Dicen que a
partir de cierta edad uno debe hacer solamente ya, lo que le dicta el
corazón. Que tanto si ejercimos de alumnos distraídos como de
maestros presignados, hay momentos en los que ya no se necesita leer
el prospecto para acertar a tientas con lo que toca.
No hay
hábitos, costumbres, dietas o vallas de esas que te dicen: Por ahí
no pases!! Sino mirar, más a que te enseñen. Siempre digo que no
hay que creer en los gustos y los hábitos más que lo justo, pues de
costumbres está ya llena la vida como para acostumbrarse y
aposentarse. Que si de algo no estás del todo seguro, mejor te
acercas, palpas, chupas y saboreas. Y que si tantas veces te dijeron
que essto no sse toca quita, con esso no sse juega dame!! Igual
es porque la única diferencia entre la inconsciencia y conciencia a
la hora de hacer lo que no toca, es el propósito en si mismo: Ahora
sí, ahora ya se lo que quiero es el erotismo del riesgo.
Por
eso mismo y aunque mil doscientos angelitos y demonios estuvieran
andorreando por mi cabeza, diciéndome lo que sí o no debía hacer.
Al final, como siempre. Le hice caso a mi corazón que latía con
fuerza.
Y
si la causa de ir a ver a The Horrors, no era otra que bailar por el
simple hecho del disfrute. Su último trabajo, no siendo exactamente
lo que antaño se esperaba de ellos, es de largo el más efectivo,
eficiente y resolutivo. El que ha hecho que el querer verlos en
directo, solo y nada más, obedeciese a la llamada impura de
“Something Remenber Me Be”.
Una
de esas canciones/tonadillas que a mi, e igual solo a mi. Me
teletransportan a aquellos amaneceres de despuntar el alba,
reconstruyendo la noche, la fiesta y esa sensación de escalofrío
que te recorre el cuerpo cuando sabes. Que si bien la velada no ha
sido perfecta -pues no creo en ello- si ha sido inolvidable.
Normalmente
esas noches acaban siempre con una canción mítica. Ni la mejor ni
la peor, pero de las que tu bien sabes que son míticas, distintas,
que capturan momentos, vidas y casi siempre compañeros/as de viaje.
Pues de esas The Horrors tienen un montón. Igual no tantos discos
redondos que los acaben confirmando como una banda fetiche para los
que añoramos los finales de 80's y primeros 90's. Pero si por lo
menos, como la de un grupo de muchachos creyentes de lo que hacen. Y
honestos en su objetivo de no renunciar al privilegio y disfrute de
explayarse en un aspecto musical que igual ahora es un poco tabú: El
Postpunk acaramelado, el indie épico y todo lo que nos echaba a la
pista a los de negro.
Sisters
of Mercy, The Mission, Psychedelic Furs, David Bowie, Mansun... Y en
general un sonido que sin seguir al pie de la letra, épocas pasadas.
Le da un baño de pop bailable oscuro a todas sus canciones, que
reconforta y renueva su fondo de armario que peligraba en estancarse,
o bien perderse en los abismos de la concreción insípida.
Pero
yendo al caso que nos interesa, su directo con sus canciones. Y a
expensas de que no me considero en absoluto seguidor fiel de la
banda. Incluso diría que como casi todo que está en boca de muchos
y de inmediato se les etiqueta, yo, que soy desconfiado por
naturaleza, los cojo con pinzas y peco de crítico.
Me
dejaron tras el concierto, por compañía, ambiente, y escasez de
muchachada fervorosa. Con la misma sensación de cuando te duchas
después de un caluroso y duro día de trabajo: De una pieza y en
estado esponigiforme; de placer digo.
Podríamos
ponerles mil pegas, e incluso emperrarnos en que todo lo que nos
recuerdan es infinitamente mejor. Podríamos también estar cerrados
en banda y podríamos igual morirnos poco a poco entre moho y limo.
Pero
después de tanto darle vueltas, solo atiendo a canciones. Sí además
suenan como una bomba rítmica: esa en la que bajo y batería son los
dueños de siempre. Y las canciones hablan por si solas sin el exceso
de producción del disco; tan en voga estos días. Poco hay que
objetar.
Su
último álbum es un sin parar de idas y venidas a tiempos muy
memorables; mis tiempos. Un tirar por el camino de en medio, y pese a
pecar de un exceso quizás de electrónica, la esencia, las canciones
en si. Son una tras otra dianas seguras, mal que nos pese y queramos
tacharlas de... y otra más?
“Hologram”
quizás para mi gusto la más floja; aunque perfecta para abrir el
telón. La percha de Faris Badwan, que recuerda y bebe hasta en
gestos y fealdad a la de Joey Ramone y zas!! Suena “Machine”,
y todos en el bote: Un temazo para un servidor, sin reparos (muy
Stripped Vicar de Mansun). “Who Can Say” o un
“Mirror's Image” junto a “Sea Withim a Sea”
de su tremendo halo oscuro, que dejan con respeto, a “In and
Out of Sight” como una mera anécdota.
De
vuelta a su nuevo y flamante disco V, una sibilina y oculta joya
como “Weighed Down”, y una “Press Enter
the Exit” que para mi gusto y con esa remembranza a
Inspiral Carpets/Stone Roses que emana, sonó demasiado floja y
dormida; una pena.
Hubieron
lágrimas con el cierre de “Still Life”. Y como
cabía esperar dos bises tan distintos entre ellos y buenos a su vez,
que solo por eso les honra: “Ghost” y la maldita
“Something Remenber Me Be”, instigadora de mi
último concierto de este combulso 2018.
Por
esa capacidad de malearse y torcerse entre lo aparentemente
mainstream, y latente oscuridad. Que dio cita a muchos viejos
compañeros de fatigas de pasadas y gloriosas épocas pretéritas.
Valió la pena el asunto que nos levantó un palmo del suelo.
Porque
a fin de cuentas, los años hay que guardarlos en polvo de nácar con
música. Para que estamos aquí sino.
El Jueves 7 tendimos puentes. Como viene siendo habitual y casi como las liturgias que llevan a los feligreses puntuales a ese mismo sitio donde ocurren las cosas.
Unos montaña arriba en procesión para venerar a los Depeche Mode. Y mi hermana y yo de la mano, como quienes buscan por entre calles del Gótico aquello que perdimos una noche de madrugada. No sé, hacer las cosas porque sí, sin razón aparente, porque hay una llamada prácticamente inaudible que te grita desde el fondo: - Ven ven ven!! Baja a jugar con nosotros...
El por fin esperado debut en sólido y compacto disco de los Australianos afincados en Barcelona, DEAD PARTIES. Y como no, el caramelo a la puerta del colegio de los partisanos también de Barcelona, BLACK ISLANDS.
Un interés por duplicado a raíz del solvente directo que nos brindaron los primeros, el año pasado; abriendo la visita de THE DRONES. Y el de los segundos, como de uno de los mejores y más vigorosos discos nacionales del 2014, y el incentivo de escuchar sus más flamantes composiciones.
Nos llevó a autoinflingirnos pomadita de la que sin curar, alivia las penas (con suerte también la de mi lumbalgia), y te deja caer de vez en cuando por el desagüe de lo evidente. Allí donde se va para huir un poco de los formalismos que están acabando por decorar prácticamente todo. De la misma manera y en una especie de sala de los espejos donde: o te contemplas a ti mismo, o a algo que se le parezca.
