A vuelto a
pasar a un mes aproximadamente del 20th Aniversario de mi
primer avistamiento.
Un catorce
de Noviembre de 1997 en esta misma sala; la bikini de su afamada
acústica. De aquellos tiempos en los que las entradas eran eso:
pequeñas obras de arte para conservar, coleccionar e incluso
reverenciar como las medallas de los santos que nuestras madres
guardaban celosamente. LUNA mientras tanto, orbitaba sin apenas
llamar la atención, cuando eran Britpop y Grunge los que pulsaban
las constantes de la “música moderna”.
Una historia
contada infinidad de veces y recalcada hasta la saciedad. Cuando al
mirar en panorámica a lontananza la sala. Uno, cae en la cuenta de
que ya no hay rastro de aquellos veinteañeros que huían un poco de
lo común. O por lo menos de esa parte de juventud, que uno supone
interesada en subrayar el contorno de Lou Reed, Television o incluso
de imaginar porqué Galaxie 500 dio paso a LUNA.
De todas
maneras y aunque de la sensación, como es. Que para mi recuperar un
poco mis enseñanzas de juventud me haga parecer más viejo todavía;
que lo soy. Quiero caer a posta en eso que tan pocas bandas hoy en
día son capaces de proporcionarme: Un buen chute, o viaje mental de
mi vida. ¿me lo he ganado, no?
A LUNA los
podría ver cada poco tiempo (dos, tres años), igual que a New Model
Army en las distancias. Como un remedio termal a los ataques típicos
de los melómanos; esa raza a la que supongo ya pertenezco, sin
acritud. Sobretodo porque a estas alturas son pocas las bandas que
nos/me llevan a esos territorios, donde sus influencias han dado paso
ya a un estilo, forma de exponer o atmósfera propia.
Decir a
estas alturas que su procedencia del sonido de Nueva York de los 70,
o la herencia de la anterior banda de Wareham es la clave de su
atractivo. Me parece insignificante, comparado con la evolución de
su sonido desde sus dos y más esenciales discos. Su etapa más
popular con PUP TENT o THE DAY OF OUR NIGHTS. E incluso esa serie de
discos que se tiene por menor, del 2001 hasta nuestro días. Y que
pasados ya casi la veintena de años, han conseguido renacer y
legitimar: no sé si por la falta de pulso de la actual escena, o
porque LUNA sí son capaces de hacerte creer esa evolución del
sonido Neoyorkino, hacia un preciosismo Popero elegante como es el
suyo.
En cualquier
caso y llegados a este punto. Es verdad que cada repertorio que nos
han tocado en estas últimas dos visitas; es tan diferente. Como
educativo es que te lleven a mirar su sonido o temario desde
distintos ángulos y perspectivas.
A mi me
gustan todas, e incluso me encanta que me arrastren a esos lugares.
Me gusta que me enseñen a amar su música sin condiciones. E incluso
que me lleven a reflexionar como he llegado a este veintena de años:
El camino, la manera de saborear los placeres de la vida y la curiosa
manera de habernos visto crecer; y crecer nuestra forma de escuchar
música.
Un
repertorio más distinto puede, por la forma de ejecutarlo respecto a
su anterior visita. Esta vez más rocoso, afilado y puede incluso que
despojado de más exceso de preciosismo, que el puramente formal:
Desde el
aporte de Sean Eden y su tendencia a estirar notas. Y con una Britta
Phillips muchísimo más implicada que otras ocasiones; rotunda en el
vibratorio de su bajo. El casi invisible Lee Wall tras los tambores,
y Dean Wareham todavía más metido si cabe en su papel de distraído
taciturno; con esa dosis de humor negro bien dosificado.
Sonaron
hasta seis versiones la noche de autos; bastantes más que en otros
bolos de esta gira: El “Fire in Cairo” de los Cure
de rigor, la Dylaniana “Most of the Time”, “Let
me Dream if I Want To”, “Car Wash Air” de
Mercury Rev como propia, “One Fine Summer Morning”
de Evile Sands. Y un glorioso premio extra de cierre con su clásica
versión de Fred Neil, “Everybody's Talkin'”: esa
maravillosa versión que nos teletransportó a aquel 1997, donde la
escuchamos por primera vez. Y que recordó de forma alegórica con el
texto de Most of the Time.
El homenaje
resucitador de “Malibu Love Nest” a Lou Reed, sin
renunciar la inmenso legado que dejo éste. Y que Dean Wareham &
Co. ha guarnido con psicodelia Pop aterciopelada.
Imprescindibles
como “Sideshow by the Seashore” con un pletórico
Sean Eden; como siempre, e animador de la velada. “Friendly
Advice” con esta vez, una Britta Phillips dispuesta a que
olvidásemos del todo a Justin Harwood. O “Chinatown”,
“Tracy I Love You”, “23 Minutes in
Brussels”; siendo los momentos más infalibles de la noche.
Y aunque
creo con sinceridad y amplitud de miras pese a que algunos se
quejasen de la falta de un tentador “Greatest Hits”. Cuando todos
sabemos que Luna no lo fueron, por más que el oportunismo de para
quererlos convertir esa banda de cabecera; cuando en su día casi
nadie los escuchaba.
