THE OLMS IN KCRW_ 5/06/2013

Retomamos una sana y porqué no admitirlo, vaga costumbre. Porque como es evidente hay cosas que merecen una ristra de palabras, tecnicismos, evocaciones y parábolas filosóficas, para al fin y al cabo convencer al público de lo realmente bueno que es algo que al que escribe ha emocionado; vamos una especie de conjuro colectivo argumentando las bondades de aquello como de que “la letra con sangre entra”...

Patrañas!! porque discos como los de THE OLMS, de los que estoy seguro a muchos pueden parecer un ejercicio más de Folk soleado, y una excusa suficiente para apartarlo por falta de absoluta modernez. Solo los honra el camino secreto que hay desde el oído hasta los sentidos y que mejor se representa sobre un escenario.

Y ahora hagan como si cierran los ojos, denle al Play, y dejen que trabajen por si solos esos sentidos desinhibidos que no entienden de estilismos.

HORACIO FUMERO TRÍO EN EL JAMBOREE, Y EL HECHIZO DE LA NOCHE_10/09/2013

Las noches deberían parecer todas idénticas pero no lo son, al igual que los días: Con sus Soles, sus silencios, sus bullicios... Las Lunas también cambian, y con ellas las noches. A veces son los ojos con que las miramos, otras en cambio es el latir del corazón que parece querer sincronizar, acompasar y fundirse con el de la ciudad y con el mismo resplandor de palpitante del satélite iluminado los que hace que esa noche, por inexplicable e incomprensible que parezca; sea diferente.

Aunque los seres humanos nos empeñemos en contagiarlas con el insoportable ruido del día, las noches siguen siendo distintas; calman, amansan, nos seducen, y consiguen con un encanto inigualable que todo aquello que nos atormentó, soliviantó, y violentó durante día; se conviertan en meras anécdotas intrínsecas a la insolación y en marionetas que controlamos a nuestro capricho, cuando cae la noche.

Así y de esta forma, con la insoportable carga de la actualidad sobre nuestras tuñidas conciencias. No hay mejor antídoto para calibrar y atemperar nuestra perspectiva, que sumergirse en las tripas de un lugar tan apartado de las mareas cambiantes como lo es el JAMBOREE de plaça Reial. Una sala que casi en pie por la caridad artística y por la inspiración vocacional.

No es que queramos darle o quitarle la razón a nadie, al fin y al cabo ¿que es la razón? si no un síntoma inequívoco de nuestra facultad como seres superiores de razonar; o al menos de ello nos vanagloriamos. Hay cosas como la música y las expresiones artísticas, que no atienden ha razonamientos técnicos. Tan solo son efectos sintomáticos de comunicar con nuestro cuerpo, sentidos, e inspiración; lo que nos dicta el alma. Quizás de lo poco en lo que todos o casi todos estamos por unanimidad de acuerdo.

Así que el echo de que una noche cualquiera como la del 10 de Septiembre. Las casualidades que nos brinda el criterio arbitrario de destino, nos convoque a Hermanas, Cuñados, hijos y al espíritu Santo ; incluyendo a la taquillera de la sala a quien solo faltó celebrar la asistencia de Padres, Yernos y criaturas alborotadas, a una sesión de Jazz adulto.

Tan solo es atribuible a la Noche, a la Luna o a ese extraño efecto que hace que cambiemos las cosas por el destino o por nuestro empeño de que nada sea como marcan los cánones.

Un honor de sesión a las que uno debe dar gracias a la vida porque ese tipo de cosas sigan ocurriendo a espaldas de la multitud:

Horacio Fumero quien desde hace treinta y pico años reside en la Barcelona hospitalaria, contrabajista de historial reconocido (Gato Barbieri, Tete Montoliu y un sinfín de músicos, que por mi ignorancia no me atrevo a relatar). Su hija Lucía Fumero al piano y a las voces. Y el percusionista Pablo Gómez quien participó en un viaje con su cajón y cachibaches. Y donde los ritmos latinos se entremezclaron con la Bossa, los Boleros, y la nostalgia Porteña que rezuman las composiciones de este arrabalero Contrabajista.. Quien abrió con “capullito de alelí” y que fue desgranando entre composiciones propias, y adaptaciones de Gilberto Gil junto a otras de autores Brasileiros y Argentinos, y un emotivo cierre con una espectadora de lujo a la voz, Maite Martín.