Ya estamos en Navidad; es una evidencia. El pescado vendido y cada uno arrastrado por el vórtice a su manera, con o sin salvavidas. Y esperando que acabe el año, supongo que para resetearse o bien suicidarse; la cosa está muy malita y no hay ni tirita ya que nos cure la imbecilidad.
Así que uno si bien puede torturarse con sus achaques: dolores de huesos y articulaciones varias. Y una lumbalgia que ha mermado mi capacidad de respuesta en cuanto a publicaciones, y ya voy tarde.
Pero no voy a excusar mi ritmo de publicaciones e impuntualidad. Porque en muchos casos el echo de no cumplir con el YÁ de las obligaciones, es porque he preferido MI AHORA. Y si fuera de otra manera no os estaría contado esto al cabo ya de una semana (que para qué tanta prisa, si el que no vino ya no tiene remedio y el que lo hizo lo sabe ya), AntiVicentismo a tope.
Básicamente porque entre el concierto que se marcaron BLACK ISLANDS ahí, a las puertas del Invierno, y que uno se vaya quedando progresivamente con la sensación de que está en la montaña respirando menta, romero y tomillo. O metiéndose entre pecho y espalda un Mojito a pie de una playa tropical.
Es para pensar que todo, o el 95% del mismo, irradia la misma frescura de todo aquello que sonaba hace 25 años y lo hacia porque todo era aventura.
Y no es por parecidos estilísticos estrictos, sino por sensaciones ambientales. Esas que te dan una perspectiva mucho más amplia. Y que dejan que sin obviedades, uno se cree sus propios referentes.
En mi caso, si ya me emocionó ver que una banda de Barna apenas comenzando, ya me remitían a un tiempo del cual parece todo se quiera borrar. No solo por lo más recurrente que son los 90's con descaro, sino por esa mirada de reojo aun todavía más antepasado del que el rock español se debería sentir más en deuda si cabe: Burning, Surfn' Bichos, Lone Star, Radio Futura o 091, por citar algunos nombres. E insisto, no lo digo por parecidos, sino por sensaciones.
También porque a la llamada para acompañar a los Australianos; con una mirada más puesta en sus referencias anglosajonas: Desde Neil Young hasta el Shoegazing rasposo, pasando por un Powerpop Made in Antípodas fabuloso.
BLACK ISLANDS la equilibraron en contraste, con un repertorio tremendo e inédito; salvo su imprescindible himno”Benicassin 97”. Todo nuevo, todo renovado; que tres años sin publicar da para estudiar la jugada. Me atrevería a afirmar, que todo el material que sonó el jueves, todo esta vez en castellano, todo con un brillo inusual que todavía asume más riesgo, y con un directo sin fisuras que valgan.
Si por fin se publica en Febrero del año que entra, podría (o debería), ser por fin el álbum que los confirme como una de las bandas que mejor ilustran el indipop antigeneracional. Antiarrugas, y anti supongo, todo aquello que basa la novedad y el riesgo en la misma creatividad que un selfie con morritos.
“Exilio de Amor”, “Playa Interior”, “Montaña Mágica”, “Juventud Perdida”, “Hospital”, “Ora Pro Nobis” en su primera parte más efervescente y pop. Y acabando con la intensidad honda de “Transfobia”, “King Kong, el último abrazo”, y dos temas que nos/me van a augurar un 2018 excitante: “Veneno” y “Reino Animal”.
Dos temazos que devuelven de nuevo, a unos BLACK ISLANDS empastados, de lírica audaz y sonido no renovado ni más maduro porque eso me parece una soberana gilipollez. Simplemente en su punto: fácil, con textura pero sin exceso, con pegada pero sin futilismos, prácticos y más funcionales que una navaja suiza. Lo necesitábamos!!
Nos dio tiempo a fumar un piti, echar un trago y dejar que la sala se acabará de llenar sin llegar a agobios, sorpresa. Mientras sonaba ese Soul Funk caustico que nos tiene acostumbrados el A Wamba Baluba en sus sets. Fue curioso observar la cantidad de adeptos que tiene ya esta banda; principalmente de la cada vez más numerosa comunidad anglosajona en Barcelona.
Voluptuosidades propias de quien o quienes aspiran que la ambición no sea un inconveniente. Arrojando a una banda, que pese al reducido espacio del Marula, casi echaron abajo las dos columnas; que como los Argonath dan y quitan el protagonismo. Y con su veterano frontman Etienne Mamo (The New Black) sabiendo bien como hay que ajustar las clavijas para que canciones que van del Rock al Pop entre lo Indie y lo clásico, suenen como hits desde el minuto cero.
No en vano, y ya con un montón de canciones a su espalda cuando empezaron a dejarse ver por nuestra ciudad. Su ansiado disco de debut, podría decirse a primera vista que sabe acertar a la primera con lo que son esas canciones fácilmente memorizables y de innegable calidad:
Recuperan el shoegazingcon con alma rock que tan bien han sabido gestionar las bandas venidas de Australia. E igual que Black Islands, actualizan sonidos atemporales (Catherine Wheel, The Church, la última etapa de Ride, la parte más americana de los Jesus...) sin abusar del revivalismo obvio. Sino homenajeando de evocares temazos, una época apenas definible.
Simple y llanamente porque su disco de debut está inundado de canciones brillantísimas : “Bleed”, “All Our Times”, mi favorita “Flowers”, y por su puesto dos de sus hits de lanzadera: “93” y “Disappear”. Público volcado con un ambiente cojonudo, que es lo anhelado en este tipo de conciertos de carácter cotidiano. Y afortunadamente con bandas de nuestro territorio que andan sobrados de calidad, talento y riesgo para no hacer lo típico.
Me motiva eso. Ver el brillar de los ojos cuando la gente te cuenta sus objetivos, charlar de música por puro amor, que la gente emprenda viajes sin claro destino pero con ilusión. Si hay algo por lo que merezca la pena vivir y disfrutar, es por los proyectos inciertos pero ilusionantes.
Hay una luna
en creciente allí colgada en el horizonte, difusa por esos elíseos
cirros que anuncian el inminente frío invernal. Y un manto sonoro
igual que los cobertores peludos. Que invitan a meter la cabeza hasta
el asfixia para inflamarse por combustión.
Para cuando
estas líneas se publiquen, y en vistas de que mi hibernación no es
más que un síntoma más que evidente de la compota de ideas
necesaria para que aflore el pensamiento. La Luna ya estará en
menguante y la cama todavía sin hacer (la mama, las piernas, el yo y
el tú, la contemplación...) Y más etcéteras que se unen al goteo
discontinuo de mis publicaciones y sus razones; eso sí, al final más
fieles que puntuales.
También sin
apenas renunciar a la obligación de soportar este frío, ya amigo y
listos? Ya!! También el querer acurrucarnos en las canciones de Dan
Bejar, pasados ya los casi camino de las dos semanas.
La excusa
perfecta sería el calorcito de bellú de su temario. La llama que
como la fogata atizada ha convertido esta gira del KEN; o por lo
menos como la hizo sonar en la ciudad condal. En algo que dista
relativamente a la sensación sonora que nos dan sus discos en
estudio: Introspección, delicadeza, fragilidad, recogimiento o
también ese viajar por un instante a alguna época pasada de nuestra
juventud.
Todo ello
agitado en cocktelera pero sin frivolidades vermuteras y más nadando
en whiskeycerveza. Para que gloriosamente apareciera el Dan Bejar de
los histrionismos corporativos de New Pornographers, o el que daba
por lo menos, esa mueca menos coral y más sabrosa a las canciones
que llevaban su firma en el combo Canadiense. Que vaya por dios!! es
la que precisamente a mi más me gusta; sin despreciar los guiños de
Pop satén que tienen sus discos propios, por supuesto.
