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domingo, 6 de enero de 2013

DEL 04 AL 01: EL PATÍBULO DE LOS ÚLTIMOS DE CLASE_ FINAL!!




04.BILL FAY_Life is People (Dead Oceans)


Empecemos hablando de los omnipresentes Wilco para agradecer a éstos el hacer que un público variopinto abrace géneros tan ancestrales como el Folk , la Psicodelia y el Rock de Raíz logrando que los temerarios se animen a deshacer el camino andado y busquen en el pasado a artistas tan vigentes como los propios Wilco. Una costumbre la mar de sana ésta , que yo mismo he venido haciendo desde que tenía 12 años y empecé a interesarme por la música: Ya sea recurriendo a los primeros discos de nuestras bandas recién descubiertas , o escudriñando las influencias que los hicieron así de personales.
Así fue como llegué hasta Bill Fay , un hombre mayor (69 años) que hace música , y del que no se sabía nada; desde que en los 70 publicara dos discos perdidos en el tiempo , como los de muchos artistas que injustamente fueron ignorados en aquellos años: “Time of the last persecution/1970” y “Tomorrow , tomorrow and tomorrow/78” , éste último no vio la luz hasta que en 2005 lo rescatara Durtro Jnana Records. En todo este tiempo Bill Fay desapareció por completo , volviendo a ser una de tantas personas anónimas que se dedican a sus quehaceres diarios , hasta que hace unos años Jeff Tweedy se propusiera rescatarlo del olvido.



No fue hasta que olisqueando en los créditos del intimista DVD de Wilco “I am Trying to break your heart” descubriera una versión del “Be not so fearful” , y cuando visitando el blog de tsi-na-pah volviera a topar con este Británico. Hablemos pues de este maravilloso disco al que he tenido acceso hace dos escasos meses.
LIFE IS PEOPLE se grabó con una única condición de su autor: Que todos los beneficios de su venta fueran directos a médicos sin fronteras , renunciando así a cualquier lucrativo beneficio. Y no es tan solo este detalle y la historia que precede a Bill Fay el que hace de este disco algo tan especial; su verdadero mérito se halla impreso en sus canciones , y en ese perfume redentor que emana todo el disco. Aunque su esperanzador inicio nos rememore de inmediato a un Bob Dylan amable y bondadoso con “There is a Valley” , el disco no es exactamente esa cara bondadosa del señor de Minnesota que en muchos casos es la que mejor digiere el público en general. Vuelve a brotar en el corte cuatro como una de las más agradables escuchas de este año: Con los coros de Jeff Tweedy y el piano rugoso de Bill trotando sobre los violines y el hammond de madera , en “The World” dando incluso la sensación vaporosa de un cuarto en el que unas finas cortinas son mecidas por la brisa... “The Healing Day” también contribuye a esa atmósfera inicial. Pero el disco en líneas generales tiene otro aire más crepuscular , que huye elegantemente de la fórmula práctica de evocar a Tom Petty o a Bob Dylan en su época más golosa de “Infidels” , y Santas Pascuas.
Momentos como cuando suenan más adelante “City of Dreams” donde de repente crees ver el espíritu de Syd Barrett , o el serio semblante de Mark Lanegan con la forma de relatar de “Empires” , o “Thak your Lord”; por lo menos en su manera de decorar unos textos religiosos que colocan las creencias en un ámbito espiritual pero a la vez más secular; para entendernos más cercano , accesible , y sosegado. El broche de este disco lo ponen sin duda , un guiño personal en tono de agradecimiento con una versión desnuda de “Jesus etc.” de Wilco , y la ascendente “Cosmic Concerto (Life is People)”. Que nos muestran a un Bill Fay reflexivo de expresión comedida , que parece clavar las agujas justo ahí donde se precisa curación y placer; un gran vino que ha permanecido reposando en una oscura y húmeda bodega , aunque esto suene a símil muy tópico. Pero la verdad es que es un disco para degustarlo con la calma que precisan este tipo de cosas: Los arreglos meticulosos , sin estridencias , el ritmo y la cadencia bien elegida , y todo lo que transmite esa esencia que cuesta de creer , halla estado tantos años silenciada en el anonimato de un selecta reserva.








03.THE KVB_Always Then (Clan Destine Records)



Hace ya una eternidad de tiempo , tanto que cuesta situarse en el contexto de aquellos años. Existían una clase de castas que delimitaban a la música y a sus defensores , tribus urbanas se llamaban; de ellas ya solo quedan los vestigios de los que se apropiaron: modas , tendencias y gente chula. Pero en aquellos años todo era muy distinto , la imaginación y algo intangible que unía sin demasiados traumas a raros del lugar: Góticos , Mods , Rockers , Psicobillys , Punks , Skins , Poppis , y alguno que me dejo por el camino.
Ahora todo eso se ha perdido y es fácil llevarse un chasco mayúsculo al intentar juzgar por la estética a personas , que en la mayoría de los casos llevan una camiseta de Ramones pensando que es una marca , cresteros que ni en sueños han pisado un antro de punkarras , o gentes varias que abrazan las modas sesenteras por el simple echo de imitar a sus ídolos sin ni tan siquiera pararse a escuchar a Serge Gainsburg o Nancy Sinatra.
Igual soy yo el defectuoso o anticuado , quizás. Y... ¿a que viene esto ahora? Bueno lo cierto es que escribir sobre una banda como The KVB me lleva inevitablemente a pensar , que todo aquel que le eche el arresto de escucharlos , lo hará con la idea a veces confusa de que aquellos sonidos siniestros de finales de los 80 jamás deberían salir de aquel baúl en el que se los encerró a cal y canto: Joy Division , Bauhaus , Sisters of Mercy en su first , last and always , Christian Death , Catherine Wheel de aquel estupendo Ferment; y un sin fin de bandas suscritas a un sonido denso y oscuro , que a menudo se han utilizado para glorificar o etiquetar con desprecio según el antojo y la idea bizarra que se quiere transmitir de los mismos: Hay quien automáticamente asocia a según que grupos al estancamiento , revivalismo , o a culto al sectarismo de estilos. Me imagino que eso siempre depende de las puertas que uno se quiera cerrar , o de la idea equivocada de renovarse o morir sin pensar que la música es un círculo vicioso lleno de herencias e influencias.



Klaus Von Barrel puede que sea de los pocos creadores que acometen con arresto la idea de dar forma a un sonido , sin pensar lo más mínimo si está siguiendo los cauces de la actual demanda comercial. O incluso si ahora sigue teniendo sentido vincular determinados sonidos a movimientos extintos , puesto que los movimientos sectarios son ya de dominio público. Su segundo disco o el primer gran trabajo que nos llega con más o menos publicidad “THE ALWAYS THEN” , lo hace para recordarnos que las guitarras y la electrónica , cuando se trata de experimentar y crear situaciones que nos lleven a mundos perturbadores , tienen bastantes más cosas en común de las que imaginamos.
The Always Then es un disco tan hermético y sugerente como enfermiza pueda ser la imaginación del que lo escucha. Vaga por paisajes devastadores , que nos alude aquellos años de finales de los 70 , en los que las grandes urbes se estremecían ante el avance implacable de la industrialización salvaje. Que bien podrían ser los mismos que inspiraron a Ian Curtis cuando ilustró con sus textos y su sonido la decadencia de Manchester , en un momento en el que la crisis era tanto económica como existencial. Entre sus pistas reverberan los ecos del Psychocandy que lo convierte en un artefacto cavernario y en un ente amenazador. Pero solo basta con adentrarse con valentía entre sus dromes , secuenciadores simulando a Farfisas distorsionados , teremines y desgarros metálicos para descubrir que entre ellos brotan destellos de una genialidad inaudita , en unos años en lo que todo se suaviza hasta hacer desaparecer más mínimo atisbo de riesgo.
Here it comes” nos remite a los Bunnymen en “Going Up” o al “Never Understand” de Jesus. “Dreams” me provoca pesadillas tenebrosas en las que aparece muerto Bela Lugosi , o la tormentosa “Leaning” que torna en adictiva una penitencia no apta para espíritus sensibles. En el fondo The KVB son tan mansos como Nancy Sinatra , aunque le den la vuelta a su célebre “These boots are made for walkin” convirtiendo en una pieza arrastrada , su inocencia teeneger. Un disco que aunque pueda parecer temible y caustico , solo necesita cariño en la escucha; un cariño con lingers de vinilo , látigo y tacones de aguja , pero cariño al fin y al cabo.