Un paseo melancólico que supo situarnos en ese lugar imaginado de las ciudades y las vidas de paso, donde el Jazz latino se convierte en un vehículo inigualable para los que como yo, somos amantes de autores como Astor Piazzola o los ritmos Bossanova. Y por el que debo dar gracias a esa serie de sucesos casuales y sobretodo a mi cuñado, de quien me separan aspectos generacionales, que luego siempre acaban encontrándose gracias a nuestro amor por la música. Los mismos que nos redescubren como personas moldeables y hambrientas de sonidos e historias, sin intermediarios que nos condicionen.

Un final feliz, para una historia que se urdió como un plan imaginado entre bocado y trago de cerveza en La Castanya. Allí es donde surgieron benditas reflexiones como aquella idea que albergaba yo de jovenzuelo, en la que no entendía como mis cuñados amamantados en la más pura de las psicodelias y metaleras de las músicas; años más tarde podían abrazar al Blues y a la música de raíz, como a sus verdaderos padres: Los años nos moldean como las ramas de una trepadora que busca donde asirse y escapar hacia el cielo. Y nosotros lo hacemos a nuestra manera, sin cerciorarnos que todo es tan natural y casual, como sucumbir al embrujo de la noche y probar suerte con el destino acudiendo en pleno Raval a una sesión íntima con nuestros hijos.

La historia acabó un poco como el “fueron felices y comieron perdices” de los cuentos. Y la Luna emborronada por las nubes, fue testigo de una alternativa doble: La de mis hijos como espectadores de un Jazz liberador; sin saber si hoy en su primer día de colegio entrará a formar parte de un recuerdo inolvidable que ilustre su redacción de principio de curso, o se evaporará como otra que les contemos en nuestra futura vejez. Y la de la hija de Horacio Fumero, llevando de la mano a su padre en un repertorio Jazzístico a aquellos terrenos universales de la Bossanova, del Latin, de la canción y el Chá cha chá. Donde todo se entremezcla, y felizmente lleva a un equívoco, aquel artículo de Diego A. Manrique que leí horrorizado hace unos días y que se cierne tenebroso sobre nosotros.

Todos sabemos que por desgracia, ésta es la excepción que confirma la regla; hagamos lo posible porque así no sea. Y que no dependa de salas como Jamboree, donde sean promotores, artistas y espectadores los que hagan de trapecistas sin red en conciertos de solo 8 euros y para todos los públicos.

http://horaciofumero.com/web/ 

 

#4PLAYLIST TRIDIMENSUAL *SIN CALOR PERO CON COLOR

Feliz entre la nada más absoluta, o por lo menos situado en un punto de inflexión donde chocan irremediablemente las campañas de turismo global y la desconexión de la realidad cotidiana; de tu realidad cotidiana. En un lado las visitas obligadas a Firenze, Venezia, Bologna, donde todo el mundo se apresura a capturar el instante en un pedazo de memoria artificial: A codazos ganan la mejor posición de disparo, si la instantánea parece demasiado concurrida se compra una lámina perfecta, y se imagina el paisaje idílico. En otro extremo la guarida del guerrero, en mitad de la nada circunstancial rodeado de Abedules, Álamos, Tilos, Nogales, y la Emilia Romagna en toda su extensión..