Si hay algo
que valorar de una banda que regresa al cabo de los diez años; y
teniendo en cuenta que transitaron a la sombra de otras mucho más
exitosas (Mercury Rev, Flaming Lips...). Es esa manera de no
prescindir de su temario menos conocido, y precisamente el que más
enteros ha ganado con el paso de los años: “Still At Home”,
joyas como “Freakin' and Peakin'” que los hicieron
ser una banda para la intimidad, o una de mis preferidas: la delicada
y tremendamente melancólica “I Want Everything”;
deliciosa.
Sólo ellos,
capaces de marcarse un apéndice de instrumentales. Y demostrarnos en
directo, que hacerlo alzando el telón con la levitante “GTX3”,
es de militantes dispuestos a llevarte de la mano a otros sitios.
Hay
ocasiones_no tantas como deseásemos_ donde ese rayo verde del que
hablaban cruza tu vida desde el cielo.
Es un rayo
verde imaginario, onírico y vitaminado. Y aunque de igual color que
la bilis; por así decirlo. Actúa de antídoto de la misma. Dando
por la boca la vida misma, que perdió un día el pez.
Ni necesita
discurso, guión o precepto que seguir, porque el Rock amigos es de
libre interpretación. Y sin embargo, y aun no llegando el mensaje de
la misma forma a todos, el consenso es ecuánime.
El pasado
sábado noche; en medio de la clausura de la 27 edición del festival
de mi pueblo. Pasó por allí el mencionado rayo verde.
Nos ensartó
calle arriba a la hora de las cenas Inglesas. Y poseídos como quien
pierde el norte, sur y razón, nos dimos los cuatro a la corriente
sin salvavidas, rama donde asirnos y en caída libre: Son las
mejores; las que no pides factura ni desgrava en prejuicios
temerosos. Y será por eso, que sobre las once de la noche el joven
LAURENCE JONES, con tan solo 24 años. Enchufó a los
valientes que vinieron también a purgar al Turonet los pecados con,
BluesRock electrificado y un fin de fiesta poliédrico con los
Vizcaínos TRAVELLIN' BROTHERS de remate festivo.
Porque por
más que nos explicaran el innato talento de un veinteañero; que
bien podría ser el yerno perfecto: Pulcro, sonriente non stop y
agradecido sin más. Jamás llegaríamos a imaginar el torrente de
Rock' Blues que nos salpicaría.
Igual porque
es de ese tipo de músicos que por edad y referentes musicales,
ejercen de mediadores entre el Blues y Rock más actual. Normalizando
lo que por etiquetaje se nos atribuye a los vejestorios, o al
contrario: se subestima por falta de raíz. Pues bien, este chaval
diríamos que es capaz de aglutinarlo todo; o por lo menos saber
gestionarlo con un incuestionable liderato. Algo parecido a lo que
hace Chuck Prophet, pero con más electricidad y posiblemente más
rockero. Pero con el mismo buen humor, complicidad y química para
ser el amo y señor de los tiempos.
Nos presentó
su nuevo trabajo THE TRUTH, con nueva y jovencísima banda; y por
consiguiente sonido más fresco: Greg Smith al Bajo, Phil Wilson a la
batería, el brillantísimo hammond y las voces de Bennet Holland, y
la suficiencia de su enorme talento a las guitarras. Un quinto
trabajo ya, que ahí es nada, de aquellos que sobre las limitadoras
líneas de la edición nos podría parecer demasiado accesible y para
todos los públicos. Pero que sobre el escenario y en directo tiene
un resultado demoledor. Seguramente porque el lenguaje del Rock es
universal cuando no hay demasiados intermediarios que interfieran, y
es la pasión la que hace de interlocutor.
Eso claro. Y
que es una bestia parda con la guitarra en las manos. Algo que igual
no se intuye demasiado en sus discos o por lo menos en el último,
pues lo suyo no es lucimiento. Pero que en vivo conecta de manera
invisible escenario con la gente, como si la energía fluyese bajo
las tablas del escenario hasta tus pies.
Después
está el repertorio de THE TRUTH que es una puta maravilla de energía
bien gestionada. Y su parte más balsámica con “Take Me”,
“The Truth” o “Can't Go Without You”.
Ramalazos del mejor y primer Robert Palmer, o unos INXS más
aplicados en la raíz. Y aunque de alguna manera alejado de sus
inicios más puristas y herederos de Buddy Guy, Clapton o Walter
Trout. No renuncia a la esencia pese a ponerla a disposición de una
banda muy joven, y por lo tanto mucho más contemporánea, vigorosa y
directa que la de sus primeros discos; natural.
Cotizó al
alza conforme avanzaba el set, donde en los primeros compases no
disimulaba la predisposición a recordar a Artic Monkeys de refilón.
Pues el rocío que cada nota de sus últimas canciones avanza hacia
un público más variado. Sin dejar pasar por supuesto el origen de
su maestría guitarrística cuando sonó el “All
Along the Watchcover” de un Hendrix
reactualizado.