02.CHUCK PROPHET_Temple Beautiful (Yep Rock Records)


Parece flotar en el ambiente de este año una sensación de carencia quien sabe si de un disco , un artista revelación , o una consagración que consiguiera consensuar a todos los atentos buscadores de himnos; algo ciertamente complicado , dicho sea de paso. Estamos ante un cambio de ciclo o , ¿de una vez por fin se escucha tanta música , como para perdernos ante tal elenco de propuestas de distinto pelaje?
Yo por el contrario he pasado semanas enteras desde que se oteara en el horizonte el fin de los fines: Trajinando y recuperando una infinidad de discos , que en ciertas ocasiones había perdido de vista con el paso de los meses. Al llegar a la difícil decisión de elegir ese disco tan especial como para situarlo allí arriba , dudé hasta el último instante; y paradójicamente los dos eran discos que me engancharon durante los primeros meses de este año. Por lo menos , mucho antes de que llegara el Verano y nos nublara el pensamiento con el relax del estío.
Ahora que ya se puede desvelar el secreto si alguna vez lo hubo; puedo descubrir estos discos , de los que estoy seguro la mayoría se llevará las manos a la cabeza: Son tan distintos e irreconciliables , como personales e identitarios lo son para mi. A pesar de que en ciertos aspectos la música parezca tan distinta e inconexa , elegir y triar entre mis gustos tan radicalmente distintos me hace reafirmarme ante la firme convicción de que independientemente de nuestro gusto matriz , que siempre lo hay. Está la proyección que queramos darle a nuestro pensamiento y a nuestro placer; y que ese sea en realidad , un reflejo de nuestra pluralidad y mestizaje a la hora de disfrutar de lo que sea.


Chuck Prophet debería ser por derecho el líder de la lista si a la hora de elegir hubiera hecho más caso a mi corazón que a los detalles insignificantes de la música. Y aunque eso parezca una contradicción en cuanto a lo que predico , seguro que entenderéis los argumentos por los que me he decantado por The Twilight Singers.
A nuestro amigo Chuck le debo el mejor directo que he presenciado este año: Un concierto casi íntimo y desierto , si comparamos la afluencia de público respecto a lo que se deja sobre el escenario este veterano de San Francisco. Si decidiéramos calibrar esta injusticia que tan a menudo sucede en la música underground (prefiero usar esa palabra antes que “indie” ·alternativa”...etc.) , seguramente podríamos asegurar que jamás a sido la popularidad la que ha premiado la calidad. Pero a Chuck Prophet eso parece importarle bien poco , de echo si quisiera uno trasladar la música al argot laboral: Chuck Prophet sería el operario autónomo , a lo que The Killers son los ejecutivos agresivos con hambre de promocionarse en la empresa.


 
Puede que el secreto para que Chuck Prophet halla logrado dejarse oír en alguna emisora este último año , y algunos como yo lo hallan descubierto tarde , sea su vuelta a aquel sonido directo de su banda embrionaria GREEN ON RED , y una luminosidad animosa que hace de su último disco un manjar de buen Rock y Pop. Temple Beautiful es un disco que deja a un lado aquellos arreglos y producciones que pulían tanto su sonido (The Hurting Bussines/2000) como para desvanecer aquel espíritu de Art-Punk de mediados de los 80 , y además consigue algo realmente meritorio; que es , que no se pierdan entre sus melodías directas y revitalizantes todo su bagaje de buena música: Folk , Rock de raíz , Americana... en realidad un género tan indeterminado como querer explicar el secreto y la esencia de artistas como: Lou Reed , Flaming Groovies , Tom Petty , Elliot Murphy , The Clash... o aquella chispa que hace del Rock , un producto genuino de donde sale casi toda la música de nuestros días , si no toda.
Temple Biutiful además transmite con cada una de sus notas y acordes firmados en sus canciones un mensaje claro y espiritual de una ciudad como San Francisco , cuna de los movimientos artísticos y culturales más libres de EEUU. Que hacen que al escucharlo uno se acabe olvidando de preguntarse que es lo que está sonando en realidad , efecto sin duda de la naturalidad y corazón con la que están firmadas las canciones de su último disco.
En realidad , no es que su discurso halla variado con respecto a discos como ¡Let Freedon Ring! , No other Love , o Age of Miracles. Pero lo cierto es que el arranque de este trabajo tras tres años de silencio “Play That song again” , “Castro Helloween” son tan verdaderamente irresistibles que no pude evitar recordar a otro de mis discos de cabecera , aquel “Shakespeare Alabama”de Diesel Park West; quien sabe si por la forma de cantar de John Butler , en aquel hermoso disco de debut. Durante el paseo al que nos invita Chuck por su madre ciudad empujados por la inercia de estas dos canciones , van apareciendo diabluras que uno sin quererlo parecen trasladarlo a los clubs de los 70 donde hervía la ciudad: En “Temple Beautiful” la Telecaster más primitiva escupe uno de los riffs más infecciosos (salidas , noche , amores...) hasta acabar ante la bahía mientras amanece la ciudad entre brumas , “Museun of the broken hearts” nos transmite ese fundido de las ciudades mientras se enciende el sol y las criaturas nocturnas se recogen. “Willie Mays is up at Bat” como un suspiro de satisfacción , alcanza la medianía de un albun que se defiende tan solo con un mensaje de tuteo , no existen las artimañas para disfrazar su invitación porque es tan simple y radiante como una copa entre amigos , o una sonrisa inocente y maliciosa como la que nos brindó Chuck sobre el escenario. En el disco también se puede ver , con sus pantalones negros de pitillo , su pañuelo al cuello y sus zapatos de ante mientras clama al cielo “Don't Tell me you don't want my love , don't tell me you don't need my love”.




01. THE TWILIGHT SAD_No one can ever Know (Fat Cat Records)






He aquí mi colchón sonoro de este año , consciente como soy que en la mayoría de los casos no se quiera ver más allá de Joy Division , Bob Dylan cuando se habla de Folk , My Bloody Valentine si se trata de Shoegaze , y otros tantos pilares de la música que parecen hacernos juzgar la música como un agravio comparativo , como si el árbol genealógico musical se apoyara solo sobre cuatro grandes pilares corintios. Me imagino que a mí , al contrario de otras personas , siempre me ha costado horrores escuchar música pensando en el parecido de una banda o artista con otra. Y considerar las influencias o la inspiración como una lógica creativa inevitable en la pescadilla que se muerde la cola que es la música.
En todo lo que se delimita bajo la sombra de Post Punk de principios de los 80 siempre está presente Joy Division , curioso cuando creo personalmente que fueron una banda inimitable , y su mayor logro fue ilustrar una época social con una atmósfera , más que con un estilo. Así es como prefiero disfrutar la música , pensando en lo que me transmiten o evocan por algo que se escapa a los tecnicismos: Y más por las sensaciones , los contextos , situaciones , o incluso por el estado de ánimo variable que hace que un disco se convierta en un catalizador.


The Twilight Sad han sido desde que sacaran aquel “Fourteen Autumns & Fifteen Winters” de 2007 , una banda Escocesa que siempre se ha apoyado en la emotiva voz de su líder James Grahan , en su particular forma de masticar su Escocés de herencia Gaélica , y las ampulosas guitarras; para crear atmósferas no solo oscuras , si no también de creciente progresión. Aquel disco ya dio claras muestras de buscar espacios y territorios sugerentes como lo hicieran Mogwai; sin embargo Twilight Sad siempre me han parecido más exploradores de texturas , que una banda que prefiera dormitar en un estilo perpetuo. Aquel primer disco en el que exprimían su instrumentación básica para canalizar su sonido , que aunque eminentemente Lo-fi crecía como una masa horneada , cálida y fermentada por la levadura; marcó otra forma de crear ambientes oscuros , en una época en la que florecieron una infinidad de bandas que rendían pleitesía a: The Sound , The Chameleons , Easterhouse etc. Sin embargo aunque Twilight Sad hallan ido profundizando en un sonido cada vez más oscuro , tenso e intrigante , los he abrazado más como una banda experimental que oscura; como una forma de no limitar su sonido o desvirtuarlos.
Por eso cuando pude escuchar éste , su tercer trabajo y el más esquivo de todos ellos. Vi en él una apuesta de riesgo , de nueva experimentación , y de revelarse contra un encasillamiento. Es cierto que es difícil escucharlos sin pensar en otra serie de bandas , o en una propia que remarca su personalidad como un sonido de culto. Pero sin embargo de todos sus discos y por mucho que me gusten estos , este es el que me parece infinitamente mejor. No porque contenga canciones deslumbrantes y asequibles al oyente , si no porque transite alma y personalidad usando una fórmula arcaica y primitiva , en detrimento de la épica de manual; y eso es lo que le da algo que jamás he encontrado en sus otros discos , incluso en ninguna banda en las que busco esas sensaciones angustiosas. 
 