Los niños corriendo montados a lomos de las bicicletas, el canto de cortejo del Urugallo, los Faisanes revoloteando, y los acordes de Kyle Eastwood en su “Songs from Chateau”. Mientras, uno intenta ordenar palabras y letras faltas de cariño. El Sol se pone, la Tarde se echa, los mosquitos se apelotonan en busca de su instante de luz fugaz para que la Araña despliegue el mantel a la luz de la candela.

Una semana para desconectar y sentirnos engullidos por el silencio de las noches a merced de la naturaleza, lo suficiente para recobrar la perspectiva de nuestra insignificancia; en un mundo donde aunque perseveremos en ello, no somos para nada dueños de nuestros designios. Por eso seguramente he sido incapaz de tejer un medio boceto de esta Playlist que pretende como una sentencia, el final del Verano.

Y aunque nos aferremos como unos vehementes a nuestro ideal de felicidad, es ahora y aquí entre la cuatro paredes de nuestro hogar, cuando de verdad tomaremos el mando de nuestra rutina. Odiada hasta saciedad y la vez necesaria como una droga infame que nos destruye pero que reclamamos cual dosis de abstemio poco voluntarioso.

No temáis, ya tendré oportunidad de echar mano de los paisajes imaginados cuando sean los vinos en forma de recuerdos, los que ahoguen mi nostalgia.

De momento me conformo con recuperar con un retraso forzado, parte de la música drogodependiente que me ha estimulado este estío del 2013. Seguramente para algunos no la más adecuada para recobrar la conciencia de nuestro día a día; para otros como yo, una herramienta imprescindible para equilibrar la vigilia entre la realidad y el sueño.

Y de entre todo este puñado de canciones que han ido goteando y sudorando este largo Verano; como una esencia que se destila. Son varios los discos que las envasan los que irremediablemente han entrado a formar parte de mi organismo musical de este año; así dejándonos hacer, como quien consiente sabiendo de sobras que obra malamente.

LLOYD COLE Y STEVE KILVEY, DOS ÁNGELES VESTIDOS DE NEGRO.

Con varios meses de escucha estoy en disposición de afirmar sin temor a precipitarme en la valía de sendos álbumes. Y no es tan solo por su clase y estilo hechizante, en el que cualquier cuarentón que se precie caería sin el más absoluto de los forcejeos, ante los cánticos de sonidos “deca-decentes” del pasado. Como algún mal pensado pueda sospechar, en absoluto.

Pues el auténtico primor del regreso por los campos en barbecho que sembraron años atrás, no es otro que el de alargar la sombra de su innata influencia sin machacar, agonizar, o certificar su turno perdido. Al contrario, pues en los vaivenes nuestros de estilos, modas, y caducidades, que nos apresuramos acotar, ya no por décadas sino por años; lo suyo suena tan rejuvenecido como necesario.

El primero más inmediato tanto por su propuesta como por la inminente visita a nuestro país el próximo mes. Nos ha sorprendido gratamente no por su lucidez compositiva de sobras demostrada a lo largo de su carrera y más concretamente en estos últimos años: “Broken Record/2010”, “Music in a Foreign Lenguage/2003” o aquellos pretéritos trabajos que nos descubrieron a los viejos amantes del Pop romántico de las Islas, otra manera de construir melodías Pop sin renunciar al Folk que tanto nos amedrentaba por entonces.

En esa división en la que jugaban en inferioridad de posibilidades Aztec Camera, Robyn Hitchcock, Go Betweens, Jazz Butcher, Prefrab Sprout y otra serie de bandas que no acabaron de encajar en el ideario de los principales sellos alternativos del momento; Lloyd Cole & The Conmotions sembraron su propia semilla con “Rattlesnakes/1984” y su conclusivo “Mainstream/1987”. Un sonido quebradizo que parecía querer separar en dos costales un Art Pop pulido y amable del resto, herederos del Glam y del Punk.

Aunque a mi personalmente siempre me pareció tener el rumbo de su brújula musical fijada en la música Americana, tanto en su ideario como en lo físico.