Por el
camino nos dejó un reguero de grandes canciones sobradas de
potencia. Una guitarra que no limita en absoluto la grandeza de los
temas, sin abusar de su maestría. Pues siempre la pone en
disposición de la canción; algo que se agradece cuando se cree que
el virtuosismo siempre ha de acabar siendo autocomplaciente.
Conciertazo
del muchacho sin apelación posible. Pura energía, Rock en alza,
Blues con perspectivas de futuro y sin miedo a regarlo por aquello de
las críticas de los puristas. Vamos, libertad.
Para cerrar
la fiesta por todo lo alto, que mejor que los Vascos TRAVELLIN'
BROTHERS. Un soplo de optimismo, concordia y locura, insuflada
por su líder Jon Coreaga, quien al baile del pollo fue subiendo la
temperatura conforme avanzaba la noche.
La afluencia
del público a esas horas de la noche y tras más de cinco horas de
concierto, teniendo en cuenta la fresca que ya arreciaba. Es un claro
signo más que evidente de las ganas que hay de volver a reconstruir
uno de los festivales de Blues con más pedigrí del estado. Y si
alguien se pensaba que la potencia de Laurence Jones iba a mermar la
intensidad de la big band del Nervion, bien equivocados andaban.
Un arsenal
de canciones bien tamizadas con blues del bueno, soul, funk, folk,
Gospel y Rock&roll iban a ser la metralla para irnos a la cama
con buenas cicatrices. De las que no se olvidan, de las que te dejan
esa sonrisa de oreja a oreja y te hacen soñar con Ton Sawyer;
olvidando las mierdas de la vida.
“Make
me Down” para abrir boca en todo familiar, y a
continuación: “Frechmen Street”, “If you
talk in Your Sleep” de Little Milton, “What I'd
Said” de Ray Charles al ritmo del baile del pollo
omnipresente en toda la velada, o un solemne “Always There”
de J. Cash. Vinieron después “The Best in yet to Come”,
“Lost & Found”, “Love, Joy and
Happiness”... Todo un repertorio, que como aquellas
lecciones de primaria del profe Rodrigo. Que nos hicieron amar las
naturales y la historia, como la de la música de extremo a extremo.
Con mucha, variada y toda aleccionadora en esto de perder el miedo a
géneros malditos; había ganas por supuesto.
Pero fue el
hacerse querer que de tanto en tanto se da en Cerdanyola. Cuando el
festival de Blues es el protagonista, y consigo van todos aquellos
géneros de buena madre que ni en sueños pensamos nos haría volar
por cercanía. Tanta, que con la banda y a pelo pusieron el broche en
medio del público con el “Down by the Riverside” a
grito pelao. FELICES!!
Tengo a un
lanzador de hachas subido a la azotea. Le he pagado su precio en oro;
con canciones. Y cada mañana las lanza al horizonte, donde asoma
Collserola, partiendo nublos y espesas mañanas grises en busca del
sol candescente.
He montado
un altar junto a él lleno de hojas de sabia, tomillo en flor y
restos del abordaje Itálico. Donde cada día en una ceremonia de
bendición, rezo y brindo con una sápida copa de Rosso de Montalcino
de Uccelliera.
Daniel
Wylie; quien fuera fundador de los oclusos Cosmic Rough Riders, y
Alasdair MacLean. Pespuntean con guitarras la ceremonia del amanecer:
un día más, otras campanadas, y el jolgorio de los escolares llueva
o nieve.
Esos mismos
que tiñen de añiles tonos y otoñales mañanas los gritos del
borracho moribundo nocturno. Quien usa ese nimio porcentaje de
energía. No en caminar medianamente recto. Sino en despotricar por
decreto, todo aquello que la normalidad natural de la vida nos
ofrece.
Tan puta
como quien le paga favores a costa de mantenernos vivos. Lo mismo da
que en pleno orgasmo sexual, Hallelujah!! Que en un desenlace de
barbarie testosterónica . Al final, todo da un poco igual. Es más o
menos lo mismo que quien se deja llevar por la inercia del desnivel
hacia el precipicio. Un poco como dejar muertos los brazos y cuesta a
bajo cabizbajos, esperar que todo se solucione por gravedad.
Nosotros en
cambio; si sois de los míos: De los que aun creéis que el
pensamiento taciturno copa en mano y salmo en llanto; eso que la
naturaleza nos regaló para buen uso. Y ese mismo carácter natural y
salvaje, que en equilibrio nos hace inigualables para por lo menos
aprender de nuestras fabulosas diferencias.
Nos hemos
puesto en mano de las canciones y esos frascos contenedores que son
los discos. Porque sí amigos, las canciones son como esa cana que
destaca sobre el negro tizón del acetato: llámese disco, archivo o
cedese.
Aquí
presentes no solo un desfile marcial de tonadillas, serenatas y
alegramañanas para bailar, gritar y sudar; también para pensar. Ni
que sea en la penuria que ya de por si supone, cantar al mal tiempo o
pretender hacer de la farándula un honroso sustento. Todo un mérito
con los tiempos que corren o eyaculan. Sí sí sí....