Sick” esgrime esa virtud , con un tono de despecho y romanticismo inigualable: Una guitarra , una base mecánica , y unos sintetizadores analógicos de fabricación Rusa son las pocas herramientas que necesitan , para que en realidad sean las melodías las protagonistas antes que la instrumentación o los arreglos. Twilight Sad siempre han necesitado muy poco para transmitir paisajes de congoja , y este es su disco más memorable en ese aspecto; no se si las sabias manos de Andrew Weatherall (The Sabres of Paradise , Two Lone Swordsmen) bajo los mandos de la cabina , o su camino sombrío en el que el éxito no les ha sido demasiado favorable; son los culpables de que este disco me haya seducido , por eso que yo llamo simpleza eficiente.
Puede parecer que mi disco preferido de este año sea poco revelador si entendemos por las melodías crepusculares algo repetitivo y machacón. Si en cambio sois de los que pensáis que no hay géneros extintos , si no grandes o menores discos , quizás solo así sucumbáis al encanto de esta obra. Un disco sin encantos mercantilistas si no emotivos , que necesita ser escuchado con calma para adentrarse en él y descubrir la verdadera belleza de canciones como: “Not Sleeping” o “Nil” donde su ceremonial sonido levanta imágenes catedralicias o espacios abiertos pero a la vez asfixiantes. Que nos encadena con una mecánica arcana cuando sus canciones más recuerdan al lejano BROKEN FRAME o CONSTRUCTION TIME AGAIN de DM: “Dead City” , “Kill in the Morning” , o “Another Bed” , o a un sinónimo de aquella corriente industrial y deshumanizada que plasmaba perfectamente el desapego como un desengaño amoroso con respecto a nuestro destino.

No one can ever know es un disco rocoso , yermo e inaccesible desde un punto de vista amable. Sus canciones cautivan por aquello que otros discos de su estilo carecen y precisamente es por lo que aun siendo un disco que sobre el papel se puede parecer a otros; es totalmente distinto , puesto que los argumentos que da para acceder a él se alejan totalmente cauces del éxito. Aunque eso no parece ser un problema para ser una de las bandas más creativas de esto que llaman Post ¿que?



SONGS 2012:

01- SHEARWATER - Star of the age
02- THE WELL WISHERS - Mother Nature
03- GEOGRAPHER - Brave us the wind
04- DINOSAUR JR - Watch the corners
05- TAME IMPALA - Elephant
06- BELASCO - Everyone
07- BEACH HOUSE - Mynth
08- PARQUET COURTS - Borrowed time
09- LIGHTFOILS - How it is
10- HALLELUJAH HILLS - Get me in a room
11- GET WELL SOON - A gallows
12- A WHISPER IN THE NOISE - Black shroud
13- ILIKETRAINS - Mnemosyne
14- TIGER WAVES - Quebec
15- BEAR IN HEAVEN - World of frekout
16- DJANGO DJANGO - Wor
17- LONG WEEKENDS - Don't reach out
18- SEAN BONES - Here now
19- DOMINIQUE A - Quelques Lumières 
20- THE TWILIGHT SAD - SICK
21- THE ALLAH-LAS - Sandy
22- MEURSAULT - Dull Spark
23- NITE JEWEL - In the Dark
24- I AM DIVE - Icy
25- ALLO DARLIN' - Still Young
26- BLANCANOVA - Cine de Verano
27- JAKE BUGG - Trouble town
28- THE SOUNDTRACK OF OUR LIVES - You are the beginning
29- PLAINS - Innovator
30- WEDDING PRESENT - Mystery date



domingo, 30 de diciembre de 2012

DEL 09 al 05: EL PATÍBULO DE LOS ÚLTIMOS DE CLASE_ Capitulo 3





09.ORMONDE_Machine (Hometapes)


Llegados a este punto de la lista estamos preparados para dar argumentos creíbles cargados de principios , para defender , me figuro , lo indefendible. Quizás sea este un año en el que precisamente no hallan destacado discos grandiosos que saquen cuatro cuerpos al resto de la gran manada , todo esto dicho desde mi apreciación personal (ya que no hay vara para medir la grandiosidad y el consenso).
Sin embargo creo que están aquellas otras obras que se zafan con dificultad en las arenas movedizas , cuando dependen únicamente del gusto íntimo y personal del que lo escucha. Suelen ser discos que con su sonido y personalidad transmiten paisajes , despiertan sentimientos y sensaciones incontrolables; incluso puede que consigan sin imágenes trasladar al oyente a épocas indeterminadas de la vida o yendo más allá , consigan hacer de su sonido un motivo estético.
Ormonde lo hacen incluso con más efectividad que las anteriores vidas de Anna Lynne Williams , donde bajo el nombre de Trespassers William y Lotte Kestner esta Calforniana ha editado algunos de los murales más bellos y delicados del DreamPop acústico. En esta ocasión su alianza con Robert Gomez (Midlake , Sarah Jaffe) consigue cambiar lo que antes eran paisajes bucólicos y quebradizos por otros igual de frágiles , pero más intensos y misteriosos: Los diez cortes del disco traspasan aquellas sensaciones de placidez para adentrarse hacia lugares profundos , aquellos que te agarran el estómago , te anudan la garganta y te angustian sin saber si es de tristeza o de placer: Se pueden ver calles desiertas , blancos y negros , estancias diminutas , lágrimas congeladas , y una sensación de desaliento omnipresente en cada una de las composiciones de esta pareja. Su Pop milimétrico y orfebre parece en todo momento surgido de un pasado lejano en el tiempo pero evocador y muy parecido al que me transmitieron en su día Nico , Beth Gibbons , o Trish Keenan , aun siendo antagónicas en géneros pero muy cercanas en sensibilidad.
I can't Imagine” , “Machine” , o “Blank Slate” son algunas de las piezas que mejor inciden en esa extraña sensación de suspiro profundo , pero el disco como tal es de aquellos de los que te enganchan a base de sugestión , de predisposición y de estado mental. Algo a lo que no todos estamos dispuestos , pero a lo que deberíamos acceder de forma natural.




08.TWO WOUNDED BIRDS_TWO WOUNDED BIRDS (Holiday Friends Records)


Igual que Radio Futura cayeron enamorados de la moda juvenil , yo a mis rancios 42 años me he rendido sin resistencia alguna a los encantos de este cuarteto de Kent. Ante tal posesión infernal de mis flácidas carnes: Me di baños de agua helada , recé diez ave marías , me dejé crecer los padrastros para luego meter las manos en vinagre , y hasta me corté con folios para intentar expulsar al pasajero de mi interior. Todos fueron intentos vanos , era empezar a escuchar los primeros acordes de “Together forever” y poseerme de inmediato un estertor y temblequeo paranormal por todo mi columna vertebral.
Lo he llevado en silencio durante todo este tiempo como las almorranas de esa señora , pero en algún momento había que salir del armario digo yo. Se a ciencia cierta que su disco ha sido arrastrado por esa simpática moda/vendaval del culto a lo retro y a lo vintage; que entre tanto nuevo surfero , rebuscar hasta dar con verdaderas valigas cansa , agota y empacha. Pero también creo que es tan lícito extasiarse con una trascendental obra de Pink Floyd o Sonic Youth , por dar un nombre , como acertar en una melodía de Pop inmediato. Todo es igual de meritorio , y se por supuesto que no es compartido por todos , y también se que nadie mejor que Buddy Holly y otros tantos para hacerlo con mucha más maestría. Como se que la esencia de aquellos singles de los 60 , no solo transmitían genialidades si no manuales para construir en tan solo dos minutos , canciones eternas.

Por eso y por muchas otras razones se que no hay que resistirse a donde a uno lo lleva su corazón. Y estoy dispuesto en éste mi estado de actual catarsis , a afirmar que lo que estos chicos se han sacado de la manga es inperecedero.
Lo mismo da que se agarren a una melodía de romanticismo vestido de papel maché en canciones como “ To be Young” , “It's not up to you” o “I'm no Saviour”. O se marquen un Rock&Roll a lo Grease en “Daddy's Junk” , como si nos insuflan el Surf tan descaradamente sesentero que practican en la mayor parte del metraje: “My Lonesome” , “Night Patrol” , la popera “If only we remain , o el asalto a los postulados de The Shadows en “The Last supper”.
Porque bien podían haber maquillado todas esas influencias como han hecho la mayoría de bandas de ahora , en un intento de sonar contemporáneos a la vez que estilosos. O ¿será por eso que la mayoría me saben a café aguado? Incluso me producen el mismo efecto intestinal. Two Wounded Birds han cosechado un disco descarado , justo lo que más a menudo necesitamos: Más morro y menos pose.