Lloyd Cole o el eterno niño bueno del Pop Británico regresa con un disco fruto del mecenaje de sus seguidores, financiado su regreso a los estudios con una generosidad correspondida a base de electricidad. No en vano el inicio de la obra nos pone en antecedentes con una versión, la del “California Eathquakes” escrita por John Hartford y llevada al terreno más underground; pura electricidad austera, aunque Lloyd la sazone con su personal forma de interpretar las raíces de las que bebe su Pop luminiscente.

 

A partir de ahí el disco cambia y coge su verdadero ritmo de pedaleo. Son “Women Studie's” o “Oposites Days” las que dan una sensación de estar ante un viejo disco de los Conmotions en vez de un disco de autor. Pero es que si damos un repaso a toda su carrera, la de Lloyd, es una de aquellas para coger con pinzas aquello que verdaderamente separa términos, géneros o formatos; incluso el caduco concepto de banda o el autor. De lo que realmente importa y está por encima de todo lo anterior; la obra como elemento y veredicto.

Sus ases guardados bajo la manga en perfecto estado, son los de la genial maestría a la hora de tejer melodías, que una vez liberadas encuentran su propio camino sin ayuda de nadie. En su sencillez y en su melancolía está su verdadera valía, de la misma manera que Richard Hawley podría estar eternamente acomodado en los 60's:

“It's Late”, la Dylaniana “Period Piece”, y las preciosas “Myrtle and Rose” o “Blue like Mars” ganan sin más por su naturalidad, en la que paradójicamente los arreglos de cuerda, los coros o las guitarras que juguetean tímidamente, son tan solo elementos que avanzan al ritmo que marca inmediatez del disco. Armas que han hecho grandes década tras década al Rock o al Pop, y que surgen en este disco como una cualidad innata de calidad.

Steve Kilbey & Martin Kennedy sintetizando la esencia de The Church.

Parecía difícil y casi imposible que tras más de casi quince años vagando en el más absoluto de los anonimatos; tras un larga, inquebrantable y tenaz carrera luchando contra el culto a su propio sonido de atmósferas cada vez más densas. Fuese Steve Kilbey quien con un proyecto casi personal, resucitase de repente la verdadera esencia que hizo únicos a los Australianos The Church.

Así, como suena. “You are Everything” aun siendo una de muchas colaboraciones a lo largo de su inquieta trayectoria, y la tercera concretamente junto a Martin Kennedy (All India Radio); proyecto itinerante enfocado a la electrónica más vaporosa (Boards Of Canada, Dj Shadow etc) con un miembro fijo como Martin K.

Han rescatado de las catacumbas la faceta por lo menos más popular de la banda de las Antíopodas; ni la mejor ni la peor, pero desde luego la que mejor que podría encajar y confraternizar en los tiempos que corren a mayores y pequeños.

Y lo realmente asombroso es que prescindiendo de una banda eléctrica propiamente dicha y sin abusar en absoluto del sonido sintético de su colaborador, han conseguido capturar la esencia de algunos de los mejores momentos de su antigua banda. Sin llegar a ser un refrito de canciones escuchadas hasta la saciedad, suena tranquilo, ambiental, crepuscular y resplandeciente a la vez; todo ello sin dejar de ser un disco conceptual como muchas de sus otras colaboraciones (Jack Frost, All India Radio, o los suyos propios). Pero maravillosamente magnético, y de los que hay que escuchar del tirón para dejarse llevar por su encanto ambiental.

Hay canciones que brillan con luz propia como “Lorelei”, “Can't get free”, o “Wouldn't Know”; esta última que podría perfectamente ser extraída de aquel magnífico “Seance” de 1983.

Y créanme que con el paso de los años se me hace cada vez más difícil encontrar obras que acoger en aquello que uno podría llamar: El cada vez más reducido altar de los escogidos. Discos que envejecen a nuestro mismo ritmo y que soportan el paso del tiempo cambiante, al tiempo que nosotros mismos cambiamos. Quizás por eso o porque somos incapaces de aminorar el paso y dejar que la música envejezca con dignidad, para mostrarnos una y otra vez que ni lo viejo es tan bueno ni lo nuevo tan malo; solo cambiante según le incide la luz o varía nuestro humor.

