenario J.C.SATAN son verdaderas bestias pardas, y aquello que de entrada parece una garaje bronceado de surf popero, se transmuta en puro Hardcore (¿o lo llaman post hardcore?, cachis!!). Con esas imagen de niña grande con camisa y canesú de Paula, desbordante en dulzura e inocencia salida de Psicosis. Esa de la que uno ya presiente la trampa tras esa imagen de fragilidad que puede entreverse al ver a dos féminas secundar al pequeñajo bigotudo de Satàn.

Voilà!! J.C.Satan arrancaron con la brutalidad de se redundante “Satan” del primer Lp, aunque se apoyaran sobretodo en un buen puñado de temas nuevos: “I could have died”, “Dialogue with Mars”, o “The Greatest Man”; con la que cerraron. Un directo el suyo tremendo, con una esencia de liturgia maquiavélica oscura por momentos, esmiriladores por constancia, y de ritual nihilista en gran medida. Entre trago y trago de Jack Daniels botella en mano, con el que su líder Satàn parecía bendecirse cual agua bendita, dejaron el listón realmente alto.
Tras esa primera sacudida de punkera, entraron en plena catarsis por la puerta de detrás. Sonaría acto seguido “Dragons” de su último Faraway Land/2012, del que también cayó la que le da título a su último largo. “Hell Death Samba”, y “There's no godness in her World” de su Ep conjunto con los Belgas REGAL: Oscuros, de salmos hipnóticos, ondulantes y explosivos en cada desenlace de las canciones. Estos salvajes hacen crecer las canciones en directo cual espuma de poliuretano comprimida y efervescente. Sus canciones son pequeños perdigonazos que buscan cualquier grieta para escapar y crecer con una solvencia primitiva a la vez que abrasadora.

Hacia el final una brutal “Crystal Snake”, que en la cercanía del escenario salpicaba bilis a los que allí poseídos permanecíamos estupefactos, ante semejante y brutal interpretación. Esa misma proximidad que tras el set no impidió cruzar miradas y suspirar: menudo aperitivo se marcaron los gachones. La botella de Bourbon evaporada y el áspero resquemor todavía candente en nuestros gaznates.


 *TY SEGALL:

Hacia las nueve y media ya pasadas, y con la banda Francesa aun recogiendo bártulos, enseres y monitores en autodidacta desmontaje. Como deben funcionar las cosas, cuando son estos colectivos suficientes los que salpican de talento y puesta en escena, directa del manantial. La sala ya llena y expectante, los madrugadores allí en primera línea del frente, aferrados a la alambrada de las trincheras y preparados con el cuerpo caliente a que el pogo desembocara en lo más parecido a una danza satánica.

Ty Segall junto al resto de la banda salieron guitarras y baquetas en mano: Calibrando, conectando, mirando de reojo a la platea con una serenidad extraña e inquietante, como quien se prepara para el gran salto de su vida.

Un Speaker que saltó a la palestra ataviado con un traje tejano ajustado, por el que le asomaba la pelambrera; más digno de una trasnochada Las Vegas, que de cualquier otra instantánea posible. Nos azuzó aun más con un discurso de boca torcida. El sudor se ponía en punto de ebullición, y comenzaban con esa especie de intro “Manipulator” con el menda a los mandos del casiotone. Con “It's Over” todo acabaría saltando por los aires: Modales, buenas formas, compostura, y la madre que los matriculó.





Los conciertos de este chaval de 26 años al que la vida a maltratado con esa dosis de realidad, de la que todos somos parte del reparto. Injiere como quien no sabe si habrá otro amanecer. Sintetiza y vomita de una forma tan sintomática y natural, como los gestos reflejos que su propia música provoca. Llegados a ese punto de inflexión y de forma inequívoca, da ya lo mismo el camino que emprendió allá por 2008 con ese garaje primario del que hizo gala. Son 7 discos de factura propia, sin contar otros tantos artilugios (hasta 11), la infinidad de colaboraciones y proyectos paralelos... Vamos, que se apunta a un bombardeo y lo mejor, lo hace con una inspiración tal, que todo lo que conecta cabeza y manos destila una naturalidad y libertad de la que pocos pueden presumir.

Recuerda en actitud a ese primerizo Beck permeable a mil y un estilos, con una personalidad tan amplia como genuina. Su último trabajo deja atrás un “Sleeper/2013” de folk redentor y esquelético grabado a pelo y con la muerte aun presente de su padre. Un “Twins/2013”, rocoso y cortante; que deja en un las referencias al Punk, Garaje, Rock subterráneo, Glan, a los 70's o cualquier comparación posible. Ty Segall tritura y digiere según el momento y todas sus afinidades, como la de sus colegas Thee Oh Sees, son ricas y con mucha chicha. De echo su último doble aún caliente, Manipulator/2014; afinado y pulido con más mimo que cualquiera de sus anteriores trabajos, es de una elevación Glan y Rockera de pitiminí metálico y cortante. Marc Bolan, Mick Ronson, y Neil Young, del que lleva tatuado en uno de sus brazos, están ahí, de cuerpo presente.


Con la sala puesta patas arriba, salpicados en sudor y perfecta armonía de flujos corporales, despendolamiento colectivo, y la peña saltando desde el escenario. Se sucedieron una tras otra las andanadas. Su forma de interpretarlas sobre el escenario y la química con la que hace partícipes al público, son pura reacción espontánea. “Tall Man Skinny Lady” insuflando al D.Bowie más andrógino, la musculosa “Feel” en la que el humeante bajo de Mikal Cronin parece injertar The Jam y Kinks en un experimento híbrido lleno de fuzzs y grooves (y ojito con la carrera en solitario paralela de este larguilucho).
Y es que su último trabajo se coja por donde se coja, de atrás hacia adelante o a la inversa, está repleto de una calidad e inmediatez incontestable: Tremenda “Green Belly”, mi canción predilecta del disco con diferencia; todo un clásico. “The Faker” puro himno, “The Singer” aunque sea una de las flojillas, “Don't want to Know (Sue)” con la que bajo ligeramente el pie del acelerador; sino, creo que alguno/a hubiese perecido entre la marea que se produjo en las postrimerías del escenario. Sucumbimos al Blues Rock de “The Feels”, una de las que mejor sonaron esa noche, o a “Susie Thumb”; y es que Manipulator tiene mucho y muy bueno.
Vuelta al garajerock de sus primeros y más desconocidos discos con “Imaginary Person”, “You Make the Sun Fry”. Y dos certeros apuntes a su anterior Twins, con “Tank good for Sinners” y “You're the Doctor”; con la que enloquecimos por completo. Para rematar la noche y con un sonido más nítido, engrasado y certero que en el inicio. Dos detalles de aquellos que nos presentan a un Ty Segall, no solo alocado, anárquico y suicida. Sino que también a un autor comprometido con unos ideales que lo llevan a exprimir sus creencias a límites extremos y extenuantes. Dos temas para envolver el regalo de celofán venenoso de aquella conceptual y libertaria Ty Segall Band de 2012: “Slaughter House” y “I Bought my Eyes”, con el catecismo de “White light/White Heat” bajo el brazo y unos ramalazos Jimmy Hendrixianos más que evidentes, llevado al extremo noise y experimentaciión.


Las melenas rubias del apretado Ty Segall enfundado en un mono industrial acabaron, como era de prever, sobre el público en volandas guitarra al ristre. El Speaker disfrazado de Batman también. El público empujado por una catarsis colectiva, subido al escenario y lanzándose para flotar en éxtasis popular.
Solo reprochar el excesivo protagonismo de más de un desatado que subió en el último tema, triunfal al escenario; cuando ya sabemos quien es verdadero mago de la noche. Aunque teniendo en cuenta como acabó su última visita en esta misma sala el pasado Primavera, no es de extrañar la reacción del público; y es que a Ty & Co. se les ve como pez en el agua en esa provocación de pogo colectivo que generan.

Con la distorsión quebrada sobre un público llevado al punto más alto del salvajismo estertórico. Tras una ligera pausa para lamer heridas, recomponerse y enjugarse el sudor; la debacle: “I Wear Black” y “Gilfriend” fueron las encargadas de cerrar una noche para recordar. Tiempos pasados en los que un concierto no era tan solo una puesta en escena meticulosa, exacta y perfeccionista. Y donde la acústica de la sala, el control del sonido, o lo desmedido del mismo, no eran inconvenientes para que la complicidad de músicos/público provocara tales efectos. Sobretodo cuando la rabia que genera el actual panorama, solo te deja la opción de descargar la ira.


