TAKE SHELTER & SHOTGUN STORIES by JEFF NICHOLS. “MIEDO A NOSOTROS MISMOS”

Año: 2011

Nacionalidad: EEUU

Dirección: Jeff Nichols

Guión: Jeff Nichols

Música: Davis Wingo

Fotografía: Adan Stone

Reparto: Michael Shannon , Katy Mixon , Jessica Chastain , Shea Wighan , Kathy Baker , Lisa Gay Hamilton.

Genero: Drama Psicológico y algo más.

Perplejo se quedó Curtis LaForche al observar sus manos resquebrajadas , surcadas por riachuelos de agua oxidada. Su sorpresa se tornó desasosiego. Miró al infinito de las llanuras viendo como unos enormes nubarrones abrazaban toda la planicie de Ohio , y sintió miedo por un instante: El casi imperceptible miedo a algo que no puedes ver , pero pero sí sentir.

Son esos cúmulos de color plomizo los que nos anuncian la inminente llegada de ese fresco al que creíamos haber perdido por siempre jamás. Ahora que ya podemos cerrar las puertas y ventanas a cal y canto , y acurrucarnos bajo una fina manta al calor de una taza de Té caliente; quizá sea el momento idóneo para recuperar nuestro Cine preferido.

Son ese tipo de sobremesas tardías en las que puedes ver como el ocaso del Sol deja que un soplo de aire fresco tuerza la esquina , sin que el júbilo del Verano distraiga tus hermosos momentos de introspección. Las películas de Jeff Nichols tienen también ese ingrediente innato de quietud y de tensión: Observadoras y descuartizadoras de la mirada humana , como fiel reflejo de nuestros demonios ocultos.

Su última película , como una bella confirmación en su iniciática carrera , nos vuelve a colocar en un escenario rural Americano; en la que todo transcurre con una aparente e inquietante cotidianidad , aunque los estragos de la compleja mente humana nos lleven a un terreno aparentemente metafísico.

Digo aparentemente , porque Jeff juega inteligentente con la delgada línea que separa lo desconocido , lo cotidiano e incluso lo social: Si el protagonista Curtis se ve de repente inmerso en el dilema de averiguar si su percepción temerosa de los acontecimientos , es la de un terror latente y desconocido; o si en cambio es la esquizofrenia hereditaria , la que se está adueñando de él. Es porque en realidad nuestros miedos a menudo van más hallá de lo meramente ficticio.

En los debates que se pueden formular algunos alrededor de esta pequeña joya del nuevo cine Americano. Muchos pueden ver en ella una simple película de suspense , o un drama social con la familia , el trabajo y la esquizofrenia como telón de fondo , todo ello como un experimento inacabado.

Sin embargo Jeff Nichols parece continuar escarbando , como ya hizo en su ópera prima SHOTGUN STORIES 2007 , algo bastante más complejo que unos simples géneros cinematográficos: Los comportamientos humanos como tensión subyacente o el terror psicológico doméstico.

Si nos detenemos en los aspectos técnicos del joven cineasta de Arkansas , veremos que sus películas van más hallá del cine intrusivo de nuestros días: En el que el director nos quiere llevar hacia un camino más o menos predecible.

Sus películas en cambio pueden tener diferentes lecturas , todo depende de la sensibilidad o la sugestión del espectador: Ya sea por la fotografía meticulosa y desnuda en la quietud de sus planos , por la música que sabiamente da el ritmo de la narrativa , o por los actores que maravillosamente están escogidos para adaptarse a como quiere contar las cosas.

Todo ello hace que cuando te sumerges en sus historias parezca que estás en la trastienda del género humano. Y que sea allí donde descubres , que en nuestros secretos y nuestro oscuro pasado se encuentren muchas de las claves para crear una atmósfera tensa e inquietante.

Si SHOTGUN STORIES 2007 narraba la historia de un grupo de hermanastros , enfrentados por la muerte de su padre , y el abandono emotivo de sus vidas. Dándonos una situación de violencia y tensión subyacente.