Por eso por contradictoria que resulte esta reflexión, estas listas infernales de canciones son consecuencia inevitable del hábito tan saludable como pernicioso de dar la misma importancia a la solitaria canción o a la obra conceptual.

Sin pequeños chutes como son los adelantos de TV ON THE RADIO, KELUAR, las remezclas de JOHN FOXX, o esa maravillosa versión de TEARS FOR FEARS. No tendrían sentido la incomodidad de adentrarse en la profundidad de discos tan bizarramente bellos como los de POP.1280, LOWER PLENTY, o GUN OUTFLIT. Espaciales y abrasadores como los de HOOKWORMS, y deliciosamente despreocupados como son los de ELEANOR FRIDBERGER (ex Fiery Furnances) y la dupla de Neil Hannond (Divine Comedy) & Thomas Walsh (Pugwash), en THE DUCKWORTH LEWIS METHOD,

El regreso mayestático a la electrónica aterciopelada de BOARDS OF CANADA y ESSEMBLE PEARL, o incluso una de las joyas mejor guardadas de Texas: David Wingo tiene esa virtud tan infame como innata de saber susurrarte una nana al oído, como de construir canciones a medio hacer con regusto a grandeza.

 

 NO TEMAN A LA OLA PODRIDA

Su primera intentona data del 2007 aunque no fue hasta el 2009 cuando asomo la cabezita con un “Belly of the Lion”, donde progresivamente iba perdiendo esa apariencia de Folk de cantautor para cobrar más consistencia. Las herramientas eran prácticamente las mismas, dos guitarras sin apenas producción pero con la misma dulzura de su debut y muchos más matices.

Su último trabajo poco tiene que ver con esas primeras dos desnudas obras, salvo que los casi cuatro años de espera nos han devuelto a un David Wingo con la inspiración y la lucidez intactas. Puede que halla perdido ligeramente la virginidad orfebre de ese Folk que parecía dispuesto a ser un lobo con piel de cordero, o lo que es lo mismo; Folk dispuesto a ser Rock. Pero a cambio ha crecido de una forma tan inusual en estos días, como coherente; sus registros son cambiantes y caprichosos, pero decididos, adultos, y consecuentes con su trayectoria de paso corto y seguro. Es capaz de mostrarse ligero o profundo sin apenas desvirtuar su personalidad: “Speed of the Light”, “Not ready to Stop”, o “Flumbig of the Light” son lo que se suele decir canciones redondas se las mire por donde se las mire, que invitan de una forma desconocida hasta el momento en su carrera, a adentrarse en la verdadera belleza de este disco: La debilidad esgrimida como principal baluarte, y que se esconde en temas como “Some Sweet Relief”, “The Notes of Remain”, o “Staying in”.

Eleonor Fridberger, en lo personal y en lo creativo

Es algo parecido a lo que ocurre con el último trabajo de Eleonor Fridberger. Donde la otra mitad de Fiery Furnaces salta al vacío con un trabajo, donde se arma de inocencia para convencernos de que para elaborar un disco de múltiples recorridos no es estrictamente necesario recurrir a experimentos; y a veces solo basta con dedicarle el mimo y cariño a los convencionalismos, que en malas manos resultan a veces vacíos e insulsos.

El Pop tiene esa grandeza y dificultad, en su sencillez de argumentos reside el verdadero reto de crear maravillas con cuatro acordes. Sin embargo aunque su disco parezca a primeras luces algo comercial e intrascendente. Atesora una chispa incandescente que va apareciendo tan delicadamente como la inocencia que le dedica a cada una de sus canciones Eleonor: Encajes, pespuntes, y notas vocales que se anudan como el ropaje confortable de sus ecos sixties, que tanto me recuerdan a las musas Sandie Shaw, a Nico, o a Kirstin McColl... como lo podría hacer su Folkie Popero que confraterniza lo clásico con lo eterno.