El Californiano emana en cada gesto y acorde, ese salvajismo innato de quien vive y exterioriza la música desde la más pura euforia. Tiene ese instinto natural tan falto hoy en día, acierta de pleno yendo al grano del meollo, melodía/cultura musical/ejecución fresca: Sin posturas, aditivos, colorantes, ni producciones innecesarias que lastren ese talento nativo que posee.
Ojala dure y siga disfrutando de lo que hace sin objetivos comerciales aparentes. Mientras eso pase, aquí estaremos, ojo avizor, atentos... Mientras bandas como Black Keys, Kasabian entre otros, siguen deslumbrados por el efectivismo de los neones y las pistas de baile, los hay que siguen arando con yunta de Bueyes el legado de la mejor música; por suerte para nosotros, de momento.

jueves, 23 de octubre de 2014

FINCA PARERA, 20.000 LEGUAS DE VIAJE SUBTERRANEO




Pudo ser una noche cualquiera de Primavera por la serena, templada,estrellada y apetecible placidez de la misma. Pero no, fue la de un Octubre al borde de la dualidad personal; quien en un ataque de bipolaridad acusada se creyó por momentos el dios Tamuz de la floración.
Una disyuntiva que me viene al pelo con el final de la novela reseñada en mi última entrada; cuando el protagonista acababa a las puertas del 99, esperando dudoso el cambio de milenio. Ahora que ya llevamos 14 años milenaristas, y que nos debatimos entre el futuro apocalíptico e imparable, y la esencialidad de nuestro pasado ancestral. Quizás sea la edad, puede, pero... me juego el pescuezo a que más de uno llegado a plena madurez, se ha planteado semejante reflexión: ¿nos estaremos dejando por el camino en implacable avance hacia el futuro, lo mejor, lo más esencial?



Fue por eso que la prospección hacia las profundidades de Vadebacus de la pasada semana, tenía más de incierta, temerosa e inconsciente. Una de esas tentaciones en las que uno cae aunque sea a tientas como Jean Marais al atravesar el espejo hacia Tánatos. Solo que con la suerte de contar con Rubén Parera & Íñigo Haughey ejerciendo de timonel y contramaestre, a los mandos de una enorme lombriz mecanizada. No fue el Nautilus el que nos llevó hacia las inciertas profundidades del terruño, ni Julio Verne el que nos instruyó visionario sobre los devenires del futuro. Sino un enorme anélido hecho de desechos naturales el que se encargó de acomodarnos y casi a tientas, descubrir las intimidades de eso que todo el mundo tiene en boca, el ecologismo, y que pocos conocen como Rubén & Co.
Jóvenes viticultores de uñas negras, padrastro rebelde y yemas encallecidas, que pese a estar instruidos en mil facultades de técnicas infalibles #ingenierías, enología. Fue allí, sobre el terreno, donde su visionario padre los guiara hacia el inminente futuro que se avecinaba sobre una familia; que había vivido históricamente del frutal, y la crisis que se cernía en los 90. Un giro radical hacia la vid y el cultivo ecológico que no es más que un regreso a las técnicas ancestrales; antes de que en los 70 BAYER, BASF y otras químicas, dieran el braguetazo con herbicidas, funguicidas y todo ese ejército de químicos con el que vendieron la panacea al ruinoso campo.
Desde entonces tanto ha cambiado todo, que cuesta imaginar un cultivo intensivo sin esos productos que liquidan los ecosistemas naturales y diseñan variedades indestructibles; como los tomates que se venden en las grandes superficies. De echo, la actual esclavitud de la agricultura, es un noproblema debido más a una industrialización del campo, a la superproducción y a la dependencia para con las químicas con beneficios desorbitados, que a un verdadero problema de inviabilidad del cultivo ecológico o un sobrecoste; no en vano, Bayer gana más del triple con productos químicos para el campo que con la famosa Aspirina.
Cola de caballo y polisulfuro, antifúnguico natural
En realidad es una cuestión más de filosofía y metodología de trabajo que cualquier otra cosa: Ahorro de miles de euros en productos químicos, e inversión en un seguimiento más cercano del cultivo y más horas de trabajo. Resultado: Campos con su ciclo natural inalterado, dinamización de las parcelas desde la tierra con compuestos naturales, y en este caso, vinos con una personalidad que nos habla de su climatología, de su entorno, y en definitiva de su identidad única e intransferible.
Íñigo, Rubén & Jordi Parera


No penséis que todos estos datos me los he sacado de la manga. Son solo una parte. Porque no habría entrada capaz de contener todo los que se habló en el trayecto subrepticio al que nos sometimos; el que aquí apunta, es tan solo un Bob Esponja que absorbe y escurre en su más profunda humildad.
El viaje que fue largo e intenso en este caso de pasión, emoción y creencia casi religiosa en lo que se hace. Dio para nutrirnos cual viñedo, desde las raíces ancladas a la tierra hasta sus hojas más altas; las que modulan a modo de parabólicas las brisas marinas que acarician el Mediterráneo, y las insolaciones más largas.
Se habló de aquello que solo trasciende en la intimidad y que se debe medir ante el control inquisitorio de organismos y D.O's. También del proceso incasable de una generación joven que absorbe conocimientos complejos, pero básicos a la vez: Aquellas inventivas de pageses austeros que ponían en las manos de la naturaleza, los procesos de elaboración del elixir prometido.
Homogenización manual de compstage natural

Su camino y decisión es largo, pedregoso... Pero puede que en poco tiempo veamos con nuestros ojos el renacimiento de una D.O Penedés, que ha cometido el mismo error de otros clásicos territorios (Rioja o Ribera de Duero). Pero que está en el camino de ser la primera denominación de Origen totalmente ecológica, como el primer anhelo utópico que se propusieron Recaredo, Can Rafols o Albet i Noya junto a otros muchos pequeños productores.
Un aprendizaje para gestionar un territorio, el de Alt Penedés, que debería ser junto a la viña. Una punta de lanza para encontrar el equilibrio entre paisajismo, su heterogeneidad, y otro Penedés posible.


Finca Parera está en el camino, siendo como es una bodega joven y ambiciosa que ha puesto el marcador a cero. A mediados de los 90 decidió trasladarse a Sant Llorenç D'Hortons, dejando atrás huertos y frutales, para buscar zonas fértiles de secano, concentrando su producción en Olivos, Cerezos y Ciruelos, con el cometido de cercar las viñas junto a las zonas boscosas del Sur, y el macizo de Montserrat al norte. En el centro los viñedos protegidos de la intrusión de posibles cultivos noecológicos.
Se partió desde un primer e idealista proyecto, el Sassó Parera Minguet 2010; en homenaje al primer amigo que les cedió la Masia Minguet (Papiol), para instalar maquinaria y elaborar este curioso blanco. Un cupage de Xarel.lo y Chardonnay poco entendido por los restauradores, del que tuvieron que idear un ingenioso decantador para que éstos pudieran entender la complejidad de semejante vinazo y servirlo en perfectas condiciones en restaurantes. 3.558 botellas de las que a día de hoy están totalmente descatalogadas, con prensado a pié de toda la vida, con crianza en barricas de Acacia, y con un poder de envejecimiento envidiable.
Decanter by Parera
El único vino conocido por los allí presentes, desde que tuviésemos el gusto de acabar con las existencias que allá por el 2012, cuando nuestro vigía Xavi “Solanet” nos brindara la ocasión de disfrutar de sus virtudes: Un vino cerrado de inicio y muy volátil en un primer envite. Que una vez henchido de oxígeno, se abre como una flor repleta de aromas oxidativos ajerezados, frutas blancas y mucho fruto seco (avellana, nueces...). También hierbas aromáticas, hinojo, raíces, Jenjibre... Un vino con cuerpo, postgusto largo, seco, untuoso y buen compañero de manjares potentes.