TAKE SHELTER 2011 nos coloca premeditadamente en una situación aparentemente paranormal , como refugio de nuestros temores más cotidianos: Un padre temeroso de su familia , ante el drama de enfrentarse a su pasado y a la incerteza de los acontecimientos , o el verdadero terror por perderlo todo en la vida. Una película que juega magistralmente con un género como el suspense , llevándolo hacia un terreno incómodamente feflexivo. Incluso diríamos que se siente cómodo en esa situación de riesgo absoluto , cuando lleva al espectador a situaciones de desconcierto al enfrentarse a un género híbrido y etéreo; más si se tiene en cuenta que todo ocurre en escenarios de lo más cotidianos.

Lo recomendable en estos casos es acometer estas dos películas como un sano ejercicio sensorial , teniendo en mente otras joyas como: DEAD MAN SHOES o EL ASESINATO DE JESSE JAMES (por el cobarde Robert Ford). No como un agravio comparativo , si no como otra manera sumergirnos en el cine y la capacidad de emocionar con tan poco.

 

 

EL ERIZO , SU ELEGANCIA Y LA SOLEDAD.

Año:2009

Nacionalidad: Francesa

Directora: Mona Achache

Basada en la novela: La elegancia del erizo de Muriel Barbery

Reparto: Josiane Balasko, Garance Le Guillermic, Togo Igawa, Anne Brochet, Ariane Ascaride, Wladimir Yordanoff, Sarah Lepicard, Jean-Luc Porraz, Gisèle Casadesus

COSAS QUE HACER UN DÍA “D'ESBARJO”:

La semana Santa quedó atrás , allí: Procesiones , trompetas , olor a cera quemada , liturgia y tradiciones; mis semanas santas son distintas. Se perdieron en los anales de la historia los días de la repostería que bien llenaba los espacios abandonados de la carne trémula: Gachas , Arroz con Leche , Bienmesave , Flan con galletas infladas de placer... ahora vivo desde hace muchos años de espaldas a la religión.

Sin embargo , estos y otros días que se encajan estratégicamente en medio de los meses , son una oportunidad inmejorable para desempaquetar todos aquellos deberes a los que teníamos pendientes y abandonados:

1. Observar a tus retoños soñando con mundos paralelos
2. Regar las plantas , acariciarlas , mullirlas e impregnarse con su olor
3. Sacar de paseo aquellos discos olvidados que se durmieron en la estantería y no volvieron a despertar
4. Asomarse al balcón para ver la gente corretear calle abajo
5. Moverse y zarandearse al ritmo de una canción bonita en medio del salón.
6. Desempolvar libros y volverlos a colocar en la estantería mientras subrayas un día para comenzar a leerlos.
7. Y.... ver películas una detrás de otra , sin compasión ni remisión. Aquellas películas que colmaron una lista hasta que superaron con creces tus expectativas del orden y las tareas pendientes.

Recostados en el sofá mientras se hace un vacío espectral entre el murmullo y la concentración. Fue así aquella tarde de semana santa , allí olvidada ya tras de si; una tarde plácida aislados de las crucifixiones que se representaba en cada una de las calles de nuestro basto territorio. Nosotros sin embargo decidimos ver películas , algunas hacía ya meses que esperaban el momento oportuno: 18 Comidas , Chacún , Dead Man Shoes o El Erizo fueron algunas , y sobre esta última en particular es sobre la que escribiré.

Cabe remarcar que EL ERIZO cumple con el difícil reto que supone trasladar al terreno visual un estupendo libro como es LA ELEGANCIA DEL ERIZO de Muriel Barbery. Para ser exactos , la joven autora del filme MONA ACHACHE , con éste uno sus trabajos más ambiciosos hasta la fecha; se propone mostrarnos de la manera más fiel y menos intrusista , aquellas sensaciones que le transmitió la lectura de esta emotiva novela de 2006.

Con el candor aún latente de la poética lectura , esta novel directora se enfrascó en la reconstrucción de esta peculiar historia que transcurre en un entorno tan cotidiano como lo es un vecindario del acomodado París. Una historia narrada desde los pensamientos y tribulaciones de una atormentada niña de 12 años que con su cumpleaños a las puertas , decide hacer un retrato áspero y traumático de un entorno familiar que se descompone a su alrededor , regido siempre desde la más absoluta de las ignorancias.

En realidad es un vivo retrato de una sociedad deshumanizada que asume los roles de sus congéneres por castas y estereotipos , donde el hipotético desenlace debe acabar irremediablemente con el suicidio como única forma posible.