Y cual
debería ser el objetivo si no, cuando uno decide echar su suerte en
un concierto?:
Que te guste
el artista? Las canciones calentitas que viene a presentar? El fichar
y hacer muesca para contarle a nuestros nietos frente a la
catalítica, lo mucho que molábamos?
No lo
cuestiono pero... si DESTROYER tiene un plus en alza que cotiza en
directo, son los fabulosos músicos que le acompañan. Algo además,
que no tendría sentido si fuera de otra manera (que la hay). Pero
oigan, DESTROYER no mola solo por las historias que te cuenta Dan,
ese fastuoso halo cosmopolita y sofisticado sin excedentes de su Pop
de biblioteca y si me apuras el ramalazo de Funkysoul pulcro a los
Blue Nile; no.
Lo hace y
mucho, esa idea de que si todo suena en su disco con intención
(tempo, metales, cuerdas y teclados), enriqueciendo cuanto más se
escucha. Es inequívoco que la cuestión sería llevarlo al
escenario; que no es fácil.
En fin, que
ver sobre el escenario a siete músicos más el protagonista, sonar
como un piano de cola afinado, es... Lo más parecido a levitar
amigos.
Enumeraría
unas cuantas bandas que lo han conseguido: Luna, Tindersticks,
Delines, Bill Callahan o Riley Walker; alguno más seguro. Pero pocos
que se tomen de manera tan seria, intensa e intencionada un directo
con el mensaje que más o menos quiere transmitir. Podríamos creer
que en el Primavera Sound de hace dos años fue igual, pero no
chavales.
Si hay un
antes, tiene que haber un después. Porque una gira ha de ser por
narices la mesa de disección y prueba de equivalencias de un disco o
repertorio. Allí fue todo más maduro, sensual y panorámico si se
quiere. Y curiosamente, ahora que su nuevo y flamante disco nos
parece llevar a una escena más oscura, satinada y sintética. Su
directo eleva la intensidad electrificada y nos convierte la dulzura
y melancolía de sus canciones, en una especie de burbujeante cocido:
El caldo que
bien podría ser esa base donde trompetas, saxo y teclados hacen de
medio e identidad. Donde la chacina salta y corretea: ahora algo que
se parece al funk negro, pop de libro y una infinidad de referencias
solubles a la grasienta parafina hidratante que Dan Garbancero
convierte e ilustra en su propia seratina. Esa droga que a unos
cuantos nos ha hecho revivir ese otro Pop de aires Bossanova jazzy,
pero que en el fondo confluyen tantas y tantas cosas. Diríamos que
esos metales usados como un efecto, y la voz de Dan. Hacen de
diluyente y sea cual sea la evocación, todo acaba sonando a
DESTROYER; parecido pero distinto. Igualito que esa cucharada de
guisado caliente que nos sacia el hambre y culmina nuestro paladar.
Dicho esto,
el asunto de narrar cada una de las canciones que sonaron, sería de
una gilipollez total. De echo ya me parece de una gilipollez total la
cosa de explicar un concierto canción por canción (yo el primero).
Cuando deberíamos de hablar de caer en ese mismo ostracismo del
autor, cuando entre estrofa y estrofa se agachaba a darle un trago al
whisky, y otro a la cerveza.
Yo en eso y
en mi estado perenne de flotación me identifico. Porque con 20 años,
ya vi el placer de combinar el chupito de Bourbon con la cerveza.
Después solo vendría la modulación instrumental, alternando los
ramalazos de puro Rock, el ahora voy y me tiro al postpunk The Cure
que ilumino con un flexo y acaba sonando a otra cosa.
Toboganes
uno detrás de otro que caían en simas, o subían a promontorios,
por ejemplo.... “Time Square”, “Chinatown”
o “A Light Travels Down the Catwalk”. Y será tan
estúpido como reconocer que me gustaron mis favoritas; ves? Ahora
bien, si solo vas a un concierto esperando escuchar eso que solo te
gusta del tipo. O esperas a que entre canción y canción te mire
fijamente a los ojos y te guiñe un ojo. O que se yo, que cuando se
agache a darle un trago a la cerveza te de la mano (A TI). Incluso
que venga mamao del backstage, y en el concierto solo beba agua
(normal). Ese ves, no es Dan Bejar.
DAN es ese
tío que flota con su música igual que lo deberías hacer tú. El
mismo que aunque empezara en la habitación de su casa componiendo
folk casero, soñaba cada noche con hacer un musical Bradway.
Pues bien,
su directo ahora mismo. Es ese Musical de Broadway hecho a un
cuarentón con herencias ochenteras, oscurillas y poperas de los 90's
pero de mente espatarrada: Un conjunto de músicos entrando y
saliendo de la canción con la precisión y poesía del Ballet de
Bolshoi. Y haciendo que la canción no se resienta acabando por ser
un caos; sino todo lo contrario. Todo fluye, todo confluye, todo
aporta, todo se convierte y crece sin límites porque las canciones
están pensadas para sobrevivir al tiempo.
Dan Bejar
por la valentía de creer y buscar algo. Y la de Josh Wells (el
batería), como el del genio en la sombra capaz de llevarlo a cabo en
la sombra (50% talentos). Por eso, solo por eso. “Rubies”
es eso: diamantes que en directo suenan como han de sonar. “Stay
Lost” esa canción que muchos componen pero ninguno hace
sonar como él. O la dulcísima “Hell” de la mano
de “Dream Lover” que la convierte en fuegos
artificiales. O ese magistral estilo para mantener la euforia y al
público, en un estado continuo de flotación y júbilo.
Si alguien
creía que KEN era el hermano menor y más superficial de POISON
SEASON, es porque no se imagina la idea de escuchar a ambos en
directo. De combinar esos tres últimos discos que lo han medio
puesto ahí, en un estado de reconocimiento, pese a poder casi llenar
tan solo la sala Bikini. Cuando quizás debería llegar a mucha más
gente. Y ver que se complementan e incluso igual que los muebles del
IKEA, se pueden combinar entre si con extraordinarios resultados.
Y aceptar
como tal y de una vez por todas que la sociedad (y consigo la música
y cualquier otra cosa), esta cada vez más vectorizada. ¿custión de
calidad? No señores. Cuestión de comodidad, confort, seguridad o
como se le quiera llamar. o de riesgo, emoción y aventura. Que cual
escoja el suyo.
No os lo
vais a creer como corrían, saltaban y resoplaban entre el sudor de
un Otoño más que inminente. Porque si hay todavía alguien que
discrepe en la capacidad de embeber de tiempo y edad que tiene la
música, a los leones con él!!
La mirada
atónita de los virtuosos del jazz que decoran la Nova Jazz Cava de
Terrassa, fueron testigos del extraño suceso:
Las luces
confluyendo sobre el skatalítico escenario del coqueto auditorio de
artesonados, apantallados, la forma de la platea; que bien podía
ser la de una ermita en lo alto de un promontorio. Y un puñado de
acólitos donde ya por tiempo, ni jerarquías o galones hay que
valgan. Si no es la palabra y el acorde a golpe de “Oh Why do
you catch my eye, them Turn Away?” los que prácticamente
resumen el secreto del elixir de la eterna juventud.