El malabar de decidir hacer aquello que por normal y brillante hace de ellas; obras perdurables en el tiempo e inmunes a las modas.

Una retahíla de canciones que pese al enganche inmediato a mis preferidas “When I Knew” y “Stare at The Sun”, perfectas en su ejecución Pop. Le van a la zaga por ser menos explosivas pero mucho más rentables a medida que se saborean “My Own my World”, “Tomorrow Tomorrow”, “I'll Never be Happy Again”... toda una declaración de principios donde ya sí, ahora ya podemos afirmar el poder de Eleonor Fridberger como una autora de canciones muy muy grande. Va sí, de las que en la actualidad pocas abundan; su normalidad la erige muy por encima de la modernidad poco argumentada.

Se puede decir que estos cuatro discos son a los que les he dedicado más tiempo durante este Verano y que junto a los que están por venir, como el de JOHN PAUL KEITH que nos descubrió el magnífico blog de nuestro compañero Jesus de AGAINST THE CIERZO; o la buena nueva llegada desde tierras Valencianas en forma de Rock noventero de MAD ROBOT al que nos encomendó Johnny en su ESPACIO WOODYJAGGERIANO que conviven con otros adelantos, o con las extravagancias bailables de THE AMPLIFETES, HOLY GHOST!, marca de la casa de mis Playlist.

Además no me gustaría dejar en el tintero el resto de canciones que en forma de migas de pan en el camino, os guiarán hacia otros trabajos no menos desdeñables como los de la ex-Yazoo ALISON MOYET, el nuevo y fabuloso proyecto de Neil Hamond, el disco de SLOW WARM DEATH, el de LEISURE, los brumosos Israelitas de VAADAT CHARIGIM, o el apocalípico último trabajo de BASS DRUM OF DEATH.

Todas ellas que conforman una extensa lista de canciones, que harán las delicias de todo aquel que quiera investigar en las obras que les dan cobijo. Una lista para empaparse y para certificar la buena forma en variedad de la música, por así decirlo, que convive al margen de lo más popular y mediático.

La Playlist al completo estará a vuestra disposición como viene siendo habitual últimamente por petición vía comentario, y que no serán publicados por privacidad. Donde se os enviarán en forma de enlace directo, o accediendo al Facebook y pidiéndola al Administrador del grupo por mensaje privado.

 00- TEARS FOR FEARS_Ready to Start (Arcade Fire cover)
01- OLA PODRIDA_Speed of Light
02- BASS DRUM OF DEATH_No demons
03- SPLASHH_Washed up
04- KELUAR_Rivers
05- OMD_Dresden (John Foxx & the Maths RMX)
06- TV ON THE RADIO_Mercy
07- ALISON MOYET_Apple Kisses
08- BOARDS OF CANADA_Come to Dust
09- STEVE KILBEY & MARTIN KENNEDY_Can't get Free
10- LLOYD COLE_Blue Like Mars
11- ELEANOR FRIEDBERGER_When i Knew
12- SEAN ROWE_Horses
13- THE OLMS_She said no
14- JOHN PAUL KEITH_Everything's Difference now
15- LEISURE_Its alright (on the suez canal)
16- THE DUCKWORTH LEWIS METHOD_Third Man
17- SLOW WARM DEATH_Blood 2
18- LAND OF TALK_Summer-special
19- MAD ROBOT_Evil From Youth
20- NEKO CASE_ Local girl
21- VAADAT CHARIGIM_Odisea
22- PRINCE INNOCENCE_Cheere (Suicide cover)
23- HOOKWORMS_Away Towards
24- POP.1280_Lights Out
25- FIDLAR_Paycheck
26- YOUNG FATHERS_Ebony Sky
27- TRUE WINDOW_Fouth Teeth
28- GRAHAM REZNICK_Tomorrow in New York city
29- HOLY GHOST!_Dance a Little Closer
30- THE AMPLIFETES_You WantIt
31- ALLAH-LAS_Every Girl
32- GUN OUTFLIT_Ive Got a Gift
33- LOWER PLENTY_ How Low Can a Punk Get
34- ROSE WINDOWS_The Sun Dogs I spirit modules
35- THE STEVENS_I look back
36- ESSEMBLE PEARL_Ghost Parade