Además de observar su evolución tras los cuatro años de botella que lo ha amansado ligeramente. Tuvimos también la oportunidad de compararlo con su hermano más joven, Sassó 2012; esta vez 100% Xarel.lo y sin los errores que según Rubén, tenía ese primer vino (benditos sean esos errores que dan anomalías como la del Sassó).
El nuevo Sassó es más goloso en nariz y mucho más abierto, más accesible. Con una nariz cromática de amplio espectro nos da mucho más y de manera inmediata: Ahumados que quedan en su segundo plano tras la aparición de, ahora sí, las avellanas, toques salinos a piedra y playa, pedernal, hierbas de monte bajo (hinojos,eucaliptos), algo de fruta cítricos sobretodo. Pero que recuerdan más a la cáscara y a ese toque maduro y amable de las claudias.
Paso de boca glicérico y amielado, persistente pero bastante más fresco que su antecesor. De veras que no parece extraído de sus viñas más jóvenes.

Lo cierto es que los prolegómenos de la cata los hicimos con sus tres vinos más jóvenes. Aunque desgraciadamente y debido principalmente a las fechas de la misma; con la nueva añada 2014 apunto de envasar y la 2013 de caída. Roig y Fosc son los que más acusaron la falta de frescor y expresión, que resaltan en la idoneidad de consumo que de Otoño al final del Invierno. Sin embargo y aunque bastante bebibles, fue el Clar quien puede que al estar vinificado con las viñas más viejas (curioso), mostró una longitud y tenacidad heróica.
Vinos de consumo y RCP superatractivos, que intentan visualizar la franqueza de las viñas con un tratamiento radicalmente natural y sin intrusismos. Y que plasman en contacto del vino en boca directo, sin intermediarios que confundan al consumidor con inventos que no sean la sencillez, espontaneidad y frescura de los mismos.

Y el final de la travesía no pudo ser de mejor manera. Con los primeros rayos de luz alumbrando en final de las galerías recargoladas, descensos directos y veloces hacia los interiores, que nos condujeron hacia un mayor entendimiento del significado del cultivo biodinámico. La pasión desatada de Rubén cuando habla de la aventura que le supone el aprendizaje en contacto con el campo, en un diálogo continuo con la tierra, las viñas, su poda y cuidado. El sentirse cómplice del dinamismo que ejercen los tratamientos ancestrales, y el resultado final: Con vinos inimitables que ilustran un modo de trabajo ecológico extremo.
FAUST, tanto el 2008 y el 2010, que dan la medida de la evolución tan asombrosa de un tinto clásico de Cabernet Sauvignon 45%, Merlot 30%, Ull de Llebre 15% y Garnacha tinta 10%. Criado en barricas de segundo uso y dos años aprox. de crianza. Pusieron el lazo final junto al único KHRÓNOS; un buque insignia reserva 2007 de Sumoll, Tempranillo y Garnacha.

Tres vinos imponentes que poco o nada tienen que ver con lo que el público presupone de un Penedés inmobilista y acomodado. Vinos de personalidad rotunda y cuerpo musculado y fibroso a la vez.
El Faust 2010 más joven, tiene un perfume inicial a ahumado, a hoja de puro todavía verde, con una contundencia tánica nerviosa a la vez que cálida. Sorprende su evolución en botella tras los dos años, cuando se le compara con el 2008: Más afinado, elegante y balsámico. Con un carácter mineral y de fruta roja golosa, sin la persistencia del regaliz de la anterior añada y con una madera tostada más determinante. Es un vino largo y que se torna más amable, cariñoso y adictivo al pasar del tiempo, mucho más elegante, fresco... En general un vino que está muy por encima de sus 15 euros de valor.

Si FAUST nos enseña a ver desde los ojos de un mosto, el paisaje característico de un entorno y el trato humano del mismo. KRHÓNOS debería ser la conclusión de un trabajo mimado hasta la extenuación en auténtico vino de autor. Con una complejidad que se hace a si misma a medida que se descorcha. Creciente en notas, detalles casi ínfimos y evolución crepuscular, es un vino profundo y muy largo de toques tostados, minerales, con una estructura casi perfecta y una construcción digna de la Tárraco Romana; imperturbable en el paso del tiempo. Ese toque verdoso ligeramente amargante que le da el Cabernet, está tan perfectamente integrado, que le da una redondez espectacular.

Palabras todas vacías las que el que aquí suscribe podría alargar en un bucle sin fin; el diálogo de Rubén Parera como comunicador directo y ferviente, y los apuntes precisos de Íñigo, dejan esta parrafada en una simple brizna de todo monumento didáctico al que asistimos. Inconveniente el mío que tiene solución; a Rubén y a todos aquellos que lo acompañan en semejante y pasional aventura. Los pueden encontrar con facilidad en Sant Llorenç D'Hortons, Penedés o dibujado en las creaciones de Celler d'en Tassis con quienes también colabora.
PD. Agradecimientos infinitos a Amadeu Gavalda por el esfuerzo de proporcionarnos semejantes encuentros. A Vadebacus por la logística y posterior ágape. Y Rubén Parera & Co. Por sus lecciones de valor incalculable.
 http://www.fincaparera.com/
https://www.facebook.com/pages/Finca-Parera/380840571952236 
Pequeña historia y situación 

 

lunes, 20 de octubre de 2014

35 MUERTOS, DE SERGIO ÁLVAREZ Editorial Anagrama/2011 o 2013 según edición.


* "Ayer los sicarios degollaron a no sé cuántos desdichados y les   hicieron la corbata, sacándoles la lengua por el cuello"



Hoy toca por fin hablar de él, de mi libro. Compañero incansable que ha coloreado de mil desventuras esta larga travesía hasta las puertas del tribunal. Y que aun a falta de veinte páginas para sentenciarlo, será condenado a buen seguro mientras todavía humeen estas líneas.
Tocado por la varita de la inopia me ha costado de verdad, lo que no lo había hecho ningún otro libro. Quien sabe si por el placer de levantar el pie del acelerador, cuando uno cae por fin en las redes de una buena historia. O por simple desconexión del presente, que en constante genuflexión te postra y apisona sin titubeos. Cuatrocientas ochenta y nueve páginas con las que este Bogotano resume en nueve años de escritura, su propia aventura a la hora de retratar su Colombia natal desde los intestinos: las calles, y sus actores secundarios más anónimos y auténticos.

Y es que aunque me he prometido mil y un veces ante el espejo, no desahogarme con mis propias taciturnas miserias; esas que a uno parecen absorberle el seso, la capacidad imaginativa y el poder ensoñador. Hete aquí que me he visto con semejante bocanada de realidad entre las manos, para acomodar los malos pensamientos, dormirlos y así poder fantasear en otras latitudes, más lejanas y extraviadas. Decisión errática si se quiere, pero tremendamente emocionante a la par que regeneradora. Es tanto el tiempo que ha pasado sin que las páginas de un libro me secuestraran el juicio. Que con este ha sido como una mezcla de veracidad y abducción a la juventud egoísta, en la que discos, libros y cómics eran los únicos que con total certeza le empapelan y amueblan a uno la cabeza.
Toda para mi sentado sobre un banco del parque mientras que la velocidad del descenso y la introspección consume el pitillo hasta abrasarte los dedos. Ese envasado al vació al que se reduce el griterío de los chiquillos, el rumor de las cotorras y el paseo constante de coches y motos. Porque la buena prosa tiene esa capacidad mágica de detener la vida y hacer brotar como lucecitas, nuevos tallos en tus entrañas.