07. HUMAN DON'T BE ANGRY_Human don't be angry (Chemikal Underground Records)



Amigo Malcolm te escribo para contarte , que desde que te descubriera en una de mis últimas sesiones de Dj en prácticas si no la última , hallá por el 2007 mientras sonaba en el CD la hipnótica y taciturna “ The rebel on his own tonight” donde musicabas los textos del joven Alan Bissett (Boyracers , El increible Adan Spark). Una chica del extra radio me preguntó: - ¿Es Malcolm Middleton? - Sí , contesté con estupefacción y placer.
Me figuro que son este tipo de cosas las que hacen que uno piense lo mucho que vale la pena jugársela y poner lo que cree que es un capricho autocomplaciente , y que al final acaba por encontrar más receptores de los que uno piensa.
Por eso al llegar a este punto de mi lista personal e íntima , aunque por un momento dude si al público le va a parecer un ejercicio de pedantería , de posar como retorcido , o de empeño por ir siempre en dirección contraria. Al final creo firmemente que los gustos son tan abstractos y maravillosamente imperfectos , que intentar disimularlos no solo acaba contaminando si no que debe ser lo más parecido a una traición a mis principios , si es que aun me quedan.

Normalmente las carreras en solitario de miembros de bandas de renombre se suceden tras la disolución , como consecuencia de sus actos en solitario o por desacuerdos. En ARAB STRAB no pasó así exactamente. Aidan Moffat y Malcolm Middleton parecían tener claro mucho antes que el matrimonio jamás puede sellar el amor eterno sin sacrificar demasiadas cosas. Malcolm ya llevaba cuatro años firmando en solitario antes de la disolución de los confortables Arab Strab , y hasta la presente cinco son los discos que nos ha entregado a un Malcolm de un Folk fiero , áspero y luminoso. Una carrera diametralmente opuesta a la de su anterior consorcio y que nos ha mostrado a un autor en constante rebeldía visceral.
Dices que todo tiene su principio y su inevitable fin , aunque eso no signifique detenerse y retirarse. Me imagino que tu filosofía en constante maquinación tiende por naturaleza a cambiar y enfrentar exposiciones tan distintas como conectadas pueden estar entre si. Por eso HUMAN DON'T BE UNGRY sigue conectado por un cordón ubilical imaginario a ese pasado de Arab Strab , lleno de texturas , de trampas y de melancolías flotantes y pendulares.
Así suena la nueva vida de Malcolm; Human don't be Ungry suena a disculpa paternal , ante unos hijos que posiblemente jamás entiendan hacia donde van los caminos del creador: Ambient Sinfónico , Folk Crepuscular , electrónica microscópica , Pop atormentado o cualquiera de las formas que toma bajo su nuevo seudónimo. Tanto si tienen forma de instrumental para hilo musical de ascensores y salas de SPA , como si con cuatro acordes construye melodías vocales asombrosas. Malcolm Middleton hace de lo vulgar y anodino algo sublime , con la única misión de morir y revivir miles de veces o de brotar como una planta de temporada; ¿que lo hace distinto? Que sus temporadas están como siempre fuera de catalogo , exquisito.







06. LUIS EDUARDO AUTE_El niño que miraba al Mar (Sony Music)





Estoy seguro que algún alarido se habrá escapado al contemplar dicha anomalía entre mis discos. Tanto de los que lo idolatran , que los hay de inverosímiles edades , como de los que jamás han soportado un disco del Filipino de padres Catalanes.
Luis Eduardo mola precisamente por eso , además de su cinismo y mordacidad a la hora de maltratar a los enemigos con la única arma de la lírica y la poesía. Mola porque aunque yo a título personal solo sea capaz de hacerme un extensísimo compilado de mis temas preferidos , vamos que no me considero en absoluto un fan incondicional del cantautor; no puedo dejar de reconocer que éste es sin lugar a dudas uno de los discos que más me ha cautivado de toda su carrera: Por simple , conciso y comedido en cuanto a la musicación , y por las canciones que se escuchan , se leen y se recitan.
Quizás sea de los pocos autores a los que cuando me envalentono para afrontar alguna des sus nuevas canciones , o incluso una de tantas letras que ha cedido amablemente. No puedo por más que separar quirúrgicamente letra , de todo lo que suena alrededor: Jaleos , tumultos o música; Aute de todos modos siempre me ha parecido más un escritor que un cantante , diría incluso que la música que acompaña a sus textos parece concienzudamente tan sutil y liviana como para no agredir en ningún momento lo verdaderamente importantes que son sus letras. Por eso me imagino que si los instrumentos han quedado al fondo del salón , su voz y ejecución sin embargo se ha afinado como un instrumento en el que las cuerdas están impregnadas de miel y ambrosía.
Pues en este su último disco al que nadie esperábamos , parece estar concentrado todo eso. No solo porque dos de sus mejores canciones son como salmos redentores que se recitan casi en silencio: “El niño que miraba al mar” como juicio sumarísimo con mucha perspectiva , o “Feo mundo inmundo” donde protesta con susurros directos y sin ambages. No le van a la zaga la versión más cínica de nuestro Aute de siempre “No hay manera” o las fábulas de “La ley de Galilei” que comparten farándula Parisina. U otras como “Las musas” o “¡Que necesidad!” que hacen de este disco uno de los más hogareños , cotidianos , poéticos , dulces y balsámicos que me ha devuelto a Luis Eduardo Aute. Y su situación aquí arriba junto a cosas tan extremadamente opuestas como: DEATH GRIPS o TWO WOUNDED BIRDS son por decisión y porque al final , la música es tan libre y universal como inútiles las vallas que nosotros nos queramos imponer.






05.DEATH GRIPS_NO LOVE DEEP WEB / THE MONEY STORE (Los echaron de Columbia-Sony ahora se autoeditan)




Cada cierto tiempo la música que gravita sobre éste nuestro mundo imperfecto y lleno de anomalías , desciende , se posa sobre la azotea de un edificio y baja hasta calles , los barrios y los suburbios para impregnarse de lo que allí acontece. No solo del olor humano y de los ruidos que rebotan contra la fachadas. También de todo aquello que nos afecta y nos destruye miserablemente desde un lugar tan profundo como es la cultura dogmática del sistema.
Sí sí , aquello que en su día se maquinó como un arma perfecta de adoctrinamiento y que a hecho que una serie de comportamientos de castas intangibles maneje nuestra sociedad urbanita actual. Tan bien diseñada fue , que ahora que la crisis nos atenaza desde la entrepierna hasta el cerebro; las gentes que las pueblan se lanzan dentelladas para marcar su territorio y bienestar social , en vez de asociarse de manera independiente y usar la equidad para un bien común.
Por suerte la música además de hacernos más llevadera esta carga haciéndonos soñar , bailar y desconectar de la mierda que se nos lanza a la cara. También muy de tarde en tarde surge de entre los sumideros y las cloacas de los suburbios , para darnos un merecido puntapié en nuestra ética y moral de la que tanto alardeamos para defender el orden en nuestra camada. DEATH GRIPS es como un día de furia envasado entre dígitos , surcos y pistas. Un arma arrojadiza , llena de aristas , rebabas oxidadas y rabia contenida... Tan corrosivos son sus manuales , que corroen todo lo que tocan como si de la sangre de un Alien se tratase. Su misión en estos días de paz y armonía de: “Confiad en nosotros que todo se solucionará y volverá a ser igual” , es despertar el estupor hipócrita con una descarga de mal gusto , y desobediencia soez .



Hartos de recibir largas desde una multinacional ávida en la cacería de nuevos talentos indignados , que encontró en sus primeras mixtapes un certero golpe de efecto en la revolución mercantilista. Tuvieron la brillante idea de liberar el artefacto en la red , mandar a la mierda el contrato , e ilustrar su portada con un vigoroso y viril nardo apuntando el camino a seguir. En su sonrojada y tersa piel rezaba el título pintado con rotulador , más significativo imposible: NO LOVE DEEP WEB.
Pero no crean que este trío de músicos subterraneos se limitan a montar escándalos y vivir del pitoste , de echo mucho no debía importarles que los echaran de un sello de verdad sin llegar a publicar su disco. Porque igualmente , toda esta declaración de principios seguiría quedando en un segundo plano si les hubiésemos cogido la pista en su anterior trabajo: El momento exacto en el que editaron su primer cassette , se dieron a conocer , y cancelaron las giras para coger carrerilla , y perfeccionar éste , su segundo trabajo y otro más de regalo.
Si su primer Exmilitary ya era un manojo de experimentación sonora con una fuerte carga de saturaciones electro industriales , inconexas en ocasiones. Su último monstruo además de ir cargado de polémica también va bien surtido de personalidad , bastante más digestivo e igual de abrasivo o incluso más; por lo menos consigue algo impensable para el tipo de música que practican estos Californianos: Consiguen mantenerte pegado al altavoz y sobretodo te sumergen en lo que un princio parece un desvarío , pero no. Su Hip Hop oscuro y penetrante como el que contenía aquel MATERIAL INTONARUMORI de 1996: Ramm ell Zee , Kool Keith , Roden Robots , Eddie Def , o PhonosycographDISK. Artistas surgidos del Underground que ya en aquellos años avanzaban con el Hip Hop a terrenos más humeantes , experimentales y electrónicos , dando en el panorama más conocido a gente como Massive Attack y Portishead.
DEATH GRIPS sin embargo da un paso más definitivo en el camino del Rapeo y de los discursos frontales contra el sistema. Su música y sus letras destructivas combinan Experimentación , Punk , Electrónica Industrial , Noise , y Rock de trazo grueso , con un instinto tan incendiario , que para escuchar esa andanada de mala ostia se ha de tener claro que su propuesta va un paso por delante de la creatividad que intenta captar fieles. Afrontar este disco precisa de visión de futuro en lo que deberían ser los proyectos como algo experimental y descubridor , y que a la vez une conceptos como los que nos enseñaron Fugazi o PunkRock más caustico para entender que Death Grips van más hallá de una mera filosofía destructiva y deconstructiva de la música , para crear algo realmente extremista. Y es así porque aunque se crea de ellos que han utilizado la industria como un trampolín , su disco contiene todo lo que necesitamos en estos tiempos que corren: Abrir caminos sin miendo a no ser entendidos , lenguas afiladas , y subersión contra los engranages de la Industria reales y tangibles.