Por ejemplo:
Y sin ir más lejos que al cambio de milenio; año 2000 en curso. La
banda Escocesa Cosmic Rough Riders publicaba su obra definitiva:
Enjoy the Melodic Sunshine y fichaba por el sello de Alan McGee;
Creation.
DANIEL
WYLIE'S COSMIC ROUGH RIDERS_SCENERY FOR DREAMERS
Dos años
más tarde su fundador abandonaba la banda, fruto de la codicia y
protagonismo a raíz de su espontáneo éxito. Y la ambición del
resto de músicos que le acompañaba; por eso es evidente el cambio
visible de estilo y sonoridad de Cosmic Rough Rides pre_2003, y
posterior hasta ese año.
Y si a la ya
poca popularidad de la banda se le unen los malos rollos, tenemos a
una banda esencial en calidad y significativa del Scotish Sound de
los 90 al traste.
Por suerte y
aun a costa del anonimato, Daniel Wylie siguió componiendo y
grabando: The High Cost of Happiness/2007, Chrome Cassettes/2015. Y
su más flamante regreso SCENERY FOR DREAMERS, arropado por un grupo
de músicos a la altura y dispuesto a por lo menos, dejar constancia
de la grandeza de su talento. Ese testimonio que por suerte nos
vuelve como un boomerang, para recordarnos quienes somos y de donde
venimos.
Neil
Sturgeon (Goldenhour), Johnny Smillie (Thrum) y Jim McCulloch (BMX
Bandits, Soup Dragons), junto al menudo Daniel Wylie se han sacado de
la manga; ahora que ya nadie se acordaba de él. Un puñado de
canciones dignas de los momentos más álgidos de aquel fantabulósico
Enjoy the Melodic Sunshine, con un pequeño y significativo matiz: Si
aquel maravilloso disco apelaba al amor incondicional por la
psicodelia y algo de hippismo. Este Scenery for Dreamers saca de cada
nota, un arco iris powerpopero tan luminiscente, que con cada escucha
podría prorrogar el final del verano hasta las campanadas.
Si creíste
algún día que llorarías por los arpegios vocales de los añorados
primeros Rough Riders. Verás que las guitarras que guarnen este
esperadísimo disco, encajan con la voz de Daniel como una abeja a su
flor.
Canciones
que emulan a “Revolution (in the Summertime?)”, como “Jingle
Jangle Morning”. Y otras que se van de la mano con los
Teenage Fanclub, Big Star o el Neil Youg más vigoroso. En una
polisintonía de Pop de alma rockera que exfolia cualquier signo de
caducidad de géneros madre. “I Hear you Call my Name”,
“Rope (Everybody Lies)” y “Lucky Find”
lo certifican.
“A
Dream About you”, “Full Moon on the River”
o la preciosa “(Won't you) Just Smile”, ponen el
contrapunto a posiblemente, uno de los mejores discos de Pop a la
Americana en bastantes años. Y que por derecho nos gana a otro
músico más; de los esenciales para comprender donde nos hallamos.
THE
CLIENTELE_MUSIC FOR THE AGE OF MIRACLES
De Alastair
podríamos decir algo parecido. Sobretodo ahora que tanto ha aflorado
ese mismo Pop quebradizo de aires bossa con bandas como: Real State,
Beach Fossils, Horsebeach e incluso Destroyer. No es que en estilo se
parezcan estrictamente, pero sí en sensaciones o emanaciones
melódicas.
La vuelta
del lánguido Pop, es ese equilibrio necesario que todo hijo de madre
necesita; si no es que queremos convertirnos en el típico y
conformista amante de sonidos neutros. Y es justo en ese momento
cuando THE CLIENTELE entran en escena: Paliativo de felicidades sin
timón y tristezas lacrimógenas, sin por lo menos el mínimo
objetivo terapéutico. Que sí, que en la variedad esta el placer
regenerativo.
Sobretodo
cuando al prestarle una escucha, llegas a la conclusión de que hoy
por hoy. No hay banda que logre el clímax tan auténticamente
emotivo como Alastair con su voz y su guitarra.
La inclusión
de una sección de cuerdas casi orquestada. Que eleva el vuelo de las
doce canciones que componen este regreso, tras 7 años sin publicar
un largo; (sin contar su proyecto de Amor de Días de hace cuatro
años). Lo hace ya no solo más interesante, puesto que el valor de
las composiciones recuperan la inspiración de God Save The
Clientele/2007. Sino que nos devuelve a una banda que legitima ese
tipo de pop con referencias sesenteras, domésticas y confortables.
No por actitud, sino por inspiración a la hora de componer y
construir un disco que se escucha desde el placer y la melancolía
más imperecedera.
LAND
OF TALK_LIFE AFTER YOUTH
Otro disco
que nos recupera sonidos que por aquí ya deambularon hace cuatro
años de forma tardía; cuando debutó con su Applause Cheer Boo Hiss
del 2006, es la Canadiense Elizabeth Powell.