Botones cometió el último crimen nueve meses después de muerto; mientras vivió y anduvo suelto por Colombia asesinó a trescientos veinticuatro ingenuos que tuvieron la mala suerte o el atrevimiento de cruzarse con la rabia, las ambiciones o las armas que el bandolero siempre escondió bajo la ropa. Como todo buen asesino, Botones siguió matando mientras se pudría en el cementerio.
Suenan los primeros acordes de “Don Goyo” de las cuerdas vocales de Graciela Arango de Tobón, y arranca así la aventura de un anónimo circunscrito en el momento de la muerte de Botones y de su trascendencia después de muerto: El soldado que asesinó, la novia de éste que buscó consuelo en un viejo pretendiente para concebir al protagonista, la puta a la que fecundó antes de morir, y la consecuencia de semejante cruce de casualidades. Una historia en clave de aventura de supervivencia, por el cual Sergio Álvarez intenta en una búsqueda continua, descifrar las claves de la violencia en su Latinoamérica; en este caso en Colombia, Bogotá y los escenarios rurales que circunvalan (de los 70, al cambio de Siglo). No de una forma histórica o sociopolítica más recta y docente. Sino desde las vivencias de un perdedor y todas aquellas personas que se cruzan en su camino, y que vertebran el guión en infinidad de biografías paralelas con las que mantenernos siempre en guardia; para no perder nunca, el ritmo siempre veloz al que nos convida. Todo desde la sencillez de sus gentes y con una naturalidad escalofriante y aterradora
Con una narrativa caníbal, endiablada y sin tregua alguna, el escritor a golpe de cumbia, rumba y bachata; con la música y el ritmo frenético de sus protagonistas como hilo conductor. Nos dibuja una Colombia despiadada, no falta de ternura y melancolía sin igual en boca de los personajes; que son los que realmente dan forma a la historia.

SERGIO ÁLVAREZ


35 MUERTOS es un libro distinto a todos aquellos que han intentado mediante la aventura, dar forma a un universo tan presente en nuestros días como desconocido desde fuera. Mantiene ciertos paralelismos con Cien años de Soledad, o un Lazarillo de Tormes más contemporáneo e imaginable. Sin embargo y aunque hable en la más pura ficción de situaciones crudas, hiperrealistas, y tremendamente sanguinarias. Mantiene siempre en alto esa chispa de esperanza soñadora por la que sus protagonistas discurren en incesante búsqueda germinal del amor inalcanzable, el sexo instintivo o la magia de la música: La Fania, Héctor Lavoe, Ismael Rivera, Rubén Blades, Willie Colón, Tito Puente... marcan los constantes cambios de escenario: “El man se quedó callado. ¿Le gusta Silvio? ¿Rodriguez? Claro. No mucho.¿Porqué? Ese hombre es un peleón y cree que hasta el amor es una batalla. Huy, hermano, le tiró a matar al pobre Silvio.Si quiere oírlo, póngalo. ¿Y Milanés? Ese sí me gusta, Milanés sabe querer ¡Tan romántico!, me burlé y el man casi que se vuelve a llorar. Puse un casete de Milanés y me recosté en la cama. Muchas veces te dije que antes de hacerlo había que pensarlo muy bien, empezó a cantar el negro Milanés y el man sonrió reconfortado. El man se recostó en mis piernas. Milanés pasó a cantarle a Salvador Allende y empecé a acariciarle el pelo. Era claro que ese man andaba muy jodido porque se quedó quietico, cerró los ojos, encogió el cuerpo y volvió a llorar hasta que se durmió
 
Hasta ochenta y dos canciones requiebran y cambian el paso con cada estrofa y su autor en cada giro de la narrativa, en cada uno de los intentos vanos por enderezar sus existencias. El libro supura calidez y rítmica por los cuatro costados, esa magia soñadora de revolución que vela por momentos la verdadera tragedia del relato. Pero que en ningún momento varía el avance imparable de la novela siempre hacia adelante: suicida, trágico, sangriento, inconmovible pero aun y así poético. Con un menosprecio por la brevedad de la existencia que te hiela el aliento, pese al tropicalismo natural que rezuma. Repleto de guiños inocentes, tiernos y psicodélico donde drogas, delincuencia, supervivencia y desengaños, lo dotan también de ese inconfundible aroma a tragicomedia latina, violenta y despechada. Lo que contrasta en una maravillosa sinergia, con la condena y crueldad que se describe en su líneas; por mucho que intentemos con disimulo asirnos a la ternura de sus personajes.
35 MUERTOS tiene mucho de grito desesperado y de exigencia de respuestas, frente a la espiral de violencia que se perpetua en países como Colombia. Su estética solo en apariencia de oda aventurera no menoscaba el mensaje directo casi agónico, que sucumbe a menudo en la cotidianidad de los telediarios. Y además nos introduce con su prosa adictiva, pasional y emotiva... casi biográfica, en un universo a veces tabú donde la música fluye como una corriente sanguínea. El de La Fania como catalizador ideal para entender los flujos universales migratorios a lo largo y ancho del continente y las particularidades sociopolíticas de semejante echos en sus lugares de origen. Con unas influencias todavía poco reconocidas para los que nos fascinan la variedad cromática del binomio Cultura/Música, y el anonimato de sus protagonistas a pie de calle.
Así es como las vivencias exhaustas e invisibles de los protagonistas, han desmenuzado mi tiempo y espera. De este año en el que su longitud narrativa casi radiografían el largo camino hasta mi ansiada recuperación.
Un libro muy recomendable y esclarecedor; de verdad de la buena. Que en una mañana de Domingo perezosa, con la magia infantil de despertar a ritmo de radio en la cama, me sirvió el desayuno en forma de obra literaria de la mano del El Gran Quilombo de Radio 3 a los mandos de Consol Sáenz.

lunes, 13 de octubre de 2014

MORE MORRISSEY IN PLATFORMS Sant Jordi Club 10/09/2014





Veintinueve años y casi cinco meses es mucho tiempo y una larga distancia, para los pocos alumnos aventajados que no han perdido la memoria todavía en cualquier callejón de la urbe del tiempo. La gira de Meat is Murder que llevó a Morrissey y The Smiths de gira por Madrid y Barcelona en la primavera de Mayo (previa cancelación de San Sebastián) de 1985. Mide en largas distancias de fondista musical, una carrera por entre páramos, carreteras secundarias y caminos zizagueantes. De un autor controvertido, poético y singular al que el amor incondicional y el odio por partes iguales ha generado como un retroalimento de dulzura venenosa su mito, mitad leyenda mitad grandeza.
En los albores de una decadencia a grandes rasgos marcada por industria musical de boceto, y el culto a la estética, el romanticismo y el simbolismo de quienes lo veneramos desde tiempos a. Regresa con un nuevo disco, el décimo de su carrera en solitario tras la disolución de The Smiths en 1987: Discutible, revanchista como siempre, y de los más irregulares según criterio propio y a sabiendas que la perspectiva del tiempo nos dará su justa medida.


World Peace is none of your Business no es quizás el álbum deseado por sus seguidores más críticos: Insufrible en longitud, el menos popero de su carrera, reflexivo, de arreglos desacertados y a veces con la sensación de bagar sin rumbo. En fin, mil y un adjetivos que a uno le pueden venir a la cabeza. Sin saber con certeza, si es como aquella sensación de despecho del amante al que le acaban de poner los cuernos, lo que te hace anhelar con melancolía de un pasado que quedó atrás. O si es un juicio injusto a un artista de 55 años que no tiene que rendir cuentas a nadie, ni justificar su pasado; más cuando siempre ha sido de minorías, salvo cuando se le critica por sus declaraciones y sus actos.
En realidad nada ha cambiado demasiado desde que la prensa sensacionalista atizara inquisitoria, sus ambiguas letras con The Smiths. Y yo con 44 años, tampoco estoy por la labor de juzgar a nadie; con la de cosas por las que indignarse, tal y como está el patio. A Morrissey siempre se le ha reprochado con agravio comparativo hacia su anterior banda, no ofrecernos una continuidad digna y a la altura de The Smiths. Y creo que es un error de bulto, y una falta de tacto no dar la importancia que se merecen Johnny Marr, Andy Rourke y Mike Joyce. Vamos, es como si creyésemos que Morrissey sin estos tres elementos, debiera hacernos sentir por clausula contractual lo mismo que The Smiths.
Y no es solo una cuestión de calidad o de estilo, tan solo que son dos cosas diametralmente distintas. Morrissey era la figura más visible y significativa de The Smiths. En solitario es él y sus circunstancias, para lo bueno y para lo malo; aunque yo creo que porcentualmente es incomparable a su ex banda y sin embargo lo disfruto al 100%. Te puede gustar más o menos, pero tanto análisis sería igual de equiparable al de Frank Black, Peter Murphy, Lou Reed o George Harrison... y sus anteriores bandas. Algo verdaderamente absurdo y sin sentido.