SEAN FELICES AHORA QUE YA HEMOS LLEGADO AL PRECIPICIO DEL AÑO.  SÍ , ALLÍ ABAJO ESTÁ 2013 ASI QUE SALTEN SIN MIENDO HABER QUE NOS DEPARAN. A MI ME ENCONTRARÁN ESCRIBIENDO SOBRE LOS CUATRO ÚLTIMOS (COMO SUPONDRÁN NO ME DA TIEMPO A ACABAR , NI QUIERO)

lunes, 24 de diciembre de 2012

LOS MEJORES FRACASADOS: 2012 , LISTAS , LISTOS Y ESPABILADOS POR CAPÍTULOS _ Capítulo 2

BORIS KARLOFF PLAYS THEREMIN!!


 



18. LOS PUNSETES_ Una montaña es una montaña (Everlasting Records)




Todos hemos visto crecer a la banda Madrileña desde que irrumpieran allá por el año 2008. Pero probablemente casi nadie lo habrá certificado hasta que este año editaran “Una Montaña es una montaña” , me atrevo a predecir a que incluso muchos de ellos seguirán viéndolos de por vida como una banda de Pop Naiff que intentan llamar la atención con letras estúpidas , para disfrazar su pedantería. Nuestro país tiene esas cosas , se permiten ciertas licencias desde personajes como el Juanma de Aída , pero en cambio nos hiere la sensibilidad escucharlas en boca de un grupo que adopta una pose frívola para mandarnos una arenga de miserias íntimas y cotidianas.
LP2 ya era un segundo disco que en las manos de su anterior productor , David Rodrigez (Beef , Anti) parecían tener un objetivo muy claro cuando recaían sobre sus cáusticas letras el peso de su imagen , dejado en un ligero segundo plano su sonido de Pop de guitarras sencillo. O por lo menos esa era la imagen que parecían querer transmitir: De esa forma sus textos aun parecían más cínicos si cabe.
Pero este año Punsetes parecen haber musculado su discurso en la sala de Fitness del barrio. Y no lo han hecho a costa de perder personalidad , al contrario la han ganado. El Guincho (encargado de moldear el sonido de la banda) a hecho un trabajo estupendo. Ariadna parece seguir teniendo los mismos problemas con sus amigos , aunque en esta ocasión con un verbo menos explícito y más cínico: Si hace dos años los mandaba a tomar por culo directamente , esta vez de una manera más críptica les reprocha su falta de actitud ante lo que se espera de ellos. Menos malaleche en los textos según se mire pero bastante más vigentes en su forma de contar las cosas , y con un sonido que sin duda es de lo mejor que he escuchado en años dentro del apnorama nacional; si de lo que hablamos es de Pop con claroscuros: Poderoso , adictivo , equilibrado a la hora de tratar las guitarras y sin fisura alguna.
Las guitarras suenan en su sitio poderosas y poperas según el caso y con 12 temazos sin desperdicio alguno: Los tecnócratas , los glaciares , Alferez provisional , o 155 son suficiente argumento para comprarse el disco sin parpadear.





17. FRANKIE ROSE_INTERSTELLAR (Slumberland Records)



Sinceramente no esperaba que los últimos meses de este año me depararan sorpresas tan inesperadas y gratificantes. Porque pese a que éste es un disco que se publicó en febrero , seguramente y de manera inconsciente he llegado tarde a él por la misma razón que he ido evidenciando un deterioro ante sonidos que , aunque históricamente me han fascinado , últimamente parecen recordarme a un empacho de fastos navideños. Frankie Rose superó la licenciatura en algunas de las bandas que mejor supieron destr.... ups , abanderar esos sonidos: Dum Dum Girls , Vivian Girls ,Crystal Slits , incluso su disco de debut por vía autónoma bajo el nombre de Frankie Rose and the Outs seguía insistiendo con ese Pop-punk Garajero de tintes sesenteros que tanto daño está haciendo últimamente (sobretodo si se hace con tan poca imaginación y actitud).
Pero para sorpresa de mi puñetero oído , Interestellar tiene poco o nada que ver con aquello; cierto es que la muchacha aunque evite hablar de sus influencias y tire balones fuera , no es el parangón de la originalidad. Pero siendo sinceros con nuestro instinto , el disco realmente tiene alma y eso es lo único que al final cuenta cuando se quiere disfrutar de un disco sin sufrir ataques de nostalgia marchita.
Personalmente me recuerdan una barbaridad a Echo & The Bunnymen y a Pale Sints. A los primeros por la manera de meter esas guitarras sutiles entre tanto ambiente lisérgico , y a los segundos porque directamente su sonido es un calco exacto a la época de Meriel Barham a las voces de Pale Saints incluso a su evocador sonido; basta con escuchar la genial “Moon in the mind” y compararla con aquel “Porpoise” de 1989.
Quizás por eso desde un primer instante caí rendido ante su nueva obra: Un disco que aunque me recuerde horrores a la que para mi fue una de las bandas más injustamente ignoradas de finales de los 80 Pale Saints , y recurra sin pudor a la falta de memoria de las actuales generaciones para casi clavar el “Play for Today” de The Cure en su “Night Swim”.
Sí , pese a todo eso me sigue pareciendo uno de los discos más coherentes y serios; si cuando se ha de echar mano de los ancestros , se hace aportando algo significativo. Posiblemente no tenga memoria cuando predica que intenta crear ambientes visuales , pero se lo perdonamos aunque solo sea porque lo que importa es la música.



16. HOUSE OF WOLVES_Fold in the win (Moonpalace Records , Donosti)



Hay discos a los que se ha de acceder desde el silencio y desde el trance emocional , Fold in the Win es uno de ellos. El primer corte del disco: “50's” , nos introduce en ese laberinto , como si ella fuese una Purple Rain destartalada y bastante más desnuda. Aquí no es Prince , quien ataviado con chorreras y ante un público entregado y lacrimógeno lleva el romanticismo hasta el éxtasis.
En las declaraciones de amor de Rey Villalovos no existen neones , orquestas , ni besos infinitos. Sus confidencias y su manera de preparar el encuentro exigen del amante más aguerrido , pasión verdadera. Pasión sobre cualquier otra cosa , solo que esta , debe ser sin lugar a dudas pura y sincera.
Por eso , si uno está verdaderamente decidido a entregarse a cuerpo y alma a este artesanal disco , quizás sea capaz de encontrar la belleza en los silencios , en los chasquidos del nylon de las cuerdas , y también en el aliento de la voz quejumbrosa de Rey.
Una obra totalmente acústica que se sirve de tan solo una guitarra , un piano y una instrumentación de acompañamiento que suenan como el mecanismo de un reloj. Todas las canciones de un romanticismo absoluto que orada en la verdadera esencia del amor y el dolor placentero que este produce , todo el perfume que se respira de desnudez redentora , de desolación pero sin embargo de felicidad también. Son esos estados de congoja que nos hacen daño pero contradictoriamente nos producen placer , así suenan: “Angeless” , “Acress of fire” , “Follow me” , o “Fligh”. Son todas ellas canciones que vieron la luz de forma autodidacta en 2011 , pero que no ha sido hasta este año cuando el exquisito sello Donostiarra MOONPLACE se enamoró de la fragilidad expansiva de estas 11 preciosidades. Rumores que nos emplazan a abandonar la desatención a ritmos festivos , para disfrutar de la música en un estado más comtemplativo y reflexivo , como el de aquel “Last of the country gentlemen” de Josh T. Pearson.