La película esta planteada desde un principio por una niña que se balancea entre lo redicho y lo adulto , como el eje de la historia. Sin embargo la criatura es tan solo un testigo catalizador de todo lo que en realidad pasa a su alrededor: Una madre adicta al Champagne y a las pastillas , una hermana mayor materialista y caprichosa , un padre pasivo y egoísta , y un vecindario que funciona estrictamente como una conversación de ascensor; donde los ocupantes tan solo actúan en función de su personal autocomplacencia , para consigo mismo o para quedar bien con los demás: Unos códigos de comportamiento que se perpetúan cuanto más elitista es la escala.

La película así nos lo plantea , todo un mundo visto desde abajo con la misma perspectiva de la pequeñez de una hormiga que se siente observadora de los estúpidos comportamientos humanos. Paloma (la niña) es así , un personaje ignorado en una familia de lo más común en la actualidad; no solo por su niñez , pese a tener una inteligencia y unos planteamientos apartados de lo que se espera de su temprana edad , si no porque su rol en aquel vecindario , es el de “la niña impertinente y pedante” que incomoda buscando la respuesta a algo que se escapa de la lógica adulta; más interesada en las falsas apariencias que en la trascendencia existencial.

Pero como decía , el pequeño y arrinconado universo de Paloma , es tan solo una trampa que nos lleva a observar meticulosamente cada uno de los habitantes de ese vecindario. Para descubrir que la táctica del erizo coexiste a la vuelta de la esquina: El Erizo se escuda en sus venenosas púas creando una barrera de autodefensa natural contra todos aquellos que no lo entienden , y en el fondo trata de dibujar con una paleta de colores estrictamente cinematográficos: El aislamiento de todos aquellos que de una manera innata y exploradora huyen de los roles materialistas que les han sido impuestos por la sociedad , para abrazar la poesía del arte en todas sus formas posibles.

Comportamientos que se desvían del modelo generalista y que individualiza al ser como algo excepcional y auténtico , aún siendo una simple portera huraña y esquiva como es nuestro caso , o como lo podría ser un albañil amante del arte y ensayo.

En realidad la mayor virtud de esta adaptación libre es conseguir que el costumbrismo provinciano engrane perfectamente en un contexto burgués , algo que dicho sea de paso es uno de los mayores logros del cine Francés. Sin embargo para aquellos que hallan leído la novela (no es mi caso) , seguramente la película no alcance jamás el nivel de expresión narrativo de la escritora; sobretodo para penetrar en la complejidad de los tres personajes principales: La niña (Paloma) , la osca portera (Renée Michel) , y el nuevo inquilino Japones (Kakuro Ozu).

Evidentemente la película es mejor vérsela como un preámbulo a la novela , en ningún momento creo que intente alcanzar a cubrir el terreno de la novela; tan solo capta una panorámica suficiente para hacernos reflexionar y sobretodo para vernos reflejados o identificados con esa serie de personas que se aíslan en el momento de escoger su intereses más oníricos.

En cualquier caso la película es un bonito relato que mide con exquisitez cada uno de sus movimientos para hacer que la película sea digerible , sin pedantería , ni excesos y que indudablemente anima a leer el libro , sinceramente creo que esa es su principal misión. Podría ser un largometraje bastante más detallista y trascendental , pero seguramente perdería el encanto visual de esta historia: Donde se cuenta la historia personal de tres incomprendidos que viven infiltrados en una sociedad fría y devoradora. Los tres personajes tan distintos confluyen en un punto de consenso: El de la ternura , el amor y la amistad , es allí donde se anudan y donde seguramente todos coinciden , sea cual sea su anhelo para exorcizar su mal entendida soledad.

La mejor forma de definirla , sin entrar en los detalles que nos haría caer en un destripamiento donde se esfumaría cualquier interés por verla , es tal y como decía LEÓN TOLSTOI en Ana Karenina (omnipresente en la película): “Todas las familias dichosas se parecen , y las desgraciadas , lo son cada una a su manera”. Los que habéis leído el libro antes , probablemente os falte una profundidad más detallada de la relación entre los personajes que es inexistente en el Film; de un porqué de las cosas que allí pasan , o de de una narrativa más literaria y rica. Sin embargo consigue captar muchas de las claves de la historia original , UNA ADAPTACIÓN , RECUERDEN QUE ES UNA ADAPTACIÓN , Y DISFRUTENLA.