GEORGE BEST
se publicaba hace una treintena de años bajo el techo de Reception;
prácticamente autoeditado. Y allí, en su flamante 1987 de puente
colgante, entre la herencia punk de finales de los 70 y lo que sería
el rebrote del indie como un alka-seltzer a punto de ebullición.
Treinta años después, sigue siendo uno de los más frescos
testimonios del Pop ganzúa. Con el que forzar ese cofre que explica
de que va el indie de la era verdadera.
Ese mismo
que el pasado 5 de Noviembre, a base de melodías. Acabo
convirtiéndonos a los allí presentes, en niños de ojos brillosos
con su juguete favorito entre las manos.
Hubo incluso
algún que otro relevo generacional de padres a hijos: De padres que
se vuelven criaturas momentáneas, y de abuelos que invierten su
reinado en timbas de tengui y falti; que si no fueron
todas, sí los amuleto.
The Wedding
Present, ya tan solo con el bueno de David Gedge al frente. Ha sabido
rodearse de discípulos aplicados, en eso de dar a su temario más
clásico el tono adecuado. Y a sus nuevas composiciones la entidad
acorde con su evolución.
El cuarteto
de Leeds, no es que haya cambiado o se mantenga tenaz en un sonido de
culto estático. Sino que ha sabido como pocos, contextualizar la
idea del Pop de guitarras en su tránsito hacia la actualidad:
Mezclando y equilibrando la sonoridad de su primera época, la de
Seamonsters, la reflexiva de Take a Fountain, e incluso la de
Cinerama. Dando con ello, a un sonido flexible y maleable como pocos
podrían imaginar en una banda como los Wedding Present, con fama de
tener recursos limitados y un sonido pretoriano. Sin embargo, su
frenética actividad desde hace ya quince años los ha hecho justos
merecedores de por lo menos: la justicia de debatir sobre la equidad
entre su pasado/presente.
Y lo cierto,
y esto es una opinión totalmente personal, creo que no hay tal
discusión; descartando la mera cuestión de gustos.
Porque una
cosa es el deseo que tenga uno de poner los ojos en blanco y alcanzar
el mantra con las canciones de su juventud. Y otra bien distinta, el
recorrido fondista que tiene su temario; y sobre todo el menos
agradecido para la crítica.
Arrancar en
frío con un “Once More” a pico y pala por
ejemplo, es de ser un padre muy cabrón. Ver que tus pies quieren
elevarse del suelo, para volver a un “Yeah Yeah Yeah”
Watusi. Y forzar su lado más simbiótico Cinerama/Wedding con “Girl
in DDR” de una pobre y abandonada Valentina. Si es que los
hay todavía empeñados en mezclar churras con merinas.
Y es que
además, meterlo en un contexto de chip George Best ochentero, que es
lo que todos esperábamos. Es de tener las pantecontepantes muy bien
puestas; y me encanta!!:
Ahora que un
“Corduroy” del Bizarro. Y ahí, cuando más
apuntito estás... la preciosa “Perfect Blue”.
Pareciendo todo ello y ante mi creciente impaciencia, un curso
intensivo de la vida de los de Leeds en seis actos.
Porque
amigos. Aun y apurando el suspense. A estas alturas de función,
Wedding Present siguen guardando caramelos en el forro de su roto
bolsillo al estilo de sus mejores caras B sorprendiéndote con un
“England” instrumental, descomunal. Que nos
preparó con modularidad y suspense Hitchcockiano lo que vendría a
ser: -Y de repente Felicidad?
Ya lo decían
hace 35 años Edwyn Collins con los Orange Juice, y lo repetían los
Wedding cuatro años después: Now I'm in a stupor
Behind
the scenes which say
This was
is OK
The
clarity of my eyes
Shines
both in memories of past victories
Fine
scenes shining while, shining white
FELICITY
a fin de cuentas. Que aunque no sonó, basto con ese brillo de ojos,
los aullidos y las sonrisas, que parecían ser un mismo reflejo de la
de David; porque su sonrisa lo delataba.
Sonaba
“Everyone Thinks He Looks Daft” trotando rocinante
como los cascabeles. Afinando y modulando las guitarras en un
ejercicio más Pop que Punk y luego... “What Did Your Last
Servant Die Off?” pareciendo brillar el sol por encima de
unas montañas en plena noche del Domingo: igual que ese preciso
whiskey después del café que te quita veinte años de un bofetón.
Sabes que hay canciones del George Best, y hay muescas todavía
recientes en tu piel de cuando la vitamina joven todavía relucía.
“Don't Be So Affraid” flojeando las piernas y así
hasta trece, entonándose in crescendo ascendente, de quien bebere y
mamare guitarras de las que arañan en plenos 90 veinteañeros.
“A
Million Milles”, “All This and More”, “My
Favourite Dress”, “Shatner”, “Something
and Nothing”, “It's What You Want the Matters”,
“Give me Love to Kevin”, “Anyone Can Make a
Mistake”, “You Can't Moan can You?” y un
“Bewitched” incorporado a la fiesta; como la guinda
del pastel.
No
sabría decir si fue Kevin quien me partió en dos el corazón. Si
fue el abrigo de buenos, grandes y viejos amigos con hijos que pueden
ver a sus espaldas. De padres/hermanos que suben por el helio
vaporoso que despidió ese último pacto diabólico de D. Gedge con
su pasado. O porque si las cosas cuando se hacen por que sí, y
porque apetecen a fuerza de darle kilómetros y betún a una Capitone
Mercedes; tienen eso: QÍMICA.
Huesudas
y formidables odas al fin y al cabo, que se levantaron como benditos
resucitados; y con ellas nosotros de la mano.
Siento
que nos elevaron, que cerramos los ojos pero que todo transcurría
como las moviolas: de adelante hacia atrás, al unísono. Que hay
discos y muchos esenciales o míticos, pero pocos que deberían
pertenecer a la escuela de primaria, caligrafía y ABC de la música
esencial, donde el Pop es (la verdad absoluta y más inocente de mi
vida).
Y
que aunque uno pueda creer que su criterio es débil en nostalgia .
Tanto que a uno ya a estas alturas se le hace una duda discernir la
legitimidad de andar siempre hacia adelante, morderse la lengua a la
hora del: - En mi época si que!!...O dejar que todo
pertenezca a una simple mirada cómplice. George Best forma y formará
parte de ese pequeño universo Pop rudimentario de barrio, que ahora
nadie se atreve a emular. Igual porque hay cosas que pertenecen a
décadas y sus habitantes. Secretos bien guardados. O demasiado
querer parecer lo que no se es.
Pop
desnudo, sincero, ingenuo y salvaje en la simpleza de sus acordes...
Y pese a todo, inigualable en tiempo y actitud. De revisión obligada
si se quiere entender de que sin pequeños no hay grandes que valgan,
y lo más importante:
Que
treinta años sigan ahí, indelebles y tocadas como los ángeles. Con
más pasión si cabe y sin el desgaste de los años. Con un autor
fiel a su idea de concebir el romanticismo Pop, a base de
enriquecerlo sin la más mínima intención de cambiar. A golpe de
furgoneta, con un perrito y unos chavales que insuflan más vida que
la que nos quitó la edad.
Abrí
los ojos entre la nebulosa de cables, ventosas y pinzas de la UCI. La
cama se movía; doy fe. Y entre morfina, pitidos y los vaivenes del
colchón, yo, soñaba con universos que se construían con piezas de
colores y plástico blando: Unos con las manos, y otros con manuales
como los de IKEA.
No
era ni el fin ni el objetivo del dilema, sino el dilema en si mismo.