15. DOMINIQUE A._ Vers les Lueurs (Cinq7-Wagram Records)



La primera vez que lo vi fue en 1995 en uno de aquellos rutilantes BAM de los 90. Desde entonces ya han pasado como si tal cosa 17 años y Dominique Ané parece seguir sumergido en formol , como el vestigio de un periodo exacto de tiempo en el que florecía en el subsuelo de la gran urbe “indie” , otra clase de artistas que parecían ser empujados como un movimiento literario más que por uno musical. A la vez nacía una de las tiendas más exquisitas de Barcelona , y no tendría sentido hablar de los 20 años de carrera del Francés sin mencionar una triste historia de este año.
Uno de los últimos discos que compré en CDDROME fue este de Dominique A , el mismo lugar donde descubrí a: Clientele , Bedhead , Montgolfier Brothers , Mr Wright , Catchers , Field Mice o Blueboy. Hablar de la carrera de Dominique A y obviar a ese motor subterráneo donde nacieron distribuidores como Green Ufos o CDDrome sería como olvidarnos de una parte de nuestra vida , que en mi caso me ayudo a superar la fiebre del Brit Pop más comercial.

En todos estos años , Dominique A nos ha mostrado un camino en el cual el cantautor de Provins ha ido convirtiendo su Pop minimalista y poético en una carrera de constante experimentación. Desde aquel “Memoire Neuve” con el que lo conocí , hasta éste su último disco. Por el camino hemos visto momentos electrónicos , álgidos , de Pop dramático y áspero , de terruño , experimentaciones con sonidos secos que siempre al lado de su lírica voz nos han demostrado que su Chansón hasta cierto punto tradicional tiene tantas caras como un poliédrico diamante.
Vers les Lueurs vuelve a mostrarnos a un Dominique A distinto e iluminado por una lucidez sonrojante. Del que solo cabe pensar que si su propuesta sigue siendo tan poco considerada , quizás sea porque la escena musical es inversamente proporcional a la creación de diferentes escenarios en los que balancear la música como una variedad de estilos real y tangible.
En Vers ler Leuers se sigue viendo reflejado el mismo Dominique de siempre , en realidad no ha cambiado en absoluto; aunque se vea esta vez arropado por una sección de vientos , que solo intervienen para ampliar y dotar con un punto de solemnidad las nuevas canciones del Francés. En realidad este no es el típico disco orquestado en el que se busca una épica grandilocuente , porque Vers ler Leuers es un disco hasta cierto punto de los más eléctricos de Dominique , lo que si ha cambiado en realidad es la cantidad de músicos que intervienen en él. En ese aspecto si que puede sonar mucho más rico en matices pese a que su sonido conserve ese toque osco , áspero y lapidario que tan bien combina con la musicalidad de su voz: Es posiblemente uno de los discos más accesibles de su carrera como ya lo fuera “Auguri”. Y en el que el autor recorre de manera retrospectiva toda una vida de música , con un tacto a la hora ensamblar los instrumentos magistral: Respetando totalmente toda su esencia y consiguiendo que tubas , oboes o piano , enriquezcan sin entrometerse. En unas guitarras y sección rítmica marca de la casa. Un disco bien estructurado , que embelesa bajo cualquier circunstancia y que muestra a un Dominique A que gana con los años , como los buenos vinos.




 14.TAME IMPALA_Loreism (Modular recordings)


Como la bruma matinal que surge de los lechos de los ríos ha emergido este año Tame Impala. Con un disco que parece ser el salvador de las agencias de calificación; ahora que lo alternativo esta en alza y que la cantidad de posibles consumidores lo convierten en un negocio jugoso.
Su disco de debut se les escapó hace unos años y ahora parecen estar en deuda con una banda , que desde la lejanía y el aislamiento sano que supone Australia en la música en general , se aferran a la construcción de letanías psicodélicas con eficiencia y criterio.
Su música parece estar dotada de un filtro de humo remoto que proyecta su sonido hacia estados en los que la música se convierte en una textura más que en un estilo o en un efecto de acción reacción. Las mismas progresiones que ejercieron de Pink Floyd como hacedores de ambientes flotantes y sugerentes. Su último disco no es que sea el paso certero que carecía Innerspeaker , si acaso este Loreism contiene tres o cuatro pequeñas licencias para todos los públicos: “Elephant” , “Apocalypse Dreams” , “Whe won't they talk to me?” , o “Feels like we only go Backwards”. Pero en trazos generales los chicos de Perth con cada movimiento parecen querer descubrirse a ellos mismos; en esta ocasión los sintetizadores analógicos y los efectos sonoros parecen cobrar un protagonismo en detrimento del espíritu armonioso y rocoso de su primer disco. Loreism exige un esfuerzo para cabalgar por los toboganes de cada uno de sus temas , de echo no creo que sea casual la apertura del disco con temas que poco tienen que ver con los hits que contiene un disco ortodoxo. Como si Tame Impala evitaran ser previsiblemente atractivos , y buscaran una distancia prudencial con aquellos planteamientos que presentan una obra echa a la medida del oyente , invitándote así a viajar sin un destino desconocido.
Eso es lo que hace de ellos algo distinto a lo que estamos acostumbrados a oír , y que refuerza la creencia de que: Independientemente de las escenas , de la búsqueda incansable de ídolos , de los géneros , de las coronas , o de los elogios desmedidos del público. Continúan existiendo creadores que viven abstraídos de las expectativas , con la exploración como única pretensión.



13.MEURSAULT_Something for the weekend (Toad Records)





Hay discos que se saborean , se mastican y se digieren por su sonido y por lo que él transmite. Meursault llevan ya unos años tocando , pero no ha sido hasta ahora cuando han conseguido algo realmente meritorio: Conseguir que su música siga transmitiendo el eco de una estancia desnuda de muebles y objetos , esa sensación de estar escuchando algo que se ha grabado de una tacada y sin ningún tipo de arreglo. Y que a la vez esas canciones microscópicas y sencillas tengan vida propia , una vida creciente que con cada escucha brotan y florecen como un almendro bajo los primeros rayos del sol.
Dicen algunos que eso que hacen es Lo fi (sonido de baja intensidad) para entender así que sus canciones se desarrollan bajo un estándar de artesanía. También parecen coger prestadas las influencias del Folk por el tipo de instrumentos utilizados: Banjo , Armonios , Ukeleles y guitarras principalmente acústicas. Sin embargo tienen algo que curiosamente parecen tener adscrito a su ADN casi todas las bandas Escocesas; un espíritu de raíz único para dotar de naturalidad cualquier cosa que hagan.
Something for the weekend es un disco que comienza con incómodos silencios y una parsimonia para el que hay que estar preparado. Sin embargo , cuando empieza a discurrir y a rodar como un viejo carro de buhoneros , vemos toda la fanfarria y el poder que tienen sus canciones para levantar el vuelo y el espíritu , consiguiendo que cualquier día de mierda acabe por ser un buen motivo por el que pelear: La voz de Neil Pennycook (un jugador de baloncesto fallido) y el resto de la numerosa banda (hasta 7 miembros) construyen las canciones como una suma de pequeños detalles; como si Neil paseara por la calle guitarra en mano y se fueran uniendo transeúntes.
Flittin'” , “Dull Spark” , “Settling” son las cimas en expansión para llenar pulmones y gritar. “Lament for a teenage millionaire”” , “Hole” , “Dearly distracted” las bajadas hacia el valle , las simas y la introspección más poética. Un disco que alberga una naturalidad y sencillez tan entrañable y desgustable que parece un gigante con piel de pequeña criatura , delicioso.