¿¿DONDE ESTÁS ELISEO??

Eliseo aterrizó desde el cielo hasta la tierra subido en las crines de un cúmulo lenticular , visto desde el horizonte con estupefacción parecía el hermoso reflejo de una aurora boreal. Como si el cineasta Bonaerense y el escuálido protagonista fueran una misma persona ; fue como una posesión plácida y consentida: Penetró por los ojos , por los oídos y en cuestión de minutos transpiraba por mis poros como si en realidad fuera la misma percepción de la vida , del amor y de la muerte que siempre hubiese querido albergar. De la misma manera que el desaparecido Hugo Soto (1953-1994) lo hiciera con el escéptico Doctor Denis en HOMBRE MIRANDO AL SUDOESTE 1986.
Desde entonces jamás volví a ver las cosas de la misma manera , ELISEO SUBIELA se hizo dueño sin forcejeos de mi estado natural entre lo  imaginario y lo cabal ¿surrealismo?; diría que la imaginación o la ensoñación está a menudo por encima de la etiqueta.
Este año Eliseo Subiela regresa a las pantallas con el hipotético estreno de REHEN DE ILUSIONES , un largometraje con el que intenta recuperar su más importante baluarte: El de los sueños y el de los recursos ínfimos.



Desde que hace unos años decidiera armarme de valentía para ver la secuela de una de mis más amadas películas EL LADO OSCURO DEL CORAZÓN 2 , sí dos; no había vuelto a tener noticias de Eliseo. No se si por el desengaño amoroso que supuso verla , o por el frío que recorrió mi cuerpo al comprobar que había desaparecido la magia; incluso con la interpretación del poético DARIO GRANDINETTI haciendo buena cualquier insípida obra.
Por esa serie de cosas que a veces uno busca como medio excusa o medio verdad , para justificar el abandono o el interés. Se pierden en el recuerdo , pero regresan de la misma manera que se fueron  , como por pura magia , ¿es acaso ese , el claro signo de la nostalgia y la vejez?
Hoy he descubierto para mi horror que el artista (actor , pintor y escultor) Hugo Soto , falleció a los 41 años tras contraer el sida. Como si el azar quisiera gastarme una broma de mal gusto , e hilvanara una serie de casualidades: El escribir sobre cine , el no tener una mala película que echarme a la boca , o el acordarme de Eliseo así de repente , de la misma forma que lo olvidé. Como aquellos viejos y marchitos amores que se reencuentran tras un montón de años , curioso ¿no? , exactamente igual que en “DESPAVÍLATE AMOR”.

 

 Han transcurrido casi 17 años , desde que viera en el cine por primera vez aparecerse a RANTÉS (Hugo Soto) en el patio del manicomio del Doctor Julio Denis. En un despliegue austero e incluso bizarro de medios técnicos , el primer largometraje de Eliseo , o por lo menos su primer grito desde las catacumbas del cine Latino Americano.
El suyo fue un grito de angustia y de éxtasis , reclamando como suyo el derecho a soñar de la manera más libre posible. Parecía él , destinado a golpear una y otra vez la oxidada imaginación de los pocos tele-espectadores que aceptaron su desvarío como algo  bello e instintivo; tanto como el primer amor de un adolescente. En realidad en España algunas almas ya había sido sacudidas años antes con “El Lado Oscuro del Corazón” , pues “Hombre mirando al sudeste” se reestrenó fruto  de la buena acogida de “El lado oscuro”; pero seguramente sea más coherente verlas por orden.
En su segundo largo , tras varios documentales que en parte sirvieron para exhumar su oscura adolescencia  y un primer largometraje con muy poca difusión; no fue hasta 1986 , cuando se decidió a filmar y adaptar una historia de manera autónoma.

 Hombre mirando al Sudoeste , pese a tener un presupuesto y unos medios miserables; logra atrapar al vuelo esa percepción tan personal que el autor tiene sobre: La locura , la muerte , el amor , y toda esa serie de fenómenos que nos rondan la cabeza ; y que nos castran de manera natural para no desentonar en éste , nuestro universo de la lógica. Muchos lo describen como el surrealismo , cuando en realidad es la necesidad de descubrir un mundo paralelo apartado de la realidad más tangible ; ¿soñar despierto? ¿fantasear? ¿imaginar? La mayoría de las veces la irrealidad está más cerca de la realidad de lo que suponemos.