Un bucle sin veredicto que me empujaba a pedir agua a todo aquel que
se cruzaba ante el quicio de la puerta del box -Una
mica d'agua si us plau?
Pensando que así me harían más caso.
Pero a veces
la ignorancia es el más cruel de los castigos. De labios cuarteados
y paladar pegajoso como cola de impacto. Recobrado diez días más
tarde mi pleno juicio. Solo me consolaban las canciones de mis
queridos THE SMITHS, y el murmullo del último concierto horas antes
de caer en coma. Regreso trece años más tarde a mi exigua memoria
de directos premonitorios de CHUCHO; en año trece. Y cuatro desde
que Lázaro salió andando renqueando.
Cuando
desperté apenas sin fuerza y con la antepierna cuarteada. Y no podía
más que repetir sin apenas fuerza los textos de Fernando en ese CD
de Hermanos Carnales comprado en Músicas de Régimen y su debut 78,
igual que un autómata . Como si esos días de lapsus reanimador solo
hubiesen sido un tiempo muerto más largo de lo normal.
Melodías
que en pleno estado catársico volvieron a entrar licuadas vía
parental, directamente a mi corazón. De atrás hacia delante. De la
explosión de júbilo pedregoso, metálico y saturado de sus
guitarras como “Gente Abollada”y “Rifle de
repetición”.
Se apareció
también como una perfecta ilustración de mis noches discontinuas
bañadas en morfina, nolotil y sedación reseca, cuando de repente.
La noche nos caló hasta los huesos: cuando son los míos para ti,
en perfecta declaración de amor animal.
Mirábamos
hacia el cielo cuando retumbó “¿que
clase de animal?”, cantábamos: Carne
dura como un hueso, como hueso negro, ya no quepo en mi cuerpo, el
traje me está pequeño. “La
oración del desierto” sonó a salmo
tenebroso, porque los textos cantados de Fernando y con un
inconmensurable Carlos Cuevas a la batería, así se deben tomar:
Como salmos excomulgantes para los no creyentes del gominoso rock. Y
sí del Rock de catacumbas; de donde volvieron a salir los
Albaceteños.
Pudo ser más
alegre, sin acabar de saber si es el excremento que planea por
nuestra vida diaria el rey de la depresión, la vuelta al cole sin
drogas, o esas tareas de la casa que mamá y la mierda que te come te
obligan a cumplir.
Pero en
cualquier caso, hay una cosa clara que no se puede parar: El hambre
público para celebrar el bautizo de uno mismo (y su banda fetiche).
Como el reflejo de uno mismo y su juventud en el espejo de la noche.
Esa especie
de inventario que inevitablemente le viene a uno a la cabeza cuando
son esas canciones tan básicas como la cartilla de leer de primaria,
las que nos repescan. Y comprobar que éstas a su vez, han conectado
generaciones: Las Post todo, las pre indie, y las de ahora. Aunque
fuera para esperar impacientes hacia el final, y escuchar “Hermanos
Carnales” y “Fuerte”;
que hacen eterno a éste, su trabajo con más difusión de
aniversario.
Casi una
hora antes con un puñado de testimoniales incondicionales, Ángel
Valiente aka. KAREN KOLTRANE. Convirtió el eco de sala semi vacía,
en un denso y voluptuoso manto sonoro.
Él, además
de diseñador de interiores. Se las apaña para pasar del
plano/lienzo digital (pulcro, minimalista y funcional) al directo,
toda una idea que sobre el papel, y valga la redundancia. Es capaz de
trascender con la misma claridad, y además crecer tornándose
muchísimo más real. Un discurso de Postrock sintetizado y
atmósferas entre el dreampop y el Shoegaze, que bien podría
diluirse o ser uno más.
Pues la
sorpresa es que fue la perfecta antesala con la que elevar la sala, a
eso que se llama clímax ideal. Lo fue “Permafrost”,
“Cansancio Mental” o el cierre de “Ondas
Gravitacionales”; con la hija de Joaquin Pascual a los
coros. Corrigiendo la poca afluencia de público a su apertura del
bolo aniversario de los Albaceteños. Y combinando de alguna manera
la escuela Joaquín Pascual de reconocible influencia, con aquel
proyecto del Penélope Trip Tito Pintado (Telefilme/Anti). Eso sí,
mucho más amplificado y musculado.
Un paso de
gigante que todo sea dicho, a transfigurado los proyectos
doméstico/electrónicos, en algo con la misma magnitud que un
concierto tradicional de rock. Y una de sorpresas más gratas de la
noche.
Volviendo al
punto de partida y por si alguien se ha perdido en la ida, y la
venida. Sería “Viaje de Redención” la que nos
chutaría antes de entrar a quirófano: El frío todavía de la
gente, los instrumentos y el sonido por ajustar y modular.
Fue el
comienzo como el de las viejas camillas a las que las ruedas se le
desmandan, y chillan como la Acherontia Atropos cuando la cazan.
Hasta que exhalamos “Humo Azul” entrando en
sedación, con la mirada perdida al techo viendo desvanecerse las
luminarias quirúrgicas. Fue lento, suave, dulce y de continuado
éxtasis hasta “Lázaro”; mi favorita. Tras
“Efervescencia” (donde está Rosa??!!), y
continuando con orden casi militar “Angel Transparente”
que tanto recuerda a otras composiciones de Chucho. Pero reservando
estratégicamente las bazas de “Mis Huesos son para Ti”
o “Abrazo en un Terremoto” para equilibrar el set
con sus más esperados hits.
Me
sorprendió tremendamente “El Final de una Quimera”
y “ElCrujido del Cangrejo”, las que
más de largo, y más tarde que nunca el bajo de José Manuel Mora
por fin vibrándonos. Pero también como aquellas inesperadas que
renacen en directo “La Estación de las Lluvias” o
“En Otoño”.
Así nos
volvió a destripar el 25 aniversario de un disco mítico.
Posiblemente con el que delimitar ese antes y después mediático, de
una escena alternativa pujante desde las profundidades periféricas.
Pero aunque el más recordado por “Fuerte” y el tema que le da
título, no necesariamente el de mejores canciones.
Eso sí,
creo que pese al frío del tiempo pasado y las posibles diferencias
de concepto que puedan tener ahora los miembros. Creo que de obligada
celebración para reivindicar un temario digno de remasterización
como se debe. Y una deuda que todavía tiene la escena actual con
esas bandas que existieron invisibles en tierra de nadie, y que nos
forjaron el camino.
Escucho en
una mañana clareada de sol en sábado el “I've Changed My
Plea to Guilty” de un viejo concierto del 2007 de un
todavía reluciente Morrissey.
Una vieja
cara B del 91 en su época más mullidita que ha envejecido
fabulosamente; veintiséis años y ahí es nada la pedrada.
Veintiséis
años que podrían ser perfectamente otra vida nueva más por vivir.
Que me parece una eternidad por ridículo que eso parezca para
alguien mucho mayor que yo; mi madre por ejemplo.
Sin embargo,
hay momentos en la vida. Más cuando todo corre cuesta abajo sin
frenos y con las manos atadas a la espalda. Que, uno -en la más
inocente de sus treguas- intenta aplazar, ni que sea por unas horas
el desagüe del tiempo. E incluso deshacer la madeja de la vida que
tanto nos ha costado hilvanar, desviviéndola hacia atrás.