Así que como se que este es un debate sin fin y solo acorde con el gusto del oyente. Yo, si me lo permitís, voy a ceñirme a mi experiencia personal. Que después de 30 años siguiendo su carrera al dedillo, y tras rememorar con ésta su primera visita en solitario: Esa primera vez que nos llevó hace quince años a Lisboa para cumplir mi sueño y el de otro puñado de Españoles por tierras lusas.
No voy a malgastar tiempo explicando algo tan íntimo y tan significativo para mi forma de entender la música. Máxime cuando es la primera vez en cinco años que decido escribir en esta triste bitácora, sobre uno de mis artistas de cabecera. Y convencido como estoy, de que serán ya los medios de rigor los que se entretengan en seguir hurgando en portadas sensacionalistas con las que alimentar la leyenda y sus egos de jueces supremos. Yo, si me perdonan mi personal parcialidad, prefiero disfrutar por lo que me queda, de su música, su lírica y su directo; que creo que es lo justo por lo que valorarlo. Puede que a lo mejor el tiempo y su retirada, sean los únicos que acaben dando su justa relevancia en la música de estas últimas décadas.



Amaneció el Viernes sobre Barcelona como una de tantas condenadas mañanas de mierda de este inicio de mes; raro raro inicio de Otoño el de este año: Encapotada, neblinosa, húmeda, fresca que sin ser fría te obliga a ponerte una rebequita... Vamos una mañana de esas a las que invita más a frenadol y trifásico de coñac, que a desayuno estándar. Menos mal que es bien sabido aquello de: “Donde nace niebla, con más fuerza luce el Sol”; os lo juro.
Y a las 19:30 como un tiro, tras sortear el típico tráfico infernal que circunvala la ciudad Condal. Que tampoco es cuestión de ansia o lo habitual, pero los que estamos acostumbrados a salas reducidicas y venimos de la conchinchina, mejor siempre con tiempo.
El justo para agenciarnos los bocatas (de tofu y seitán por supuesto... es coña) con sus correspondientes cervecitas, y al cobijo de un buen árbol. Una larga cola de 100 mts. hasta la entrada, y el tiempo para saludar a viejos camaradas mientras se escudriña al personal en busca de caras conocidas. Y perdonen si uno padece el mal transitorio del grupie histérico, pero a tortas con las canas rebeldes uno no puede evitar rememorar sus filias de arrebatadora juventud.
Al final como siempre suele pasar en el caso de viejas glorias que en boca de todos merecen el respeto. Allí los de siempre, en familia, y solo los incondicionales. Con un feo Sant Jordi club con estética de polideportivo y semi vacío a falta de minutos escasos.
Al final se llenó, eso sí, no se si por los elevados precios, pero allí solo se dieron cita menos de lo que se presupone cuando se trata de un artista de la talla de Morrissey. Lo cual dicho sea de paso, agradezco puede que de manera egoísta. Pues acudir a lo que sería el tercer evento musical de magnitud con mi señora y mi hijo de 12 años; (Pixies y Dominique A quedaron atrás como primeros experimentos). Y conseguir plantarse en primera fila, que es como se han de vivir estos conciertos, en las trincheras. Es de agradecer: el que no hubiera demasiados hypsters también (como mola a veces estar pasado de moda).


Sobre un entelado que cubría el escenario, se sucedieron media hora antes el aperitivo que Mozz suele seleccionar previos a sus sets; esta vez ilustradas con imágenes (como un signo del cambio de los tiempos): Ramones con una de sus primeras actuaciones, Nico dando voz al inmortal I'm not Sayin, New York Dolls con Looking for a Kiss, Charles Aznabour, Vince Taylor, una primeriza Siouxsie y su “Make up to Break”, un jovencísimo Brian Eno , y extractos de Brigitte Bardot, James Baldwin, Dame Edith Sitwell, Neal Cassidy, y Lipsinka entre otros fetiches. Y por fin su aparición con la banda que le acompaña de costumbre desde el 2006 aprox: Boz Boorer, Jesse Tobias, los hermanos Walker, y el nuevo teclista Gustavo Manzur; quien han compuesto algunos de los temas de su último disco.
El arranque con un determinante y explícito “The Queen is Dead”, apoyado por dos lienzos donde iban apareciendo imágenes, en este caso con la Reina Isabel alzando el dedo corazón; fue como un exfoliante regreso al pasado. Le sucedió “The Bullfighter Dies” al grito de: “la vergüenza de España”. Quien gana bastantes enteros, con el vídeo no oficial ilustrado con la crueldad que se merece: Una de las canciones destacadas del disco, pese a que la letra podía haber dado algo más de si para estar a la altura de esos oportunos riffs que tanto nos recuerdan a The Smiths. Y ante la duda de averiguar si sería la setlist de Lisboa (centrado en la práctica totalidad a su último disco), o el de Madrid (más variado) la duda acabó por despejarse conforme avanzaba el evento; más de lo primero que de lo segundo.

Los mejores temas de su última entrega (por lo menos los que a mi más me gustan), se alternaron inteligentemente con un magistral “How on is Now” y una añorada “Certain People I Know”. La primera, una de esas piezas capaces de captar nuevos adeptos con la increíble vigencia que ha ido ganando con el paso de los años, además de que su interpretación en directo supera con creces a la de The Smiths. Y uno de los singles de Your Arsenal que con los años a acabado por disipar esas primeras críticas, cuando Mozz y su nueva banda Rockabilly encabezada por el exPolecats Boz Boorer y Alain White, dieron definitivamente la espalda al Pop postSmiths.
Una primera parte del sucinto concierto, donde se concentraron los mayores aciertos de su extraño último disco. Un disco que sobre las tablas y con un Morrissey en un estado de forma pletórico, se entiende bastante mejor o por lo menos se argumenta con más justicia. Canciones como “Kiss Me a Lot”, “Neal Cassidy Drops Dead” o su primer single “World Peace is none of your Business” donde se concentran sus mejore textos; sobretodo en la segunda que es de lejos la que más gana en directo. Donde se aprecia con mayor lucidez la incomparable manera de cantar Pop que tiene el Mancuniano y la excelente forma de madurar, pese a quien le pese la dirección que ha tomado su carrera. Mención aparte “Earth is the Lonelist Planet”, que la verdad es que fue de aquellos temas que demuestran que tanto arreglo y detalle con el que se han guarnido algunas de las canciones; por lo menos sobre el escenario. Se defienden con solvencia a los mandos de un multiplicado Gustavo Manzur, y se puede hasta descubrir cierta magia. Evidentemente lo más relevante y llamativo que se puede extraer de este repertorio nuevo en directo, es que la mayor parte del peso del temario recae sobre su voz; con un grado más alto de exigencia. Que los medios tiempos prevalecen sobre el Pop agitador de su anterior disco, que se puede dosificar mucho más y que su voz luce muy por encima de sus anteriores visitas al FIB.



Canciones esperadas e incansables por mucho que hallan sonado en sus directos, “I'm Throwing my arms around the Paris”. De esos singles que ya se preveían como incombustibles o “Trouble Loves Me”: Heredera de un Maladjusted/1997 que estuvo largos años olvidado en sus giras, y que vuelve a recuperarse para demostrar que no es ese flojo disco como Kill Uncle que muchos piensan.
Son este tipo de temas lo que hacen realmente interesantes las giras sin disco de estos últimos años. Esta no obstante hay que admitir que es de las más personales y reflexivas, desde que a finales de los 90 se lanzara de manera suicida a giras de 150 o 200 conciertos por año. Una de las más exigentes por la profundidad de su implicación en temas de actualidad, no en vano podría acudir con facilidad a un repertorio más popular y consensuado. Sin embargo para alegría de sus seguidores más fieles, y desgracia de los que lo conocen por sus cuatro canciones más famosas. Desde hace aproximadamente 4 años, viene cambiado y recuperando canciones que hacia 10 y 20 años que no tocaba. El caso por ejemplo de “Asleep”, esa canción que tantas críticas le valió por considerarla una nana que proclamaba el suicidio, o “To Give (The reason i Live)”. Una de tantas “reivindicanciones” en forma de cover firmada por Frankie Valli y que no está publicada. Que se podía haber ahorrado dicho sea de paso, porque mira que tiene de infinitamente más acertadas de: Buzzcocks, Magazine, Patti Smith, Raymonde, o The New York Dolls. Y ya no digamos si hacemos un agravio comparativo con el set más variadito que dio un día atrás en Madrid; con incluso dos canciones más.