Rantés aterriza desde un mundo desconocido con la misión de estudiar la estupidez humana , y es tan fuerte su convencimiento , que logra poner en duda todas las tesis del psiquiatra. En realidad , lo que hace es descubrir en él la realidad de una sociedad encadenada a la teoría , sin prestar el más mínimo interés a la práctica de la felicidad. Un guión al que se le quedan cortos los medios de realización , pero que atrapa por la simplicidad de sus teorías; tan simples son ellas , que a menudo vivimos de espaldas a la naturalidad de las mismas.
Años después el escritor Norte Americano Gene Brewer se sacó de la chistera K-PAX; Un intentó bastante despiadado de hacer suya la historia , algo por otro lado a lo que jamás podré acostumbrarme: Ese empeño del mundo Americano por creer que ellos van a contar mejor la historia; en este caso barnizaron y despojaron de cualquier clase de magia , aquel idealista guión de Eliseo. Lo bochornoso del asunto es que tanto el escritor , como el guionista , el director y la productora se amparan en el inexistente para ellos y para su público , cine Latino Americano o Europeo. Como excusa para negar el plagio de la película original , por mucho que maquillaran partes irrelevantes de la historia.

 

 Pero el universo paralelo de Eliseo Subiela es tan poderoso y aparentemente irreal , que difícilmente el gran público , mayormente interesado en la ficción , sea capaz de digerir el verdadero mensaje de las películas del Argentino.
Convertir por ejemplo: Las poesías de Mario Benedetti , Juan Gelman y Oliverio Girondo  en el sustento de una oda extenuante al amor trascendental , solo se le ocurriría a él en EL LADO OSCURO DEL CORAZÓN. Su forma metafórica de plasmar en el celuloide todos sus monstruos internos , no han sido entendidos a menudo: Hay quién piensa que infantiliza algo tan magistral como la poesía , que pretende ser trascendente y ridiculiza pareciendo grotésco y cursi. Pero en el fondo creo que sus películas están más sujetas a sensaciones que a explicaciones lógicas , de echo estoy prácticamente convencido que sus películas y guiones huyen de los manuales técnicos a los que nos abocan los códigos morales , invitándonos a viajar hacia aspectos más primitivos y naturalistas   del espíritu.
Puede sonar hasta cierto punto un poco “hippye” , por poner una de tantas etiquetas  cuando queremos dar carpetazo a algo en lo que no queremos vernos reflejados. Pero sus películas me transmiten eso , y hasta el momento son pocos los autores que siguen firmes a sus ideales de manera totalmente libre.
Los hay que se vuelven experimentales , conceptuales , dogmáticos y tercos en sus ideas , como es el caso de Lars Von Trier o Ton Solodtz. Eliseo Subiela es de aquellos que prefieren crear su propio mundo y poner las imágenes al servicio de la historia , sin importarle los medios o los recursos. Y es tanta su convicción y supervivencia frente a la industria , que en sus últimas películas prescinde de presupuestos desorbitados sacrificando incluso el celuloide para poner sus obras en manos de la digitalización. 

 Su última película presentada en el Festival de Cine de Lima , está rodada íntegramente con una pequeña cámara fotográfica Canon 5D Mark     II , ya lo hizo en otras ocasiones “Las Aventuras de Dios 2000” con una SONY DVW-700. La verdad es que escuchando en su voz los argumentos y el motor que lo empuja a seguir  grabando pese al ostracismo al que se le ha sometido en la industria del entretenimiento , no queda más que reconocer su lealtad a como él dice: “su vocación” de no sucumbir a los engranajes de la industria , que en la mayor parte de los casos impone lo que vende o no vende.
Desde que la tecnología ha irrumpido en nuestras vidas , todos nos hemos vistos arrastrados a la idea de que ésta va a enterrar  la cultura. Pero sería de ciegos no ver , que gracias a la misma hoy en día se puede crear con menos recursos y sin estar supeditado a los canales típicos de distribución (sellos discográficos y Productoras). Sin tergiversar el argumento , se trata de divulgar , apoyar y educar para que el arte alternativo y minoritario compita en igualdad de condiciones.
 