Había quien
atribuía poderes espirituales al Pulque, la Ambrosía,
el láudano de Sydeham, el Soma o la Absenta,
para emprender un viaje sugestivo al pasado o alcanzar la
inmortalidad. Nosotros sin embargo, solo necesitemos cerrar los ojos
y viajar a tiempos remotos y no tanto, a lomos del perfume licoroso y
almizclado de unas cariñenas de Porrera.
Hubo un
timonel (Albert Costa Miralbell), hijo y relevo del inmortal
Albert Costa, e ideólogo junto a Lluis Llach del CELLER VALL LLACH;
proyecto vinícola y renacentista del Priorat esencial: El Priorat
austero, social y heróico, espectador del más mediático de
Gratallops; con sus cinco “pioneros”. Pero seguramente el Priorat
igualmente real y salvaje que hizo de la filoxera, la penuria y la
decadencia, una razón de ser, de existir y de revolucionar lo que
ahora es el Priorat. Al margen de internacionalización de algunos de
sus vinos más preciados en los mercados que colocan el origen en lo
más alto de la cima.
También
unos grumetes con horas de navegación, pero más ganas de reaprender
por la mera cuestión de viajar a pie sobre las aguas; igual que los
Basiliscus. Que de doctorarse en algo que solo entiende el límite de
la sabiduría si se está en estado ya de putrefacción, o al borde
de la muerte; así por lo menos lo entiendo yo.
Como nos
decía él en una charla sobre las historias que hay detrás de un
vino. Y que realmente deberían ser las que nos capten en esta
adictiva cofradía: No solo por el valor estrictamente de calidad de
un vino, sus variedades y la capacidad de éstas para sorprendernos y
embelesarnos. Sino en otra virtud infinitamente más cautivadora: El
territorio donde se produce la sincronía entre TIERRA (como
lugar donde habitan gentes), TERRITORIO (donde la naturaleza,
el clima y el pasado ancestral geológico hace único lo que allí
nace), y LAS PERSONAS (que de alguna manera, por la tiranía
de las dos anteriores y por su capacidad de supervivencia) No luchan
por imponer su hegemonía, sino que conviven y se ponen al mismo
nivel de las primeras.
Aunque sin
duda, el valor diferencial y particular más emocionante de VALL
LLACH, sea por si solo el fin del mismo:
Un proyecto
entre dos amigos de la infancia y el pueblo de la madre de Lluis
Llach (Porrera); teniendo en cuenta su abstinencia alcohólica y la
obstinación de introducirse en un mundo, el del vino, desconocido
para ambos. Y el fin de volver a Porrera con el objetivo de intentar
dar a Porrera, todo el esplendor vivido hace 100 años tras la
despoblación que sufrió el pueblo de 1000 a 300 personas escasas.
PORRERA
tiene la particularidad de encontrarse bajo mayor influencia
mediterránea. Que hace que el vino que allí se produce tenga el
carácter único por sus terrenos de inclinaciones imposibles, pobre
de tierra y rica en pizarra (licorella) y las viñas postfiloxéricas
que se replantaron hace más de cien años: Garnacha , y Cariñena (en
el caso de Porrera) principalmente. Pero también Cabernet Sauvignon,
Merlot, algo de Syrah, o incluso la Cariñena blanca que ahora se
está recuperando.
Pero
sobretodo el paisaje que a mi, por ejemplo, ya que me ensartó hace
cuatro años. Cuando tras un 2014 titánico en la recuperación de
una grave enfermedad que padecí. Me enseñó la luz de las
misteriosas tierras de Prades, Montsant, Siurana y mi descubrimiento
final de Porrera, con su silencio, vinos y gentes.
Así pues.
Esta interacción en el marco extraordinario de Padró i Solanet;
donde se cimentó la idea del Tast Team. Tiene tanto de viaje
sonámbulo a momentos que se estiman ya a estas alturas claves, para
uno mismo. Como de sesión espiritista para los que formamos este
grupo, donde la amistad ya supera con creces al colectivismo en pos
del vino: Pegamento invisible que nos unió y une, y que bien podría
asociarse al volátil hipnótico que emanó de las copas la noche en
cuestión.
Siete vinos
y una esencia con la cronología que dan las distintas añadas de
Vall Llach (99, 05 y el Mas de la Rosa 2015). La medida del paso del
tiempo en la primera añada del Embruix 1998. El nuevo Vi de la Vila
2014 de apabullante franqueza. Y dos de los tres vinos que elabora el
anfitrión Albert Costa, con su espontánea juventud al tiempo que
homenajea a la parte inolvidable de la historia:
Las mujeres
ahora abuelas octogenarias o centenarias como La Catalina, que
llevaron el peso de la vendimia en su origen. Esas infatigables
personas poseedoras del incalificable poder de la austeridad, la
inclemencia y la verdad más absoluta y natural del Priorat. La
Joaquina, un blanco elaborado con escanya-vellas (uva que se plantaba
delimitando las hileras para que las mujeres que vendimiaban pudieran
comer durante la jornada). Y La Catalina, una tinta joven sin crianza
de Garnacha del Montsant. Que junto al rosado La Matilda componen esa
pequeña concesión que se dan a la locura y como no, al compromiso
con estas tres ancianas que incluso decidieron el detalle de las
etiquetas.
Los tres
vinos por cierto, vinificados en ánfora y con el precioso final
benéfico de destinar su recaudación a proyectos para la gente mayor
del pueblo.
Ahora bien.
Para entender el alma que atesoran los vinos del Priorat; y en
concreto los de Vall Lach. Es primordial saber que estas plantas de
Cariñena centenarias, por edad, climatología, composición
geológica y el esfuerzo que esto supone para las viñas ahondar
varios metros para encontrar el sustrato. Necesitan hasta cuatro
plantas para producir una botella de vino, ojo.
Después
está la idea clara, lógica y generosa que tuvo la bodega a la hora
de impulsar de nuevo esta zona del interior de Tarragona. Que no era
otra que pagar el Kgr. de uva acorde al trabajo que supone las
exigencias del terreno y de la viña: 3eu/kg, cuando en el Penedés
por ejemplo, se paga del orden de 30/35 céntimos.
Si tenemos
en cuenta que en la Champaña se paga a 3'80eu/kg, cuando es una
producción más intensa y fácil. Y en Vall Lach el arado es con
mulos, la recolección de alto riesgo con desniveles del 80%,
totalmente natural, su poca producción, y el objetivo de elaborar
vinos de alta calidad dispuestos a competir con Burdeos, Borgoñas o
Brunellos. Con un cuidado casi de jardinería. Entenderemos que no
solo los vinos del Priorat no están sobrevalorados, sino que dan la
importancia que se merece a algo tan subestimado como la agricultura
con conciencia. Por lo tanto, cada sorbo de estos impresionantes
vinos, tienen tanto de justicia económica, como de entender todo lo
que hay detrás de cada botella: Historia, paisaje, trabajo,
sacrificios, heroicidad y sobretodo, compromiso con una filosofía
forjada a mano.
Todo esto no
tendría sentido claro está, y se convertiría tan solo en un
imaginario bonito. Sin el significado que tienen su principales
emisarios; los vinos.
El desnudo
de sus vinos sin crianza ilustrando el carácter rudo pero generoso
de la zona: Los anisados y hierbas de montaña mentoladas, la pizarra
mineral de su fondo, o la fruta oscura y fresca de sus garnachas.
El cara a
cara con el EMBRUIX del 98 aterciopelado en toda su longitud.
Esa sensación de entrar en la alcoba después de tantos años
creyendo que su concentración y sobremaduración (hace dos días que
se vendimió, la más tardía de la zona). Se ha convertido en talco
de rosas rojas y nácar pétreo.