DISCONEXIÓN TEMPORAL (Alma en ruta)... Volveremos en unos días

CANCIONES QUE NOS SALVARON LA VIDA #4: TRIÁNGULOS AMOROSOS_ Blue Flower

Eran noches de Verano, las mismas noches con sus mismos abrasadores días luminosos y despejados. En las que bien caída la noche el amparo de los mantos estelares y el perfil difuminado de la hermosa Luna llena por la calima, nos empujaba a salir como licántropos hambrientos de carne humana.

Era una enorme casona modernista a las afueras de la ciudad; de apariencia abandonada por las trepadoras que desdibujaban los detalles de la fachada, sus ventanales enormes, las viejas vidrieras con aguas que deformaban las figuras humanas como fantasmales espectros. Y un jardín trasero, donde cada noche de Agosto nos reuníamos las almas más desorientadas de la enorme ciudad. Desolada por la fuga migratoria de sus habitantes hacia playas prometidas.

La mayoría éramos asiduos, pero pese a eso no nos conocíamos: La relación aséptica con los camareros, la mano anónima que seleccionaba la suave música que sonaba cada noche, y las conversaciones apagadas como un susurro, mejor así; lo más parecido a un oasis de ficción. Abstracción y frescor vegetal como antídoto al tumulto que el resto del año reinaba en la urbe.

Ella tímida y discreta, en su discreción desprendía un encanto resplandeciente e hipnótico que me impedía dejar de observarla. Hacía como si mirara distraído a cualquier detalle del jardín, pero en realidad eran meras excusas para observarla con detalle.

No sabría determinar con exactitud cuando crucemos las primeras palabras, solo que a partir de entonces nació una relación tan intensa como enfermiza por las ondulaciones melodiosas de su torso: La recorría una y otra vez sin llegar a empacharme jamás disfrutando de sus montañas y valles profundos, por los que vagaba encantado con el paisaje de su orografía cambiante.

Al cabo del año estrechado más aun nuestro idilio conocí a su hermana. Más joven que ella aunque no mucho, eso sí, radicalmente opuesta en carácter y atractivo. Si una era dulce, discreta, y ritual en la ceremonia del cortejo. Su hermana pequeña era directa y terriblemente erógena en su aparente y despreocupada forma de actuar, desconcertante diría más. Tan desordenada en las apariencias que irradiaba sexualidad por doquier, era esa otra forma de reivindicar su belleza abrumadora la que hacía que no necesitase de insinuaciones inútiles para seducirte, directamente te intimidaba.

Por muchos años tuve el corazón dividido, amaba sin titubeos a la delicada Circe por su fragilidad abrumadora, pero me sentía terriblemente perturbado por la insinuadora Persífae. Era una bondad y una maldad tan contradictoria, por la que me pasé años preguntándome el porqué de esa misteriosa y perversa atracción.

Descubrirla se convirtió en una especie de obsesión esencial, para entender los sentimientos que despertaban ambas en mi. Y no fue hasta pasados muchos, años en los que nuestra atracción sufrió de caricias y envites, de provocaciones y rechazos. En definitiva, una relación que se parecía más a un juego de forcejeo, que a un idilio amoroso; hasta que por fin acabé por descubrir de donde venía tan morbosa reacción.