12.ALABAMA SHAKES_Boys and girls (Rough Trade)



Cuando uno oye hablar de Soul , es inevitable que su subconsciente recurra al pasado para asociar ciertos movimientos a sus héroes personales: Curtis Mayfield , Marvin Gaye , Sam Cooke , Otis Redding etc. Difícilmente se encuentran en el panorama actual , autores que nos transmitan esas sensaciones y que además no suenen a plato precocinado donde se abusa de los trucos de siempre para aprovechar que éstos tienen un carisma especial para atrer a todos los públicos. El Soul , el Funk y el RitmanBlues tienen ese gen afroamericano que hace bailar a todo bicho viviente con un mínimo de sensualidad , y el handicap de que se abusa de él tanto para crear productos comerciales como se prejuicia a aquellos que intentan moldearlo a su antojo.
ALABAMA SHAKES como se puede suponer originarios de Alabama , hacen algo todavía más ambicioso: Soul con alma de Rock , incluso yendo aún más lejos digamos que el Ritman Blues está muy presente en la calidez de Brittany Howard y Zac Crockell. Y esto la verdad es que se recive con satisfacción teniendo en cuenta que lo publica un sello como Rogh trade , el cual siempre ha estado estigmatizado con la odiosa etiqueta del “indie”.
Es un riesgo asumible si somos lo verdaderamente consecuentes con el echo de que estamos ante un gran disco que aporta cosas nuevas , sin diluir la ráiz de géneros tan enraizados como los anteriormente citados. Brittany le da un toque blanco parecido al de Joe Cocker sin dejar que esto sea un inconveniente para con los orígenes negros del Soul Rockero que practican , y la prueba está en pildorazos de rock & roll como “Heavy Chevy” , sensualidades aterciopeladas de la talla de “You ain't alone” o “I found you”, o andanadas sin fecha posible , como lo son sus canciones más sudorosas: “ Hang loose” , “Rise to the sun” , o “Heartbreaker”.
Un disco que juega con el peligro inminente de no dejarse diluir por las modernidades , los puristas , o las etiquetas que lo releguen en cualquier lista que se precie; gran disco donde los halla sí , pura energía también.



11.TOY_Toy (Rough Trade Records)




También del sello de Geoff Travis pero en una tesitura diametralmente opuesta están TOY. Una banda de Londres que mucho antes que asomaran las narices con un disco de debut bajo el brazo ya estaban prejuzgados de antemano: Seréis el nuevo fenómeno hippster de este año , ea!! Sonaréis como tantas otras bandas que se acogen al AfterPunk vaporoso de los 80 , no cumpliréis las expectativas , y nos haréis añorar aquellos años viendo lo mal imitadores que soys , ah!! además sueguro que en directo seréis igual de flojos y faltos de personalidad.
¿No es eso lo que piensa todo hijo de madre de cualquier grupo Británico , incluso antes de escuchar el disco a fondo? Bueno , Toy no son ni una ni otra cosa; lo que si está claro , por lo menos bajo mi personal punto de vista , es que el disco me gusta , incluso me arriesgaría afirmar que es un muy buen disco.

Se que suena cínico pero The Horrors ya vivieron algo parecido , y Toy como banda apadrinada por The Horrors parece tener que demostrar con argumentos que eso es un error , no un horror. Lo triste es que nos olvidamos con demasiada frecuencia que es lo que nos mueve la música. Este primer disco de Toy no vamos a decir que sea el invento del siglo no , pero tampoco se puede decir que difiera en calidad respecto a: Tame Impala , Chromatics , Cloud Nothings , Grimes , o Diiv y un largo etcetera de artistas que recuerdan de igual manera a bandas de nuestra juventud (con todos mis respetos). Quizás es que no nos atrae a lo que nos recuerdan los Londinenses: Ride , House of Love , o The Church.
O que su forma de interpretar su forma de ver el Pop oscuro de finales de los 80 no sea el más atractivo para la mayoría: Largos minutajes todos por encima de los 4 minutos y hasta los 7 o 9, progresiones sonoras de lenta transición , reververaciones y todo lo que hace que una posible gran canción se combierta en suplicio para los que quisieran de ellos una banda de Pop oscuro con temas inmediatos.
Ellos no son así , a lo sumo dan un respiro en “The Reasons Why” para dejar algunos de sus mejores temas en manos de un guiño al Post Rock y para el final del disco , que rabia ¿no? “Koopter” , “Stranger” , “Dead & gone” , o “Driffting Deeper” , hacen que aunque la presión popular decida que TOY no aporta nada porque este tipo de jugada está ya saturada , son para mi artífices de uno de los discos más justos con lo que significa apostar por un estilo desligitimado.
Porque los medios no deberían manipular nuestro justo criterio , y valorar el conjunto independientemente de si deben o no pagar los errores de otros , que no horrores.



10.JUNE TABOR & OYSTERBAND_
Ragged Kingdon (Topic/Resistencia)




Son muchos los discos que han acabado enterrados bajo un manto de hojas caídas de este invierno. Las puñeteras moscas se resisten a morir pero sin embargo hay discos que soterremos demasiado pronto.
Creo que mi primera escucha fue en un Discópolis de no se que tarde; escuché la versión del “Love will tear us apart” de Joy Division y corazón quedó congelado. Jamás he oido una melodía y una forma de interpretar que se ajuste con más fidelidad a lo que se ha convertido para mi la persona de Ian Curtis , que ésta en la voz de June Tabor: El amor y la soledad como algo que amenudo van intrínsecos. Desde que vi aquel documental de Alan McGee me es imposible volver a escuchar una canción de Joy Division sin pensar en la soedad de Ian.
June Tabor es la principal artífice de esta alianza de viejos veteranos del Folk Inglés. Lo hicieron la primera vez en el año en 1990 con “Freedon and Rain” , y lo han vuelto a hacer este año por simple amor al arte y por volver a compartir escenario juntos.
De esta comunión de fondistas ha salido un disco , que me ha vuelto a despertar el gusto por escuchar aquello que se quedó en el olvido para muchas nuevas generaciones de bandas de las islas. El Folk que nos rememora música Celta , Gaélica o Escocesa y que ha sido una influencia inevitable para muchos artistas: Gorkys Zygotic Minci , Mark Lanegan , Beirut o incluso los actuales Cult of Youth.
Hay quien dice que es un disco que aporta bien poco a un género como el folk Británico. Sin embargo contiene pasajes de una belleza ancestral que trae consigo aquellas guitarras ornamentadas de Bert Jansch o porqué no , los filtreos de Jethro Tull con sus pasajes más acústicos de aquel Stand Up. Las versiones de Joy Division y Pj Harvey parecen ser tan solo licencias que se permiten este grupo de colegas , delegando la verdadera esencia en canciones como “Son David” , “Judas” que transmite las densas atmosferas de Dead Can Dance y “Fountain Flowing” , que resucita al fantasma de Spider Stacy y sus Pogues. Un inesperado disco que sin pretenderlo se ha convertido en el disco que más me a hecho añorar esa variedad de sonidos que tanto nos enseñaron.

lunes, 17 de diciembre de 2012

LOS MEJORES FRACASADOS: 2012 , LISTAS , LISTOS Y ESPABILADOS POR CAPÍTULOS_Capítulo 1

ALAIN DELON: DEPRESS IN PARTY!!
 CAPÍTULO 1#





24. A PLACE TO BURY OF STRANGERS_Worship (Dead Oceans)



Tres años parecen una eternidad para aquellos que galopan a lomos del panorama musical alternativo de nuestros días. Son los que han tardado estos Neoyorkinos en sacar su tercer disco , del primero casi nadie tuvo constancia.
Una banda que muchos han calificado de repetitivos e insistentes en su mensaje de guitarras pesadas y sangrantes. Posiblemente son a día de hoy de los pocos grupos que a mi personalmente me transmiten lo mismo que hacían mis bandas de cabecera cuando empecé a escuchar lo que antaño se llamaban “bandas de culto” ; mucho antes de que se acuñara el término “indie” , y cuando no se discernía entre Shoegaze , Noise , Lo fi y la infinidad de etiquetas que ahora se usan.
Su forma de destruir el rock para convertirlo en pura metralla de disonancias y estertores me parece comparable a aquel “Taste/1989” de TELESCOPES , salvando las distancias. Y esa es desde luego una de las razones por las que ocupan un puesto en mi lista personal. Porque defienden lo indefendible , y porque además lo hacen desde una postura nihilista y bruta cuando solo muestran sus influencias en pequeños detalles bajo ese manto de pedales , delays y acoples: El sonido Industrial de los Ministry , los guiños al rock Americano más clásico de Jesus & Mary Chain , o la oscuridad y decadencia de Love & Rockets.
Su Worship tiene mucho del sonido Industrial de los primeros 90 y de una parte de la música abrasiva y saturada , que pone a prueba nuestra lucidez para ver más allá del muro de guitarras. Tanto para no poner en tela de juicio su actitud de culto; justo cuando no estamos empachando de bandas faltas de personalidad , que no hacen más que elegir una fórmula y agotarla sin la más mínima intención de transgredir ni exigir al oyente.