El pasado Domingo volví retomar el hilo de la madeja. Recostado sobré el sofá , con los últimos rayos de sol que se perdían por el fondo de mi calle , y que se colaban por lo ventanales calentando mi panza. La película era “NO MIRES PARA ABAJO 2008” su último trabajo , una cinta a la que se le puede atribuir un cierto paralelismo con alguna  de sus películas más conocidas.
Si en El lado oscuro de Corazón , Oliverio (Darío Grandinetti) buscaba de forma desesperada un amor espiritual que colmara sus  anhelos más allá de un amor terrenal , con la poesía como vehículo  hacia un aspecto más metafísico del amor. En “No mires hacia abajo”, Subiela profundiza en otra faceta del amor bastante más explícita y carnal; algo por otro lado que siempre ha estado presente en sus películas.
Eliseo Subiela proyecta algunas de sus frustraciones de su infancia , como él relata en una de sus biografías: En la mayoría de los casos estuvieron marcadas por la muerte de su padre , que sufría de una dolencia cardíaca y las terribles jaquecas que padecía su madre. Lo que lo hicieron estar sumido en una profunda oscuridad literal  hasta sus primeros contactos con el cine y el amor ígneo , que produce esa extraña sensación de dolor y placer; desde entonces sus dos grandes pasiones han ido paralelas a lo largo de toda su incipiente carrera.
Dos pasiones a las que se lanzó de una forma totalmente quijotesca  junto a  su capacidad para crear un mundo tan personal , han hecho que sus películas  sean sobretodo verdaderas apologías subversivas. En las que sobretodo se usa la pasión sobrenatural  del amor inconsciente y la imaginación poética  creando de esta manera su universo , que constantemente transita entre dos mundos: El real y el metafísico.

En su anterior película “No mires hacia abajo” el joven  Eloy experimenta de manera súbita el descubrimiento de su otro yo; el del amante. Su aprendizaje en las artes amatorias no es precisamente un juego de flirteos y miradas cómplices , si no verdadero combate contra el alivio rápido.
En un primer vistazo puede parecer un teorema sobre el sexo tántrico , eso sí: Almizclado ,  inocente e inofensivo. Pero esa es solo la apariencia superficial; las películas de Eliseo Subiela por lo general se descifran , y solo tienen dos posibles lecturas: Las de los que se dejaron sorprender por sus títulos más conocidos y no están para desencriptar la infinidad de metáforas y simbolismos de la actitud de sus personajes; o los que sin saber bien porqué experimentan con sus relatos todo el juego que pueden llegar a darnos sus símbolos y su posible significado.
En la mayoría de los casos no hablamos de teorías complejas o abstractas , puesto que que los anhelos de  aquellos que participan , suelen buscar la expiación  de las ataduras a las que son sometidos: Poetas que buscan un amor sobrehumano , extraterrestres que nos humanizan , viejos en busca de pasión , soñadores eternos que esquivan la muerte tal y como la conocemos , podríamos estar así dos días y todavía descubriríamos algún aspecto más sobre a donde nos quieren llevar sus películas.
Lo más acertado sería definirlas como REFLEXIVAS o FILOSÓFICAS , solo que la naturaleza de sus reflexiones obedecen a una libertad que no entiende de edades.

 

 Eloy ve morir a su padre y desde entonces entabla una relación casi espiritual con los difuntos del cementerio de al lado de casa. Lo que hasta hace unos días había sido su oficio familiar: (colocar lápidas , adornos y ornamentos fúnebres) , se acaba convirtiendo en una relación íntima con la muerte y sobretodo con su desaparecido padre. No es una relación tétrica si no todo lo contrario; Eliseo cuando habla de la muerte lo hace de una manera muy simbólica y natural , más cercana a ese concepto de la eternidad y de otra posible vida.
El problema es que desde la muerte de su padre , Eloy parece revivir un deseo de liberación , que se plasma en un repentino sonambulismo; un sonambulismo que le conduce a esa hipotética libertad. Representada en Beatriz , la liberación de Eloy nos conduce hacia el deseo ardiente  de la emancipación representada , no en el orgasmo si no en el placer y en el erotismo.
Sus lecciones son pedagógicas naturales y domésticas , las escenas de cama que se suceden en todo el largometraje son tan sensuales y excitantes , que convierten  lo que se cree como una versión descafeinada del sexo moderno en un arte visual y estimulante.