De todas formas me alegro que me halla dado la oportunidad de cogerle más cariño a su último disco, aunque las hay que ni pintándolas de rosa. El tramo final por ejemplo hasta llegar al final con Asleep, con “Kick the Bride Down the Aisle” o “I'm not a Man”. Que por mucho que quieran emular a grandes baladas de su pasado, no les llegan ni a la suela. Tanto que ni con la archiexplotada “Speedway”, o la cruel exposición de “Meat is Murder” en las tan explícitas y macabras proyecciones, consiguió evitar la sensación de que el final podría haber sido más generoso.
Y mira que yo a los conciertos de este hombre voy con un escepticismo y un pasar de crearme expectativas de órdago. Pero hombre, que se yo... un “Staircase of the University”, un “Dissappointed” o un miserable “One Day Goodbay Will be Farewell” creo que nos lo merecíamos. Y entiendo pese a mi emoción, el enfado de algún sector del público: En Lisboa 19 temas, en Madrid 20 y aquí 18 con el esfuerzo que supone dejarse 56 eurazos.
Y que conste que pese a tenerlo en un altar y seguirlo desde hace casi 30 años. Soy de los que cree que para valorar a un artista, hay que saber criticarlo con criterio, y no estoy a mi edad para mitificar absolutamente nada.


Por suerte cerró con uno de esos antídotos con los que disipar cualquier duda, “Everyday like Sunday”. Una de aquellas canciones que cualquiera podría estar escuchando hasta el acabose. Demostró a los descreídos que pese a los rumores de mal estado de salud; que uno no acaba de creerse del todo. Está en un estado vocal y de interpretación increíble. Que sin lugar a dudas es la voz total que siempre fue, con toda la tergiversia que pueda arrojar su discografía. Y que la banda que lo acompaña hace sonar los viejos temas de The Smiths y los nuevos, como nunca lo habían hecho. Lo que hace una vez más nos podamos convencer que es uno de esos cantantes en vías de extinción.
El personal salió en un estado de flotación y satisfacción visible a todas luces. Y rematar la noche con el salto a la palestra como uno de los deseos más inalcanzables de uno de mis amigos de toda la vida, Luis “Le Nuit”. Le deja a uno la sensación de que la pasión de juventud no se ha de perder con la edad. Y que aunque resulte para la mayoría un amor desmedido que roza la histeria, yo, la entiendo... Vaya si la entiendo.

PD. Solo me queda lanzar una inevitable y morbosa pregunta al aire - ¿Se imaginan por un momento como podría sonar el estupendo (por fin) nuevo disco de Johnny Marr, con Morrissey al timón de las voces? Solo de pensarlo, como escarpias se me pone la piel...

Goodbye, and thank you...
 

martes, 7 de octubre de 2014

THE BUG / ANGELS & DEVILS_2014: O LA TEORÍA DEL ERROR






El historial de mareas, pleamares, simas y corrientes submarinas siempre nos vuelve a recordar, que tras los cambios climáticos y lunares, las modas son solo eso: modas pasajer@s y caprichosas. Porciones de bajeles hundidos que emergen y acaban siendo devueltos al puerto que los fletó cuando arrecian los temporales.
Massive Attack claudicó su legado en los albores del cambio de milenio, con uno de sus álbumes más memorables, Mezzanine. Años en los que aquello que con tan poca precisión se acuñó como Trip Hop, y que democratizó los ritmos electrónicos para todos los públicos; en una comunión entre el Rock, la música negra y la electrónica de angora. Consiguió sin apenas trascender en el desmemoriado tiempo y por primera vez; sentar a la misma mesa a tanto a especímenes de distinto pelaje, como a integristas musicales.
Con el cambio de siglo se hizo el silencio, y cuando volvieron a salir de sus guaridas, el Trip Hop ya era una denominación tabú. Han tenido que pasar más de diez años para para valorar en sus justa medida el legado que nos dejaron bandas como Massive Attack, Portishead o Tricky, y volver oír hablar de electrónica en clave de Rock, Jazz, Blues, Reggae, o Pop. Y es que los polos opuestos siempre tienden a volver a encontrarse. Y son tan imaginarias como inexistentes las fronteras musicales, que ya a nadie en su sano juicio se le ocurriría ya acotar por estilos la universalidad de la música.



Kevin Martin, es quien se esconde tras THE BUG. Resultado fallido y cortocircuitado de mil proyectos cooperativistas, producciones, y empresas diversas. Un picapedrero que entre tramoyas y bastidores lleva más de veinte años generando música desde la colorista y más diversa multiculturalidad: Desde King Midas a God y pasando de Ice a Curse of the Golden Vampire.
The Bug sin embargo y con total certeza, es el proyecto más personal e identitario de su larga carrera. Tanto, como los seis años que separan su anterior y más destacado trabajo “London Zoo/2008”, de éste su último “Angels & Devils” también en Ninja Tune. Una obra conceptual con dos caras bien diferenciadas, tal y como atestigua su título. Que rescata sin pudor alguno y con muchas intenciones, gran parte del naufragio musical de los 90. Llevándolo incluso a una vuelta de tuerca necesaria en tiempos de calma chicha.


Entrar a este fibrado álbum por la trastienda nos puede deparar algún que otro sobresalto. Lleno de trampas, socavones y la justa iluminación de las luces de emergencia. Se corre el riesgo de sucumbir a las fantasías más angostas, submundanas y abrasivas de Kevin Martin: Hip Hop caústico, psicótico y apocalíptico, Punk futurista y mucha con bilis concentrada en sus beats. Con lo cual, siempre es más prudente dejarnos amilanar y seducir por los cánticos que Liz Harris nos susurra desde la entre abierta puerta principal. Como buenos y educados niños preguntando si se puede, y a lomos de la flotante “Void”, que nos invita a sucumbir a sus encantos.
Se pueden imaginar estancias acolchadas propias de sueños lisérgicos, blancos impolutos... Pero también está esa especie de viaje que transpira toda la obra. Por el cual se camina canción a canción desde ambientes evocadores, atmosféricos y oscuros en sus primeros cortes: “Fall” con Copeland a las voces, y que junto a “Ascension” nos invoca a los Massive Attack de Mezzanine o algunas facetas más profundas de sus primeros discos, con Dubs saltarines de calado como el de “Mi Lost”.
Se impone la electrónica más elemental y primaria en otros tránsitos: “Pandi” y esa brisa postindustrial desnaturalizada del primer tecno de los 80 con pedigrí. Aunque hay numerosos elementos y tics que afloran en las composiciones de Kevin, que inevitablemente nos conectan a sus influencias más universales en la técnica que practica. Por eso supongo que me resulta curioso y excitante ver con la facilidad que pasa con un tema del más puro trance meditativo, como es “Save Me”; con Ecks Gonjasufi en el atril. A engarzar en una casi plegaria redentora, como un tránsito de la armonía natural al caos autodestructivo, que desencadena en la segunda mitad del disco. Y que de alguna forma ilustra desde la raíz esta vez más urbana, el camino y la síntesis del paisaje en nuestra actualidad; visto por el espectador Kevin Martin.


La explícita clarividencia con la que actúan sobre el oyente, los siguientes seis temas. Son como el mejor desenlace; con suspense, luces, sombras, y un final de violencia desmedida. Al estilo de Quentin Tarantino.
Me encanta como suenan estas últimas hornadas de Hip Hop, donde la electrónica cruda, huesuda, el Punk en segundo plano y la experimentación, hacen de perfecto soporte a los rotundos rapeos de Death Grips, Flowdan, Warrior Queen o Manga. Tanto como escuchar a Dead Kennedys, Hüsker Dü, o The Clash; por incompatible que pueda parecer. Ese Hip hop secante y tétrico que en el fantástico sample MATERIAL INTONARUMORI ya nos enseñaba en el 99, ese otro Rap orgánico, simple y visionario a manos de Ramm ell zee, Lori Carson, Kool Keith, PhonosycographDISK, o Juggaknots entre otros.
Por eso supongo, en mi más ignota de las ignorancias, que el efecto viral y catártico que me produce “The One”, “Function” y “Fuck A Bitch”, en mis instintos más bajos. Es la consecuencia natural acción/reacción que debe generar el Hip Hop, si de verdad cumple con la misión que le encomendaron Public Enemy o Beasty Boys, en tiempos de revuelta.
ANGELS & DEVILS es un disco determinante por intenciones y convicciones. Extremista por contrastes de frío/calor y tonificante por el resultado, que aun siendo como es de una electrónica de tocador accesible y popular. Cumple con éxito y solvencia la tarea de guía iniciática hacia otros pastos con más riqueza y diversidad que el simple SynthPop de salón, copa y cuché. Una de esas obras que por su medianía, me concilian cada cierto tiempo con lo que para mí son aquellos ritmos sintéticos que me despertaron la curiosidad hace treinta y tantos años.
Y créanme que no hay porqué ser un académico temático para disfrutar de un buen pica pica. Se dice que en la variedad está el gusto, y en el riesgo de lo impredecible la aventura.

miércoles, 1 de octubre de 2014

PASEANDO ENTRE LAS LANGUE CON JUANCHO ASENJO (Barolos, Barbarescos y demás criaturas)

Jordi Fontanet photo.