Desde
entonces ha publicado un álbum más, donde contaba con la
colaboración de Patrick Watson, Wintersleep, Stars, Arcade Fire o
Besnard Lakes en base a varios de sus miembros. Y este nos ha
reclamado la atención por ser uno de los pocos signos de vida que ha
dado Sharon Van Etten en un dúo vocal con ella en “This
Time”; el segundo corte del disco entre otras.
Un disco de
pura intensidad, que la reafirma como una de las voces más
interesantes, veraces y sinceras de nuevo cuño. Y no es de rigor
pensar que son sus múltiples colaboraciones o la de Sharon en este
caso, las que deberían acrecentar nuestro interés.
LAND OF TALK
tiene como gran virtud, esa facilidad para hacernos despreciar esa
mala fama que siempre ha arrastrado el IndieRock Americano en manos
de féminas. Cuando muchos creen que si no se va a los extremos, todo
queda en una repetición de esquemas que se acaba agotando. Porque
Life After Youth nos da de nuevo una nueva lectura sobre la hoja de
ruta de Elizabeth.
Alejado del
rudimentario tobogán lleno de aristas que suponía su anterior
disco, mucho más abrupto y en consonancia con la faceta más rockera
de Heather Nova; por ejemplo. Life After Youth nos arroja una
luminosidad de esas que realza Indie Rock hacia lindes poperas; o si
se quiere sugerentes.
Hermoso
conforme las escuchas se repiten, “This Time”
explota como un hit enfermizo. “Yes you Were” lo
recalca, y “Spiritual Intimidation” se erige con la
altivez de las canciones que presienten eternas. Después viene
cuando flirtea con otro tipo de atmósferas donde su preciosa voz
cobra el protagonismo que se merece. Y consigue que música y voz se
equilibren en consenso ecuánime: “Heartcore”, la
sigilosa “Inner Love” o “Macabre”.
LIFE OF
YOUTH es un álbum completo, de esos que sin estridencias ni hervores
desbordantes consigue el punto exacto de sabor, aroma, texturas y
deliciosidad que se necesita. Saciante!!
Y para
acabar. Antes de dar por concluso este pica pica de canciones y
verborrea. Con el único objetivo de curarnos arañazos e ilustrar el
escaparate de buenas propuestas, preparados para el desenlace final
de este 2017. No me quería despedir sin hablar de este señor, entre
la infinidad de cebos que contiene esta tumultuosa Playlist
trimestral.
Hay tiempo
suficiente para atemorizarse con la juvenil remezcla de ORIELLES.
Dejarse llevar por esa misma jovialidad pero en clave de guitarras de
CENDE; el otro proyecto del batería de LVL UP. Y hasta volverse un
poco superficial y pretender rellenar nuestro MP4 con el simple ánimo
de acompañar nuestros viajes al trabajo. No Judgenemt Please...
JOHN
MURRY_A SHORT HISTORY OF DECAY
Pero caray,
no me iba a marchar sin más. Teniendo a buenas en estas ya pasadas y
añoradas vacaciones, uno de mis más lucrativos bálsamos. Que no
solo de paisajes en silencio y cánticos de grillos barítonos vive
el hombre.
Luego están
los salmos. Esas canciones con sus autores, que nos bajan a los
infiernos de nuestra introspección. John Murry, este hombre hecho y
derecho con semblante de pocos amigos pero más bueno que el pan de
trigo. Tiene esa barita mágica para llevarnos allí donde nuestros
sueños se perdieron, entre desvanes, habitaciones a cal y canto, y
algún que otro desamor.
Y también
como quien partió de viaje sin billete de vuelta, que regresa cinco
años más tarde con un disco para amar.
El de Tupelo
(Missisipi), esta vez establecido desde hace años en Kilkenny
(Irlanda). Y con la ayuda de un ExCowboy Junkyes (Michael Timmins)
más la de Josh Finlayson (Skydiggers) y la inconmensurable Cait
O'Riordian (The Pogues) al bajo y las voces. Nos trae un disco entre
lo lúgubre, lo intimista y porque no, ese halo flotante místico que
tan bien se le da a Mark Lanegan; pero en clave de Folk.
Diez temas
con algún destello altisonante como gancho: “Under a Draker
Moon” o “Defacing Sunday Bulletines”.
Pero que en general, brilla más por los pasajes introspectivos.
Pese a ser
un disco de esos que detiene el tiempo, y lo difícil que eso puede
ser ahora. Contiene esa magia entre Bill Callahan y Mark Lanegan,
para dotar a todas sus composiciones de una amargura sostenida que
invade y traspone a la vez. Canciones como siempre me empeño en
resaltar: que modulan los estados de ánimo entre la tensión y la
calma, siempre necesaria. Un ejercicio de ambivalencias y contrastes
sin el cual yo no podría subsistir.
“Wrong
Man” y su descenso hasta lo más primario del Blues. O la
terapia de romanticismo infinito que trae consigo “When God
Walks In”, si tenemos en cuenta el crudo relato de hechos
pasados que arrastra cada una de las canciones: Un autismo no
diagnosticado, el abandono, la adopción y la muerte. Y un desenlace
entre las drogas y la cárcel, que fue lo que dio lugar a este
autobiográfico trabajo, cinco años más tarde.