Su madre, la de aquellas dos almas tan distintas, me abrió una tarde la puerta. Y allí en el umbral de su casa se me clavaron las palabras; un hola balbuceado y entrecortado que dio paso a una sonrisa forzosa de timidez total. Una pequeña y frágil señora de ojos rasgados y melancólicos, con el arte y mirada de una Mantis religiosa.

Aquel día no solo descubrí donde recaía mi verdadera atracción por aquellos encantos femeninos, si no que además me encontré con una DAGMAR KRAUSE longeva tanto en sus inicios de parte del Avant Pop transhumante de la Germano Británica banda SLAPP HAPPY, como en sus posteriores y portentosos proyectos artísticos.

Lo cierto es que fueron dos canciones como pudieron ser las tres mujeres que se escondían tras ellas. Las dos primeras conocidas por los asiduos a cadencias brumosas, la tercera surgida de los estratos rocosos de la música fosilizada en el brusco cambio climático que sacudió los 70. SLAPP HAPPY fue una curiosa banda formada por un trío de dimensiones contrastadas: Un gigantón Anthony Moore (Pink Floyd, Henry Cow), de origen Inglés. El estadounidense Peter Blegvad (Henry Cow, The Lodge) y mi adorada Dagmar Krause Alemana de nacimiento

Su trayectoria giratoria que los llevó de Hamburgo, donde el mercado era prácticamente inexistente; hasta el Reino Unido. Donde se disolvieron tal y como nacieron, sin hacer prácticamente ruido.

En sus cortos tres años de carrera dejaron a su paso tres discos tan distintos y enigmáticos, como el encontronazo de su existencia en mi rocambolesca historia de amor y desamor. “Sort of Slapp Happy/1972” su trabajo de debut al frente de Polydor Alemania y grabado en compañía de dos de los principales miembros de FAUST (Banda de Krautrock Alemana 1971/2011), contenía esa hermosa BLUE FLOWER que trianguló con maestría en esa ondonada desconocida de mi corazón..

Un tema y un disco curioso por su apariencia de Folk caleidoscópico que se descomponía en cristales de Art Rock, Psicodelia, Glam, y sobretodo de un POP sencillamente germinal para aquellos años. Como suele pasar en esos casos, Sort Of.. no tuvo éxito; sin acabar de averiguar si su fórmula intentaba investigar en tan diferentes aspectos de la música que se desvanecía en efectividad, o si fue su negativa de actuar en directo la que les hizo fracasar en ese lúcido comienzo. El caso es que de sus doce cortes se pueden extraer, además de la atemporalidad de “Blue Flower”, un repertorio bien amplio de incómodas y magnéticas joyas.

“Just a Conversation” podría haber corrido la misma suerte que “Blue Flower”, dos canciones que hacen grande la magia de la música en detrimento del tiempo. Los Wah wah de la guitarra que A. Moore colocó ahí como contrapunto a una todavía virginal voz de Dagmar, quien parecía querer cantar pulmón abierto a la libertad ideológica de la música. El Rock Glamuroso en homenaje decidido a Marc Bolan de “Paradise Express”; con el Saxofón de Gunter Wünsthoff dibujando abstracciones en ella misma, y así como de manera más balsámica en la preciosa “I all Alone”.

Sort Of... contiene pasajes que apuntan a un destino experimental, Avant-Rock o Pop futuro, como podrían ser los de “I got Evil”, “Tutankhamun” o “Mono Plane” en manos de las voces masculinas. Pero cuando Dagmar Krause entra a escena señores míos, el disco de debut de Slapp Happy es decididamente una tormenta cumulosa de auténtico POP sin caducidad posible.

Una obra que acabó sepultada como el recuerdo de tan infames bellezas. Hay noches que me solivianto y salto con convulsiones que me surgen del estómago y me rompen el espinazo, pero la mayoría cabalgo a lomos del recuerdo; es una sensación rara de excitación dolorosa que se muda de traje como las serpientes, pero que siempre siempre me recuerda lo ingrata que es la vida.