De MOMENTOS trascendentes en nuestra vida hay tantos, tan diversos e inolvidables, como los aros que circunscriben el tronco de un viejo Roble. De buenos y de malos, de traumáticos o de eufóricos, de aleccionadores y también de revanchistas... Con 44 años ya a mis espaldas tiendo a creer, quizás por recientes sucesos, que la vida hay que devorarla desde la perspectiva que a uno le da el disfrute del instante, por si no hubiese un mañana. Que hay que saborearla al segundo, poderla absorber de todo aquel que se cruza en nuestro camino; en el consenso y en los desacuerdos. Pero sobretodo y si se tiene ocasión, compartirla y contagiarla como si de una pandemía de generosidad se tratase.
Y puede que esto suene un tanto épico y desatado. Tampoco voy yo ahora a teñir de filosofía barata de tres al cuarto, ni a disimular la euforia.

Pues bien, lo acontecido el pasado Viernes por la noche en VAdeBACUS Restaurant tuvo mucho de eso. Lo más parecido a un buen concierto de Rock donde el maestro Juancho Asenjo ejerció de solista inspirador, en la que los instrumentos perfectamente afinados de la orquesta de acompañamiento se transmutaron en quince hermosas botellas de Barolo, Barbarescos, Barberas + un blanco Timorasso. Y donde los suertudos asistentes tuvimos el privilegio de no solo oírlas con los cinco sentidos, sino de poderlas hacer sonar en celestial armonía como una auténtica banda. Conscientes de que ante todo, somos un pequeño grupo de amigos que se reúnen dos veces por mes, para en autodidacta pasión disfrutar del vino en cualquiera de sus formas posibles. Y que no cejamos en la idea de impulsar nuestra amistad/afición con nuevas metas.
Eran muchas las ganas y el tiempo invertido por el grupo y en particular por Carlos, en fructificar este encuentro con Juancho Asenjo. Teniendo en cuenta la dificultad de la distancia que nos separa, y su ajetreada agenda.



Para los desconocedores de los entresijos del vino y sus laberínticas galerías subterráneas. E imaginando una posible duda de... ¿Quien es Juancho Asenjo?, sin el menor interés en extenderme en muchos de los elogios que otros con mayor acierto ya se han encargado de sembrar por la red.
Simplemente escribiendo el nombre en google nos saldrán infinidad de datos: Conocedor infatigable e insobornable del mundo del vino ( desde el terruño del campesinado, hasta las más altas esferas del mundo de la gastronomía y la restauración). Divulgador heroico de la cultura vinícola Italiana; teniendo en cuenta del hermetismo y poca permeabilidad del país Transalpino a la entrada de foráneos en su universo vinícola, y con el plus que le otorga ser el único no Italiano nombrado Cavaliere. Un guerrillero de trinchera y cuerpo a cuerpo cuando se trata de acercar con un lenguaje directo y didáctico, su pasión al público más general todo lo que confiere la historia, el terruño, y la identidad del vino. Un Punk por principios y convicciones además gran conocedor por propia experiencia del mejor PunkRock y PowerRockero de finales de los 70's/80's y... Bueno... en efecto, hay algo que está muy por encima de su trayectoria y su sabiduría.

En las distancias cortas, una PERSONA de una honestidad y generosidad incalculable, y un conversador pasional y entrañable con el que se podría estar charlando de cualquier tema hasta el despuntar del alba. Desde Vinos, historia, teatro, música, deporte, política, cultura en general... hasta esa perspectiva tan lúcida y equitativa que contagia y comunica como nadie.
Con él se aprende algo mucho más importante que todo lo citado: La virtud de ver las cosas desde un ángulo tan amplio e interesante, que le hace a uno replantearse muchas de sus creencias. No es que te las rebate, sino que las refunda con el análisis imparcial y amplio que le han dado sus años de viajes, vivencias y conocedor de personas; distintas y variadas

Ahora, mejor sería entrar en faena y relatar a grandes trazos lo que dio de si las casi seis horas que nos ofreció Juancho. Puesto que podría extenderme con desmesura en elogios, y seguro que algo querréis saber sobre los vinos del Piamonte; todo de memoria y empujado por su hipnótica charla, y hala!! sin tomar un puñetero apunte (con lo dado que soy al divagueo; toma palabra inventada!!).
Una Master Class sobre los Vinos del Piamonte, su historia, particularidades geológicas, y la tremenda identidad de sus vinos. Que tuvimos el honor de disfrutar bajo los cuidados del equipo de VAdeBACUS, quienes proporcionaron la acondicionada sala de catas para 13 personas y su esmerado servicio. Y una posterior cena con una charla sin paragón, mientras disfrutábamos de la excelencia de sus elaborados platos: 
 Sushis: Maki de bogavante y mango. Gunkan de pulpo. Seguimos : Carabinero a baja temperatura con polvo de carquiñoli y chocolate con curry y aceite de trufa. Vieira con jamón ibérico y salsa de pimentón rojo asado. Risotto de ceps, espárragos verdes y trufa negra. Bonito vuelta y vuelta con fresones al modena y cebollitas glaseadas. Chuletón de ternera Asturiana con patatas ratte y su mojo verde. Para acabar postres. Nuestro mojito en texturas. Chocolate. Cuatro tipos de chocolates mousse de chocolate negro y blanco, brounnie de chocolate y bombon de chocolate negro relleno de chocolate blanco y naranja.. Ya veis, a la altura del regimiento de vinos.

Se mascaba el nerviosismo, el pequeño reto que suponía organizar el acto de inicio dubitativo y solemne. Y que Juancho se encargó de destensar conforme avanzaba su interesante lección de historia, territorio, y elaboración. Partiendo en primera instancia del origen vinícola dentro del balcón Mediterráneo que conformaban la antigua Roma y Grecia, su disposición de los cultivos como alimento, y la búsqueda de ese origen primordial en muchas de las actuales bodegas: El echo de los viñedos de altura para aprovechar los contrastes térmicos, el tamaño de las tinas, el podado para clarear las viñas de fuera hacia adentro para que alcancen el vigor necesario, la orientación de las vides Sur, Sudeste u Oeste, y hasta el tipo de Roble (nuevo, Francés, Eslovaco, de segunda crianza..) para que las crianzas expresen su verdadero terroir.

Pudimos viajar con la imaginación a la idiosincrasia del territorio de Barolo, sus influencias con Francia y Suiza, y el trascendente legado de la Casa de Saboya en todo el Piamonte. Y el resurgir de de un origen que fue devastado por la filoxera, hasta que la replantación de Barberas y Nebiolos volvieran a hacer suyos los paisajes.
Donde antaño, el ser agricultor en las Cascinas que se descuelgan ladera abajo en los numerosos municipios que conforman el valle, representaba un verdadero milagro de la subsistencia: Clima extremo, vendimias tardías y un valor paupérrimo, que por entonces se le daba a los cultivos de su orografía montañosa. Hizo que no hubiese una Piamontesa dispuesta a casarse con un agricultor del Valle, por la vida austera y miserable que estos llevaban; de echo esa naturaleza humana, es la que le da el mayor signo de identidad a sus vinos.