Que el suave
deslizar descubre cristales de licor de cerezas, bayas y fresones de
Sant Pol licuados. La licorella está omnipresente, pero con los años
de botella estos vinos evolucionan fabulosamente. Todo un lujo tener
a disposición estas botellas del cementerio, que el padre de Albert
como buen notario que era, documentó para que no se comercializaran
y se bebieran solo en pos del placer (300 de cada cosecha).
Antes del
Embruix, el vino que a mi más me cautivó por melancolía emocional.
Probamos un vertical y puntiagudo VI DE VILA 2014 con un
pequeño porcentaje de Garnatxa. De esos vinos transmisores de una
zona en toda su franqueza: Directo, equilibrando el clasicismo
característico de los vinos de Vall Llach hacia una arrogancia
agreste natural de la tierra que lo cría.
Sería como
aquel viejo loco que corre montaña abajo, poseedor del instinto
adolescente. Se bebe muy bien pese a los pocos años de botella.
Diría que es la perfecta piedra de toque para entender a sus
hermanos mayores, y con muchas menos condiciones para consumirlo: Se
nota esa proporción de garnacha asomando la fruta, pero impone la
Cariñena con su complejidad, estructura e intuitiva longitud.
Taninos muy pulidos pero presentes, con todo en su sitio y por lo
tanto puro caramelo.
La evolución
de su magníficos VALL LLACH; su vino insignia recordado en
una antigua cata como un brandy que detiene el tiempo. Es curiosa su
conversión hacia el MAS DE LA ROSA 2015, donde la Cariñena
al 100% lo convierte en un vino muy distinto a las de anteriores
cosechas, donde había proporciones de otras variedades.
Un
concentrado de Licorella complejo de claro reflejo de la zona.
Longitud e impresionante estructura son sus principales virtudes, que
lo hacen un estupendo vino de guarda. Ha desaparecido en gran parte
esa presencia imponente que lo hacía un vino más licoroso y
profundo, siendo ahora incluso más salvaje y excitante.
La necesidad
de aire en parte por la Cariñena lo hace sinuoso, espectacular en
posibilidades pero todavía exigente por su juventud: Con bosque de
otoño, mucha fruta negra y mineral (grafito, pizarra, pedernal).
Necesita tiempo para que el volátil de paso a los cacaos, la trufa y
la fruta. En boca es contundente, aunque también es verdad que en la
cata no se decantó y soy de la creencia de que a estos vinos les
sienta divinamente la calma y el reposo; que sí aparecieron al final
de la noche.
Así claro,
al llegar al VALL LLACH 2005, un vino ya con 12 años y en
pleno esplendor. Con un carácter radicalmente distinto a los nuevos
Mas de la Rosa; es cuestión ya de gustos.
Sería del
todo injusto compararlos, puesto que los vinos del Priorat según
pienso yo, brillan en cada una de sus facetas (juventud y guarda).
Influye y mucho la forma de vinificación, y por su puesto la zona
(nada que ver Gratallops, Porrera o Falset). Porrera por así
decirlo, es más rural, explosiva y primaria, si bien es cierto que
Vall Llach tiene una vendimia muy tardía esperando que la Cariñena
esté muy madura y sea toda elegancia montaraz. De esto se encarga
Lluis Llach, que pese a ser abstemio, es un perfecto catador de uvas
y el momento idóneo de su recolección.
Un vino de
rasgos de auténtico Priorat en sus variadas pequeñas proporciones
de Cabernet, Merlot y syrah, que acompañan a la Cariñena. Los años
de botella le han dado una elegancia y afinamiento impresionante; un
orgasmo embotellado. Aunque algunos diferían en las virtudes tan
distintas de cada añada; mola.
Mola la
sensación armónica que nos da el tiempo y el entrar a descubrir
vinos exigentes y tan profundos. La manera como cambian y evolucionan
en botella y en copa, por que odian las prisas; como yo.
Es
impresionante ver que todavía tiene un recorrido tan grande,
conservando una deliciosa acidez que se funde con distintiva
mineralidad. Increíble la manera de abrirse tras dejar atrás el
volátil resinoso que los conserva impertérritos. Y como aflora el
soto bosque, la esencia de monte que le dan las hierbas aromáticas
infusionadas en frutas rojas y negras, en brasa y en pizarra
descompuesta. Un pulso al paladar y al olfato en forma de abrazo
cariñoso y fraternal. Un corredor de fondo de elegancia indomable y
corpulencia culturista; bello sin más.
Hablábamos
del tiempo, de la evolución y el cambio hacia una tipicidad
monovarietal muy presente en los vinos de riesgo de hoy.
Por eso es
tan hermoso como interesante ver hacia donde caminan los Priorats de
hoy día. Cuando nos enfrentamos a un VALL LLACH del 99;
dieciocho años que podrían ser toda una vida, y lo son.
El Cabernet
Sauvignon y el Merlot en cantidades más grandes, intentaban domar a
una Cariñena por entonces más indómita. Así dieron después de
todos esos años de guarda con un vino inigualable, aunque claramente
más afrancesado. Que no es un defecto en absoluto en tanto que es
una pura delicia, pero se aleja de lo que busca ahora Priorat:
identidad. A mi sin embargo me encantó después del batallón de
vinos, en un Jueves noche repleto de emociones y toboganes
sensitivos. Y en el cara a cara con el ágape final, ya aposentados,
nos dio un poemario de caras y muecas digno de Delicatessen; la peli.
Cabe
imaginar en que se puede convertir un Mas de la Rosa 2015 observando
la armonía que fluye del 99?
Pues
imaginen hasta donde podría llegar una Cariñena vinificada ahora
sin los volúmenes del Merlot. Con el vigor y el camino recorrido
hasta hora en cuanto a aprendizaje, técnica y agricultura sostenida.
Dicen los entendidos que es imposible hacer un vino malo en el
Priorat, y me lo creo. Igual que también creo que nuestra forma de
beber vino, el interés creciente por la cultura del vino y la
racionalidad del campo, a cambiado y nos debería llevar a una
sostenibilidad acorde con nuestra historia y nuestro pasado. Tanto si
hablamos de vinos Top, como si lo hacemos de las pequeñas bodegas
con productos excepcionales a precios asequibles también.
Hoy por
ejemplo he descubierto un Cal Pla increíble, por poco más de 12
euros. También hay que valorarlos en la medida del camino que nos
enseña a disfrutar de los grandes vinos, sin prescindir de los
pequeños e indefensos productores.
Pitu Roca
decía que la esencia del VI RANCI MARÍA DE CAL VALL con la
que puso el lazo Albert: Una barrica de Garnatxa descubierta en casa
de la madre de Lluis, datado del 1927. Y que se vinifica por
el sistema de soleras en escasísima producción. Que se debería
usar de perfume a pequeñas y delicadas gotitas.
Un vino muy
cercano a un Oloroso Viejo VORS, pero con la personalidad inigualable
de su procedencia tinta. Que te derretía la boca y pese a todo, ahí,
la acidez que rompe con el hipotético empalague. Y en definitiva,
una síntesis fiel de esa historia que abría la noche como conexión
a unos vinos, una tierra y unas personas. Sin olvidar el conjunto
llano y emocional de la historia por la que transitan, llena de
anécdotas, obstáculos, y siempre premios como este, de su boca y
manos.
Yo que
quieren que les diga, aun entendiendo a la perfección el símil de
Pitu, cuando bendice lo milagroso estos elixires inmortales; como los
vinos del marco de Jerez o Montilla/Moriles.