23.HATCHAM SOCIAL_About Girls (Fierce Panda Records)



Su primer disco pasó sin pena ni gloria aquel 2009 pese a que tuvieron sus mentores en la escena alternativa Británica. Pese a todo ello Hatchan Social han practicado una música bastante más subterránea , quizás más de lo que se precisa para llamar la atención en la actualidad.
Su segundo disco se aleja relativamente de su debut: Más primitivo , rocoso y abstracto. Sin embargo cuando han decidido pasarse al otro lado de la calle para mostrar una imagen más amigable , si podemos definirla así cuando escogen una parte de la música Británica en la que residían bandas como: Aztec Camera , Three Johns , o That Petrol Emotion. Por dar algunos nombres al azar , de aquellas bandas que ni fueron lo suficientemente alternativas para destacar en la escena de los 80 , ni tuvieron la suerte de llegar a triunfar en las listas de aquellos años.
About Girls juega en esa liga y aunque parezca un inconveniente el creer que ahora van a entender lo que no entendieron en los 80. Su disco tiene algo que lo diferencia de aquellos que fracasaron; tienen la personalidad suficiente para descubrir un lirismo extraordinario en la voz de su cantante y unas canciones con un encanto oculto aparentemente chabacanas y brillantemente elegantes. No es un disco con el que se conecte inmediatamente ya que su sonido puede parecer de otra época , pero en la segunda escucha aparece la obra brillante que es. Solo con escuchar trallazos del calibre de “NY Girl” y “Like an animal” es suficiente.



22.NEIL COWLEY TRIO_The Face of mount Molehill (Naim)




Me imagino que los que me conocéis ya sabéis que los motivos que dí en el epílogo cobran sentido , en la inclusión de este tipo de discos en las múltiples listas que aparecen en esta bitácora.
Para algunos supongo que ciertos estilos , géneros o apariencias jamás deberían meterse en el mismo saco , vamos que son incompatibles e incomparables. Que si patatín que si patatán... en fin que quieren que les diga ¿que lo mejor está por venir? Este es su cuarto disco bajo el paraguas de un trío. En sus anteriores vidas Neil Cowley (pianista y autor) , combinó sus conocimientos como músico pródigo en el campo de la música clásica y su inherente inquietud por el Jazz y la experimentación como músico de estudio en: Zero 7 , Adele , Samuel Prudey o Brand New Heavies.
Neil Cowley Trío y este disco en concreto puede definirse como la encrucijada de todos esos aspectos , de su trayectoria musical y de su forma de entender el Jazz y el Rock.
The Face of Mount Molehill combina con grandes dosis de riesgo y de instinto natural: Una visión muy libre y autodidacta del legado que dejaron Esbörn Svensson Trío , con la diferencia que el trío de Neil se lanza sin miedo alguno hacia terrenos más Rockeros , si observamos la forma tan directa de tocar el piano en temas como: “Fable” , “The face of mount Molehill” , o “La Porte”. Que puede llegar a recordar en ocasiones , a las incursiones de Ian Anderson (Jethro Tull) en la música clásica , el Folk y el Rock Progresivo.
El resto del disco sigue conservando su impulso hacia la experimentación y las nuevas texturas sonoras del Jazz de nuevo cuño de calidad y hacia paisajes en ocasiones paisajisticamente sosegados. Un testigo abandonado por los Suecos y recogido con gran respeto por estos tres Londinenses , sin pudor alguno y con un impulso casi libertino.



21. ETERNAL SUMMERS_Correct Behavior (Kanine Records)




Que todo se recicla , se digiere y se regurgita ya es algo a lo que ya deberíamos estar acostumbrados: La música no ha cambiado tanto , quizás sí los recuerdos que nos advienen al escuchar ciertas canciones. Esas que nos colocan por un instante en aquella playa , local , dentro de un coche fumando hachís , o nuestro primer romance.
A Eternal Summers llegué por una canción que me pareció tremendamente banal y tan intrascendente que no recuerdo cual. Pero fue animarme a escuchar su segundo disco para descubrir “You Kill” , y quedar totalmente enganchado a esa melodía que tanto me recordaba a aquellas bandas de Pop inocente y adolescente; pero con una pizca de rebeldía Teeneger , que componían mi ideal de inconformismo: The Primitives , Lush , Talulah Gosh , Echobelly , Blondie...
Correct Behavior puede llevar a mal entendidos según sea la canción que se escoja al azar: Puedes pensar que son una de tantas bandas Pop insulsas , unos guitarreros despechados , o un producto pasajero de dos días.
Al escuchar su disco de principio a fin nos desmienten esa idea preconcebida. Etternal Summers podrían , pero no son una banda de Pop más; no , porque en su repertorio aciertan con cada una de sus versiones de lo que debería ser el Pop: una parte de canción pegadiza , por tres de (inocencia , rebeldía e inteligencia). Lo mismo da que se muestren esquivos e intratables en “Girls in the city” , “Heaven in hell” o “Wonder”. O que nos masajeen sienes y parietales con delicias de la talla de “Dissapear” y “I love you”.
Correct Behavior es un disco arrojadizo que entiende poco de modas , y que deja en un intento vano discos como los que nos han seducido este año a manos de Allo Darlin' o Tender Trap : Brillantes y realmente buenos , pero inocentes si se comparan con la reafirmación de este trío de Virginia.



20. THE ALLAH-LAS – The Allah-las
(Innovative Leisure)




Se oyen las olas chocar contra las rocas y el perfume marino de la espuma brotar como cánticos de sirena. Se que cuesta imaginarnos ante el mar , con la arena hormiguear en nuestros pies y una bebida espirituosa en nuestras manos , cuando en la calle hace un frío del cagarse. Pero hay formas de viajar sin dejarnos el sueldo en unas vacaciones exóticas: Sin salir de casa , cerrando los ojos y relajando nuestro entumecido cuerpo.
Escuchar a The Ayah-las es lo más parecido a eso.

The Ayah-las crecieron bajo el influjo de los artefactos de Nuggets , salvando la notable diferencia de que ellos se nos presentan desde una perspectiva más lúdica y domesticada de aquellas bandas salvajes y garajeras. Ante este inconveniente todo es cuestionable , desde el porqué no nos transmiten ese poso primitivo por mucho que intenten emular a The Sonics , con ese parecido encomiable de “Long Journey” al “Can't seem to make you mine”. O el sospechoso parecido a aquella “Why do i cry” de Barry & the Remains.
Todo es cuestionable , reprochable e incluso denunciable , salvo el echo de que hallan facturado un disco realmente necesario por el simple motivo de que , en vista de que aquellos años son realmente irrepetibles ¿que hay de malo en reivindicarlos desde la verdadera esencia? Su disco , por mucho que parezca una versión popera , surfera o incluso con tintes de sonido lounge en algunas ocasiones. No deja de ser un disco tan enganchoso como aquellos hits de los 60 , entonces ya se prefabricaban orientados hacia las listas y los clubs. Ahora ya sabemos que a ellos se les apartará por el echo de seguir a rajatabla los preceptos de sus ancestros , y también sabemos que pueden ser más apetecibles aquellos que distorsionan garaje y psicodelia con un barniz de shoegaze o de after punk. Todo es cuestión de criterio y buen gusto , como es evidente.



19. LOWER DENS_Noontropics (Ribbon Music)



Cuentan los escritos que Jana Hunter andaba años atrás absorbida por el influjo del Folk , no sabemos que debió pasar y si fue una fugaz aparición la que transformó a esta muchacha de porte andrógina. El misterio hermético que rodea a cada uno de los componentes de su nuevo proyecto , LOWER DENS , parece dado de cualquier rincón de centro europa menos de los bosques que rodean Baltimor. Hasta el punto de ser imposible no ver a Jana Hunter cantar algo que no sea lo que ilustran sus actuales salmos.
Si “Twin-hand Movement/2010” fue un punto de partida para definir su nuevo sonido , “Noontropics” es la confirmación de una banda que abraza la filosofía del Kratrock de los 70 y la forma de entender la rítmica musical junto a su visión de lo que supone el humanismo y la tecnología.
En este aspecto Noontropics consigue transmitir sensaciones que parecen enfrentadas , pero que en el fondo no son más que algunos indicadores que ya experimentaron artistas como: Kraftwerk , Brian Eno , David Bowie , Joy Division (en Closer principalmente) , Ladytron , Broadcast , Laika , o Stereolab. Definitivamente sería como usar la electrónica más ancestral y analógica para recrear sensaciones que tienen más que ver con el ser humano que con la tecnología aplicada a la música.
Ian Curtis y el Tecno de principios de los 80 lo veían como la decadencia del ser ante el desarrollo tecnológico y la era industrial. Ellos en cambio parecen querer transmitir un mensaje bastante más espiritual y metafísico. Sus canciones conforman una estructura sólida y mecánica , pero de un expresionismo abrumador , si se escucha el disco de principio a fin. Es ahí donde Noontropics brilla con un fulgor etéreo pero cálido a la vez. Quizás la candidez de la voz de Jana que puede recordar en ocasiones a Siouxsie o a Trish Keenan: Los pocos espacios que se dejan entre tema y tema , su sonido progresivo a modo de loop , o ese medio camino entre lo electrónico , el Folk o lo ambiental.
Uno de los discos que más me ha sorprendido este año , por lo típico que parece en un principio y la capacidad que tiene de crecer con cada escucha.