Las seis botellas que se escogieron para la cata pretendían sobretodo, ilustrar la importancia de la composición geológica en el carácter de los vinos. Teniendo en cuenta que Barolo en las pocas hectáreas de territorio que atesora, tiene uno de los mayores contrastes en composición mineral imaginable. También la importancia de remarcar la peculiaridad de los vinos del Piamonte: Vinos de alta graduación y con mucha volatilidad, con un componente alto de tanicidad y densidad, y que además tradicionalmente se elaboran con largísimas maceraciones que incluso se potencian mediante procedimientos mecánicos. Y que como todo buen vino Italiano tienen una lenta evolución en la copa (necesitan oxígeno a raudales). Lo que los hace vinos especialmente diseñados para largas guardas, y en los que se pretende preservar tanicidad, frugosidad y acidez por largo tiempo hasta cruzarse en el camino.
Claro, como podéis imaginar, el verdadero valor de estos vinos se aprecia mejor con añadas del 2000 para abajo. Y catar vinos del 2008, 2009 o incluso 2006, vinos relativamente jóvenes, es una verdadera experiencia para la destreza del paladar. Y a sabiendas de que en España no estamos demasiado acostumbrados a este tipo de vinos; cuestión de gustos claro.

Empezando de menor peso mineral a mayor y por consiguiente, de mayor suavidad, amabilidad y menor contundencia tánica (de izquierda a derecha), por los tres primeros. Hasta hacer cima en un Barolo de Serralunga, el Boscareto Principiano del 2008: Todo un impácto de tanicidad, intensidad de capa y lágrima, mineralidad y austeridad, que fueron evolucionando desde una primera impresión de tierra húmeda, hasta una complejidad mucho más oscura y fresca.
Los tres primeros si embargo, facilitaron la introducción con composiciones más arenosas y arcillosas, capas de color más degradadas y oxidativas, mayor maduración y maceraciones más cortas (más modernos, para entendernos), y haciendo mención especial al Barolo de La Morra, Torriglione Gagliasso del 2006. Que cautivó de inmediato al personal con ese toque a ahumados tan personal, y en especial a las parejas que nos acompañaron: Mucho más frugales, grosellas, cálidos, menos terrosos y con una evolución hacia el tofee, el regaliz o lo vegetal, mucho más claro y asequible.
En cualquier caso y lo más espectacular fue apreciar la evolución de ellos seis. Empezar desde el primero hasta los últimos, en los que se te agarraba el tanino a las encías. Y volver hacia atrás, para ver que los vinos del Piamonte van mutando, y acomodando el paladar a su impresionante tipicidad. Conforme van cogiendo aire y desaparece la fuerte volatilidad de su graduación, aparecen otros vinos muy distintos.
A mi personalmente me encanta esa primera bofetada de alcohol que dan, y toda esa carga frugal, balsámica y licorosa que llevan consigo. Después desaparece ligeramente y cambian radicalmente, se puede oler la piedra y brotar el tanino, pero el primer golpe te da una muy buena lectura de su estructura, equilibrio y de lo que serán en un futuro.



Tras el didáctico ejercicio de aprendizaje pleno en detalles, anécdotas y rememorando ese pasada visita fugaz que me llevó el pasado año a La Morra en boca de Juancho. Un conocedor de las intimidades más arraigadas de aquellas heroicas familias, que contra viento y marea han construido lo que se llama la capilla sixtina del Piamonte. Territorio de paisaje espectacular, que ha hecho que la disposición de viñas en perfecta simetría luzca ante los Alpes, como ese todo que uno espera encontrar al asomarse por la mañana al balcón Transalpino.

Proseguimos con la fenomenal cena que nos tenían preparada Toni, Vicente y el chef Alex Clavijo: Pequeñas miniaturas de mil sabores y texturas, para que la hora de los Barbarescos llegara con otro acertijo más. El de los tres Pelisseros con tres vinos de la misma bodega, pero diametralmente distintos los unos con los otros por disposición, orientación hacia el sol, pago y caracteres. Como tres trillizos de la misma madre (Nebiolo), parto y momento, pero con miradas y brillo distintos:
TULIN, NUBIOLA y VANOLU, los tres del 2011; en arrogante acto infanticida. Nos pusieron en perspectiva a la hora de entender los vinos por el trabajo que dejan tras de si. Y poder masticar y paladear los pequeños detalles de elaboración que hacen de una misma uva y zona, vinos totalmente distintos... La magia en definitiva, de la tierra y la piedra, la climatología, la evolución de las plantas conforme cambia, la búsqueda infatigable por el cual el hombre interactúa con la naturaleza a la hora de ilustrar en un vino, el estilo concreto de una zona.




Así la noche acabó transcurriendo entre charlas, por las cuales Juancho Asenjo da siempre ese contrapunto preciso con el que aprender aun más de la verdadera magia de beber vino. No solo beberlos sino entenderlos, algo que va más allá de meros tecnicismos y sensaciones perceptivas. Y que te hace entrar en comunión, con toda la liturgia de la creación del vino y de su significado cultural en el tiempo que nos toca vivir.
 
Degustamos el oro precioso de William Deutz en un Millesimé con el que generosamente homenajeó Carlos el encuentro: Del 99, con un equilibrio y delicadeza con la que se caracterizan los grandes Champagnes. Y la untuosidad y el carácter varietal de un blanco Timorasso, con el que se escoltó al carabinero en el inicio de ágape, antes de que los grandes Barbarescos entrasen en escena: Otra de las razas históricas que se extienden por el Piamonte, y que junto a Barolos y Barberas han postulado al Piamonte como una de las pocas D.O Italianas impenetrables a cualquier uva foranea.
Sensibles a la oxidación y a la botritis, los Barbarescos son uno de esos milagros de la naturaleza y claro está; auténticos retos donde la sincronía entre la pericia humana y la tierra, alcanzan su máximo esplendor. Así que con semejante desfile de intrínsecos a la par que diferentes ángulos con los que empaparse de Piamonte, solo nos faltaba rematar con una de las vilipendiadas uvas de la zona, la Barbera como antesala a los Barbarescos: 
 
Una Barbera Superiore D'Asti de Franco M. Martinetti; el Montruc del 2009. Que tuvo que bailar con los imponentes Barbaresco de Neive Serraboella del 2006, el de Treiso Vallegrande Ca' Del Baio 2011, y que pese a todo ello ni se amilanó. Demostrando una vez más que aunque se crea que Barberas y Dolcettos, solo eran uvas menores con las que relanzar la zona. 
 
A día de hoy gracias a Giacomo Bologna, M. Marinelli, Sandrone, los Hnos. Conterno, o Giuseppe Rinaldi entre otros muchos avezados, desde los 80 la Barbera de Asti, Monferrato o Alba son vinos de alto nivel a precios más asequibles.







El broche final lo pusieron un Barbaresco Vallegrande del 2011; un vino cálido y vegetal con bastante recorrido todavía por delante y tanino para domar. Otro Barbaresco más, Costello di Verduno de la familia Burlotto en una de las añadas, la 2010, de las más curiosas por climatología de las últimas décadas: Más accesible y maduro que su compañero y un tanino más liviano, mucha fruta y muy floral; un vino de aquellos de coger afición si no la hay.

Al terminar otro 2010 de Michele Marinetti, hijo del mítico Franco Marinetti y una de las familias más reputadas y aventureras a la hora de trabajar el viñedo en constante investigación; el Barolo Marasco. Un temperamental vino que coronó la noche por su misteriosa complejidad y amabilidad en boca. De cuando pituitaria, papilas y vista andan ya medio sumisas a la ambrosía desplegada aquella inolvidable noche de Septiembre. Y las lenguas aun sueltas espadachinas en charlas sinfín no adolecen de cansancio, ni las carrozas se convierten en malas calabazas que nos aguaran la velada. Se habló, se escuchó, se aprendió, se arregló un poco el mundo, y fue de tantas y diferentes cosas que el global de sensaciones tan solo se puede expresar en intangible gratitud.

Quizás la música y el disco de gustos compartidos, que sonó en mi coche mientras tenía el honor de acompañar a Juancho, Carlos & Family camino a casa, y el abrazo de despedida final, puedan dar un apunte/idea final de la emoción del MOMENTO.


 
FAMILIA FELIZ!! Menos ROSA y CARLOS (EL FOTÓGRAFO)