Prefiero
olerlo sentado esperando el día del juicio final, y en última
instancia beberlo como si no hubiera un mañana, hallelujah!!
No se si
sería tan frívolo para usarlo como perfume. Pero en todo caso, si
lo hubiese, me haría cofrade de esta bendita hermandad:
La que nos
hace tesoreros en infinita memoria y devotos por tan desinteresada
generosidad; la de Albert. También es cierto, de decirlo bien alto y
con la copa en la mano. Que la vida toda entera y a tropezones se
ordena de manera cronológica, no por las tragedias, sino por LOS
MOMENTOS:
Esas
circunstancias temporales y compañías de viaje, que igual que NEO,
en Matrix. Son capaces de detener las agujas del reloj, atraparlas a
brazos llenos, y confitarlas ahí. En el corazón, en el alma si la
tenemos, o en el córtex inferior en forma de muesca.
Es curioso,
porque uno sabe que de eso no se va a olvidar. Que el entreno de los
sentidos que potencian las catas tienen la magia de convertir una
experiencia, un aroma o una sensación al saborear, en un recuerdo
imborrable. Y doy fe que este a sido uno, y no será el último. Lo
sabéis todos los que tenéis que saberlo sin nombraros, verdad?
*FOTOS & CONEXIÓN DE HUESO: Amadeu Gabaldà/Carlos Gonzalez *OTRAS FOTOS: un servidor *LOGÍSTICA: Solanet Family *FLUIDO SANGUINEO: Celler Vall Llach
A vuelto a
pasar a un mes aproximadamente del 20th Aniversario de mi
primer avistamiento.
Un catorce
de Noviembre de 1997 en esta misma sala; la bikini de su afamada
acústica. De aquellos tiempos en los que las entradas eran eso:
pequeñas obras de arte para conservar, coleccionar e incluso
reverenciar como las medallas de los santos que nuestras madres
guardaban celosamente. LUNA mientras tanto, orbitaba sin apenas
llamar la atención, cuando eran Britpop y Grunge los que pulsaban
las constantes de la “música moderna”.
Una historia
contada infinidad de veces y recalcada hasta la saciedad. Cuando al
mirar en panorámica a lontananza la sala. Uno, cae en la cuenta de
que ya no hay rastro de aquellos veinteañeros que huían un poco de
lo común. O por lo menos de esa parte de juventud, que uno supone
interesada en subrayar el contorno de Lou Reed, Television o incluso
de imaginar porqué Galaxie 500 dio paso a LUNA.
De todas
maneras y aunque de la sensación, como es. Que para mi recuperar un
poco mis enseñanzas de juventud me haga parecer más viejo todavía;
que lo soy. Quiero caer a posta en eso que tan pocas bandas hoy en
día son capaces de proporcionarme: Un buen chute, o viaje mental de
mi vida. ¿me lo he ganado, no?
A LUNA los
podría ver cada poco tiempo (dos, tres años), igual que a New Model
Army en las distancias. Como un remedio termal a los ataques típicos
de los melómanos; esa raza a la que supongo ya pertenezco, sin
acritud. Sobretodo porque a estas alturas son pocas las bandas que
nos/me llevan a esos territorios, donde sus influencias han dado paso
ya a un estilo, forma de exponer o atmósfera propia.
Decir a
estas alturas que su procedencia del sonido de Nueva York de los 70,
o la herencia de la anterior banda de Wareham es la clave de su
atractivo. Me parece insignificante, comparado con la evolución de
su sonido desde sus dos y más esenciales discos. Su etapa más
popular con PUP TENT o THE DAY OF OUR NIGHTS. E incluso esa serie de
discos que se tiene por menor, del 2001 hasta nuestro días. Y que
pasados ya casi la veintena de años, han conseguido renacer y
legitimar: no sé si por la falta de pulso de la actual escena, o
porque LUNA sí son capaces de hacerte creer esa evolución del
sonido Neoyorkino, hacia un preciosismo Popero elegante como es el
suyo.
En cualquier
caso y llegados a este punto. Es verdad que cada repertorio que nos
han tocado en estas últimas dos visitas; es tan diferente. Como
educativo es que te lleven a mirar su sonido o temario desde
distintos ángulos y perspectivas.
A mi me
gustan todas, e incluso me encanta que me arrastren a esos lugares.
Me gusta que me enseñen a amar su música sin condiciones. E incluso
que me lleven a reflexionar como he llegado a este veintena de años:
El camino, la manera de saborear los placeres de la vida y la curiosa
manera de habernos visto crecer; y crecer nuestra forma de escuchar
música.
Un
repertorio más distinto puede, por la forma de ejecutarlo respecto a
su anterior visita. Esta vez más rocoso, afilado y puede incluso que
despojado de más exceso de preciosismo, que el puramente formal:
Desde el
aporte de Sean Eden y su tendencia a estirar notas. Y con una Britta
Phillips muchísimo más implicada que otras ocasiones; rotunda en el
vibratorio de su bajo. El casi invisible Lee Wall tras los tambores,
y Dean Wareham todavía más metido si cabe en su papel de distraído
taciturno; con esa dosis de humor negro bien dosificado.
Sonaron
hasta seis versiones la noche de autos; bastantes más que en otros
bolos de esta gira: El “Fire in Cairo” de los Cure
de rigor, la Dylaniana “Most of the Time”, “Let
me Dream if I Want To”, “Car Wash Air” de
Mercury Rev como propia, “One Fine Summer Morning”
de Evile Sands. Y un glorioso premio extra de cierre con su clásica
versión de Fred Neil, “Everybody's Talkin'”: esa
maravillosa versión que nos teletransportó a aquel 1997, donde la
escuchamos por primera vez. Y que recordó de forma alegórica con el
texto de Most of the Time.
El homenaje
resucitador de “Malibu Love Nest” a Lou Reed, sin
renunciar la inmenso legado que dejo éste. Y que Dean Wareham &
Co. ha guarnido con psicodelia Pop aterciopelada.
Imprescindibles
como “Sideshow by the Seashore” con un pletórico
Sean Eden; como siempre, e animador de la velada. “Friendly
Advice” con esta vez, una Britta Phillips dispuesta a que
olvidásemos del todo a Justin Harwood. O “Chinatown”,
“Tracy I Love You”, “23 Minutes in
Brussels”; siendo los momentos más infalibles de la noche.
Y aunque
creo con sinceridad y amplitud de miras pese a que algunos se
quejasen de la falta de un tentador “Greatest Hits”. Cuando todos
sabemos que Luna no lo fueron, por más que el oportunismo de para
quererlos convertir esa banda de cabecera; cuando en su día casi
nadie los escuchaba.
Si hay algo
que valorar de una banda que regresa al cabo de los diez años; y
teniendo en cuenta que transitaron a la sombra de otras mucho más
exitosas (Mercury Rev, Flaming Lips...). Es esa manera de no
prescindir de su temario menos conocido, y precisamente el que más
enteros ha ganado con el paso de los años: “Still At Home”,
joyas como “Freakin' and Peakin'” que los hicieron
ser una banda para la intimidad, o una de mis preferidas: la delicada
y tremendamente melancólica “I Want Everything”;
deliciosa.
Sólo ellos,
capaces de marcarse un apéndice de instrumentales. Y demostrarnos en
directo, que hacerlo alzando el telón con la levitante “GTX3”,
es de militantes dispuestos a llevarte de la mano a otros sitios.