Quizás así
se entiende mejor la mecánica de este disco y el heroísmo de sus
textos.
La magnífica
“One Day (You'll Die)” puede ser la mejor
ilustración del carácter oblicuo de las canciones de este disco.
Que absorben de verás cuando es el zoom, quien enfoca el grano
grueso de su impresionismo primitivo. La áspera “Countess
Lola's Blues” y el concluyente cierre y apertura de esta
cinemátográfica colección de canciones con: “What Jail is
Like” o “Silver or Lead”. Que capturan
con una rotundez absoluta, el carácter crudo, verdadero y
explícitamente esencial que domina el disco de principio a fin.
Imposible
inundarse de esa sensación sin atreverse a navegar por él sin
brújula ni salvavidas.
Y si ves que
discos como éste: de penitencia absoluta. O los otros de melancolía
autoinflingida no son suficientes, o se exceden en calma, cuando es
la agitación la que grita desde dentro.
No hay mejor
remedio que ponerse los patines de
CENDE_#
HIT SINGLE
Y tirarse
cuesta abajo con los ojos vendados, como quien quiere llenar los
pulmones de aire hasta caer en desmayo.
Porque sí
amigos. De discos energizantes hay muchos para desconectar el
sistema, de la inmundicia que desfila ante nosotros. Pero además,
los hay que rentabilizan y cotizan al alza la ferviente y olvidada
eléctrica. Y tiran de la funcionalidad más nativa en su talento
para soliviantarnos el alma.
Es escuchar
“Bed”, “What I Want” o “Good
Crime”, y caer en la cuenta de que a veces solo basta con
dar con el punto de cocción exacto. Ese punto entre lo crocante y
sabroso que le da equilibrio a la melodía fácil con chicha.
Canciones de apariencia simple que dan en el clavo como lo hicieran
Pixies, los primeros New Pornographers u otras tantas minúsculas
bandas, por alejadas que parezcan en su discurso.
Música
hecha con la tripa y el terciopelo de nuestros brazos: A veces
erizado, y otras hipesensible buscando la caricia.
CENDE ha
hecho de un puñado de temas; pues solo tienen dos discos cortos o
Ep's en curso. Un temario que regula la intensidad con furia y
sensibilidad a partes iguales. Pero que es imposible desecharlos como
uno de los mejores aciertos del presente año, junto a Rozwell Kid.
Vitaminas para la mente que levanta la impotencia reinante en el
mundo de la comodidad. Y que además, como gran mérito: Saben como
nadie unir lo extremadamente Pop, con la gasolina guitarrera que
algunos necesitamos como el pan nuestro de cada día.
BESOS,
AMORES, Y ABRAZOS COARRUGADOS!!
00-THE ORINELLES_Sugar tastes like salt (radioactive man rmx)
En los
primeros coletazos de este convulso 2017. Donde ya fueran unos
veteranos como The Bats los que sentaran cátedra. Abanderando el
regreso de algunas de las bandas más recónditas de éste, nuestro
universo sonoro con fecha de caducidad.
Es más que
evidente que a falta de revulsivos de buena y nueva savia amargante.
No es que las tortas sean suficientes. Pero seguramente serán las
que (por suerte), salven un año falto de discos donde mojar pan,
rebañar y chuparse los dedos.
Debería
quizás, haber arrancado el final del estío con un escrito
rememorando mis andaduras por las tierras Itálicas. De intensa
licenciatura en Grappas, posos de café y cremosas texturas de
helados.
Porque doy
fe, que en quince días, me he propuesto y aplicado en no dejar una
comida sin su correspondiente espresso, espirituoso y helado final;
como postre. Cuneo, Orbieto, Tarquinia, Roma, Montalcino,
Montefiascone, Bologna, Mantova y Ravenna, han sido las cómplices.
Pero sin más
rodeos que dar, que los 3600 Km aprox. recorridos. Es ahora y antes
de incorporarme a mi sustento laboral, cuando no quiero dejar pasar
un instante más para escribir sobre uno de esos regresos cosecha de
los 90 con nueva y reluciente añada, que más me ha emocionado en lo
que llevamos de 2017.
Los
veteranos Californianos The Blackwatch tienen nuevo disco; de los
veinte que ya llevan a sus espaldas desde el 88. Pese a esa longeva
trayectoria, la banda de John Andrew Fredrick; tras la huida de su
vocalista Steven Schayer a The Chills en el 2008. Sigue siendo uno de
los tesoros más injustamente escondidos de la escena Poprock
americana.
Es más que
probable que algún malpensado crea que su discografía no merece
mucho más que eso: La de la curiosidad por ser uno de esos productos
neutros, que no han sido lo bastante alternativos para llamar la
atención del moderneo, ni lo suficientemente solemnes y de culto
como para por lo menos ser parte de las citas recurrentes e
influyentes. De esos hay muchos: Habitantes del limbo musical poco
promocionable: The Church, Lloyd Cole, Dream Syndicate, Go Betweens,
Diesel Park West, The Clean o The Soft Boys.
Para beber
de estas anomalías ya estamos los bichos raros. Un poco hartos de
los gestos predecibles y del recurso fácil.