 

 Me ha alegrado volver a verte Eliseo , a veces recuerdo esas tardes  que se nos deshacían entre la comisura de los dedos: Tardes de cine , sobremesas devorándonos el cuerpo a hurtadillas en mi cuarto , mientras escuchábamos “Flamencos y Pelícanos” , Escapadas furtivas a cualquier punto cardinal encuadernando paisajes y momentos.
Los años parecen haberse evaporado en un suspiro , pero tus lecciones de supervivencia me han sido , por suerte , de gran utilidad. Añoro hasta la congoja esas pequeñas tutoriales con las que nos adiestrasteis: Wong Kar Wai , J.L Godard , Boris Vian , José Luis Cuerda ,  Jean-Pierre Jeunet , Neil Jordan , Eduardo Mendoza , Entre dos mares , y tantos pequeños estigmas que nos fueron moldeando hasta convertirnos en lo que ahora somos.
Esta entrada es un pequeño homenaje a todos esos “facturadores” de sueños que nos han enseñado que no todo está sobre la superficie , y que el color de las cosas varía según el prisma con que se mire.
El universo interno de cada uno no esta dispuesto de antemano , y en nuestras manos está descubrirlo y construirlo. Para mi  escribir es  recuperar la memoria , alimentar el entusiasmo que se pierde con la madurez y sobretodo una terapia que sirve para dar escape a una sesera inquieta. Si no fuera así quizás ya me habría vuelto loco y me da bastante igual que mis textos provoquen risas , los hay que piensan que a una cierta edad no se ha de ser tan soñador y desde bien pequeños nos educan para que nos preparemos , como se suele decir para ser (personas responsables con una vida estable). Yo , prefiero ser hasta el día de mi muerte; un viejo con mente de niño , un poco irreverente a ser posible.

Web del autor: http://www.eliseosubiela.com/

Fotografías por orden de aparición: Eliseo Subiela (1990) /Hugo Soto (1953-1994) en dos ocasiones / Oliverio logra volar en el lado oscuro del corazón /  Portada de sus dos últimas películas / Eliseo Subiela maduro...

ESTÔMAGO: SEXO , PODER Y MANDUCA!!

ESTÓMAGO: SEXO , PODER Y MANDUCA!!

 

Director: Marcos Jorge

Nacionalidad: Italo-Brasileña

Año: 2007

Comedia negra

Duración: 112 minutos

Guión: Fabrizio Donvito , Cláudia Da Natividade , Lusa Silvestre , Marcos Jorge

Reparto: Joao Miguel , Fabiula Nascimento , Carlo Briani , Babu Santana , Paulo Miklos , Zeca Cenovicz

*Espiga de Oro en la Seminci de Valladolid 2008

Si tuviera que cifrar mi primer idilio con la cocina y sus enseres , debería remontarme con toda probabilidad a 1986 y mis tiernos dieciséis años. Años aquellos en los que tras lidiar con esas voluntariosas vacaciones en el pueblo de mis padres , envuelto en calles de cantos rodados , primos por encargo , siestas eternas , tías con mostacho besuconas y mofas de niño mimado de ciudad ,vieron colmados mis deseos con la anhelada emancipación estival.

Mis primeros meses de verano solo en casa , se convirtieron por así decirlo en un primer combate sin claro vencedor , con todo aquello que comporta la supervivencia bajo el atento ojo observador de tus cuatro hermanas mayores (todas ellas casadas por supuesto).

En mi favor he de decir que en casa , los malabarismos culinarios se absorbían de forma natural. Ya que aunque un servidor estaba exento esas obligaciones por aquello de la educación machista de la época , tampoco renuncié al inevitable encanto de convivir rodeado de mujeres. Mi padre siempre se empeñó en hacerme a su imagen y semejanza , pero yo por raro y consentido acabé por desarrollar un instinto y una sensibilidad más femenina que masculina , de lo cual no me arrepiento en absoluto.

Los cocidos , potajes , Pipirranas , Migas , Panzas de vieja , Potajes mareados de las sobras , Lentejas y demás guisados caseros desarrollaron en mi , un profundo odio por ese tipo de platos (ahora con el paso de los años los adoro). Por el contrario , me ayudaron en proferir una absoluta adoración a: Fritangas , bocadillos y tortillas , estas últimas mi verdadera obsesión culinaria , en las que proyecté toda mi imaginación creativa.