Pese a la
rareza de su abandono, y aunque admito que no había vuelto a
escribir una línea desde aquel LED ZEPPELIN FIVE del 2011, que me
los descubrió. Y no porque su posteriores tres discos hayan
desmerecido en absoluto. THE GOSPEL ACCORDING TO JOHN me parece de
una concreción tan absoluta y determinante, que puede que en él
esté la esencia de casi 30 años de su carrera.
Concentrado
y condensado de ese espíritu psicodélico discreto, y con todavía
el alma inicial Powerpopera que le viene de casta Californiana. Este
trabajo lleva con sigo una rabia dulce que hasta podría encamar a
The Church con los Chameleons más accesibles.
Porque no me
dirán que “Whence”; con quien despega este disco.
No atesora la misma bendita hermosura que aquel virginal OF SKINS AND
HEART del cuarteto de las antípodas.
Esos medios
tiempos abrasivos que no llegan a manosear la distorsión, sino que
la acarician. Que no plegan su guiño a la psicodelia en detrimento de
la melodía cristalina; incluso que equilibran con precisión
quirúrgica esa sensación de dulce amargura. Y que elevan “Way
Strange World” al súmmum frágil de unos Bunnymen
directos, y fieles a LA CANCIÓN.
En “The
All-right side of Just OK” reluce la afilada producción de
Rob Campanella (Brian Jonestown Massacre); quien los ha dotado en
esta ocasión de un sonido más contemporáneo y oscuro. Pero es en
“A Story” donde podemos ver a unos Black Watch más
reconocibles. Claramente alejados de sus anteriores trabajos de
sonido más marcadamente Powerpopero, pero igualmente fieles a su
idea de tejer armonías. Si bien es cierto que este trabajo las
guitarras destacan por sus rasgos cortantes y abruptos.
“Jealosy”
y “Oscillating Redux” retoman con clarividencia los
dejes característicos que tanto me recuerdan a Kilbey y sus
muchachos. Aunque seguramente la incorporación del nuevo guitarrista
Andy Craighton sean la razón más clara para que la banda de los
Angeles, suene esta vez tan contundente y demoledora.
“Orange
Kicks” ataca desde abajo, siendo uno de los cortes de altos
vuelos igual que su cierre con la mastodóntica “Satellite”.
Y sin dudarlo un instante, las pruebas más claras de que estamos
ante uno de los álbumes del año. Discos como este, que no se andan
con rodeos sino que exploran con intensidad inaudita las múltiples
vertientes de la Psicodelia, del Rock americano. Y el sinfín de
posibilidades dan los géneros, siempre y cuando sean las canciones
las jefas del asunto.
No es
cuestión ya de calidad, sino de sustancia. Y porque no, la excusa
perfecta para adentrarse en la amplia, rica, imperecedera y
maravillosamente prolífica discografía de esta estupenda banda.
Dirán que
la mayoría de criaturas, cuando se avecina lo inevitable: El primer
día de curso y ese insoportable olor a goma de borrar doblando la
esquina, o el hedor a madera de los lapiceros baratos; que se te
metía hasta el santo cerebro (esto igual ha cambiado la
informatización de las aulas, pero da igual).
Como decía:
Igual la mayoría no duerme esa noche, o se les sube el estómago
anudándoles la garganta. Probablemente muchos sean incapaces de
controlar su esfínter, y hasta se descompogan.
Pero luego
están los otros (que también son bastantes). Los que se despiertan
una hora antes; pero de pasión e impaciencia. Los que no esperan a
que el curso arranque, sino que dan por sentado el inicio pistola en
mano. De esos -aunque yo fuese de los cagaos que no comía dos días
antes del cole- Ahora que ya se lo que me gusta y tengo esa condición
por el poder que me otorga la madurez y el no dar explicaciones a
nadie. Me he dado el gusto de iniciar un excitante Otoño de
conciertos. Con uno de esos, que más que certificar mis gustos y
claras preferencias, escarba en mi innata curiosidad por no poner
límites a los puñeteros y esclavistas “hábitos”.
Ya saben.
Eso que cultivamos toda la puta vida pensando que nos proporciona esa
falsa sensación de seguridad, pero que al final se convierten en
rutina, y cárcel en vida.
El primer
disco que cayó en mis manos de esta menuda Angelina de origen
Mejicano: ONE SECOND OF LOVE, del 2012. Fue revelador, más
que por el sonido global del álbum, por una canción en concreto:
“No I Don't”.
Una señal
clara e inequívoca, de que tras su primera apariencia aterciopelada,
sensual y hasta cierto punto mainstrean. Se escondía un basto
territorio donde sumergirte, y no salir indemne.
En los
cuatro años siguientes que se dio, hasta la publicación de su
tercer disco. Hubo tiempo para pensar que en el camino se han quedado
esas aristas de electro negro, que salpicaban aquel disco. Que
irremediablemente se ha vuelto blanda, cómoda y algo autoindulgente.
Pero tras
verla sobre el escenario a pelo. En un concierto de tan Petit
comité. Que solo éramos una cincuentena en la ciudad de Barcelona,
con el misma curiosidad y valor para zambullirnos en su idealista
discurso. Solo me queda una respuesta por conclusión: Nos falta
arresto, y andamos sobrados de exceso de autoprotección.
Posiblemente por eso que decía antes: La seguridad y confort que te
dan tus gustos, o te convierten a la larga en un burgués de las
santas tradiciones, o en un ser superficial que va donde dijo
Vicente.
Es una
opinión, faltaría más. Pero siento que nos queda esa sorpresa
inesperada de mirarnos al espejo, y sentir la estupefacción de
perder las formas.
Ramona
Gonzalez en toda su pequeñez y aires de diva de periferia. Dio este
pasado Martes en un escueto set, más pruebas de versatibilidad y
creatividad funcional. Que cualquier experimento verbenero o pecado
de presuntuosidad; ya sea del material estándar que se cocina en la
actualidad, o del más sacrosanto de los músicos que nos empeñamos
en mitificar. Hecho fácil, al momento, instantáneo. Sin ni tan
siquiera obcecarse con presentarnos su último e interesante disco,
en una batalla teutónica y perdida de antemano.
Más que
nada, porque ella sabe mejor que nadie, que su material da para
infinidad de puestas en escena. No en vano, su poso callejero y
heredado del Hip Hop, retroalimenta y mucho su actitud sobre el
escenario. Solo que para su bien, sus canciones beben de muchísimas
cosas más: Un Funk vestido de Soul exquisito que campó sobretodo a
sus anchas. Pero también de la esencia electropopera de los 80 esa
que descubre que su música, no solo evidencia ese R&B que
siempre se cita, sino de una base electrónica orgánica capaz de
adaptarse a su voz igual que lo hicieran Massive Attack en los
mejores momentos del Blue Lines.
Y algo que
la hace única y creo que es lo más importante: Su virtud y talento
especial para normalizar estilos musicales que normalmente la escena
musical acaba estandarizando, incluso convirtiendo en una parodia sin
alma.
Una hora y
poco más que recorrió su principales temas yendo al grano; los
caprichos del PS como promotor así son, para bien o para mal.
Acompañada de su fiel escudero Damon Riddick: Un virtuoso de los
sintes multiplicado por si mismo. Y con ella combinando micro, un
pequeño teclado y sus dotes para ejercer de dulce portavoz.
Con un
entusiasmo propio de quien se siente cómoda en los espacios
reducidos, pese a que su música por expansión bien podría
convertirla en otra de tantas. Dicharachera, bromista y emocionada
por su primera visita a Barcelona. Nos dio una lección de
profesionalidad y pasión para tomar nota; teniendo en cuenta el
escaso público que vino a verla (cincuenta sin exagerar, más dos
turistas que por allí pasaban). Como lo cuento.
Por suerte,
los pocos que habíamos: O éramos ávidos y aventureros, o
incondicionales; 50, insisto. Tampoco creáis que para que la cosa
funcione se necesitan muchos más. Con salas repletas he visto más
vida en el museo de cera de la Rambla.
Sonó “In
the Nite”, el corte que abre con sensualidad su último
trabajo e inmediatamente “The Answer”: Una de las
joyas más orgánicas y flotantes, que a todos nos puso en unísono
balanceo. Dándose la mano con “Wo Ho” y entrando
directamente por faena en una juguetona pieza de esas que campan por
sus varios Ep's “Want you Back”: Un cambio de
registro en pleno éxtasis Funk que nos llevó de viaje a esos años
locos del Studio 54 y las diabluras de David Mancuso, con una cover
de Nite Funk en su estrecha colaboración con Dân Funk a ritmo de
“Let Me be Me”.
Volvimos a
levantar el vuelo con la íntima “Part of Me”,
basada en una de los primeros escritos de una Ramona adolescente.
Pero sin descanso ya y con la química hecha, era cuestión de tiempo
la vuelta a bailar. “I Don't Know” saltarina y la
maravillosa y escondida “Nowhere to Go”; un tema
perdido en los bits del Gran Theft Auto V. Luego “2 Good 2
be True” que abría aquel primer gran disco que nos la dio
a conocer. Y a vueltas con el sonido Mantronix de “I Confess”
de Omar-S y otra versión más, esta vez de Janet Jackson en una
emotiva “Let's Wait a While”.
Para acabar
recuperó el pulso con “What Did He Say” sin
renunciar a sus inicios de aquel desconocido debut del año 2009. Y
nos acabó poniendo en órbita con una espectacular versión de su
“Running out of Time”. Más propia de Future
Islands o de un clásico del Synthpop de los 80, que de su particular
forma de interpretar el R&B, el Funk fibroso y depurado con todas
sus negras y electrónicas referencias.
En realidad,
bien pensado, son más las analogías que la distancia que separa a
todos estos géneros. Porque hay más hilos conductores que los unen,
que los que los separan. Al final solo es cuestión de no huir
despavorido cuando es la sensibilidad por encima de los medios, la
que hace grande la música, la creatividad y la libertad para avanzar
y retroceder sin importar el tiempo.