No os podéis imaginar lo que puede dar de si una tortilla con todos sus complementos de temporada. Probé a mezclar el huevo con: Cebolla , con ajos , harina , con pimientos , algarrobas , chicorias , Matutanos , endivias y demás mejunjes , con los que otorgar al bendito parto gallináceo su lugar en los altares de mi nueva experiencia cocinera.

Cocina de supervivencia , gincana y circuito americano que acaba por convertirse en un litúrgico rito secular: Acariciar los ingredientes de manera sensual como preámbulo al acto sexual , analizar sus texturas , cortarlos minuciosamente con precisión quirúrgica , y disfrutar ociosamente como se moldean sobre el calor de los fogones. Dejen a un lado los experimentos más esnobistas y modernetes , y retocemos con la cocina “alpargatera” , sin renunciar al erotismo de la misma.

Desde que en tiempos inmemoriales la buena de Eva se dejó seducir por la tentación de una manzana , hasta nuestros días. De los manjares más sibaritas hasta los más barriobajeros , todos ellos y sin excepción han provocado por x o por b un torrente de sensaciones en nuestro cerebro. Tantas , que han hecho de él , una máquina desbordante de sustancias. Tal y como desvelaba en su día Woodie Allen con “Todo lo que quiere saber sobre sexo y no se atreve a preguntar”. Porque la comida y sus goces tienen mucho de erotismo y de sexualidad.

Yo , como era de esperar no me convertí con el paso de los años en un cocinitas primoroso. Pero alcancé a vislumbrar que todo cuanto nos rodea , hasta nosotros mismos , somos fruto de una reacción química: Los aromas , los sabores y todo lo que cae en la cazuela como lo que sucede en nuestro cerebro , obedece a una efervescencia química que depende en buen grado del azar de los elementos y el trato que les demos. El mismo que hace que al percibir una serie de imágenes y de sonidos ponga en funcionamiento la misteriosa maquinaria nuestra sugestión.

ESTÓMAGO es una sucesión de circunstancias sugestivas , metafóricas y reales , que hacen de la cocina y sus alimentos un verdadero ejercicio de supervivencia.

Desde el preciso instante en el que RAIMUNDO NONATO cae por obra y gracia frente a la barra de la tasca del señor ZULMIRO , escudriñándolo éste con una mirada de desconfianza , mientras el inoportuno devora dos bocadillos que se le antojan manjares divinos. Se suceden una serie de acontecimientos que acaban dando con los huesos del desahuciado , en una desordenada y destartalada cocina.

Un arrebatador recuerdo transporta a Nonato al mismo frío y desnudo suelo que le dio cobijo en la penitenciaría por su mala cabeza , o por ese primario deseo de amasar el onduloso trasero de la hermosa Íria , en un interesado y animal intercambio de favores: Lujuria vs. Gula.

ESTÓMAGO es una de aquellas películas que flirtea con sibilina perspicacia en dos mundos tremendamente paralelos: El de la fábula y el del hiper-realismo , urdido casualmente en la taciturna mente del bueno de Nonato. Un tipo atolondrado y paradójicamente etiquetado como “un muerto de hambre” , que inunda de lagunas e ignorancia una existencia aparentemente desinteresada.

Nonato como buen observador cauto y callado , tan solo se deja mecer por los vaivenes del oleaje furioso y presuntuoso de aquellos que gravitan en su vida: Maestros de lecciones de la vida , de sabiduría sibarita y de arrogantes desdenes , a los que el pazguato asiente servilmente tras sus pequeños ojos de comadreja.

Escucha , observa , obedece y calla , mientras empieza a descubrir un inusual placer por la cocina y por el extraño morboso placer de saciar a sus egoístas comensales: Putas , borrachos , pendones desorejados , moscas y algún descarriado.

En esa tarea por complacer los paladares más terrenales va descubriendo un mundo desconocido para él , el misterioso y basto universo de los sabores. Un desdeñado mundo donde recae todo el poder en las diestras manos del alquimista y por el que la mayoría de humanos estaríamos dispuestos a vender nuestra alma por un exótico bocado.

Una escalera de favores por la que Nonato trepa buscando su sitio en la jerarquizada sociedad carioca , y por la que cada uno ejerce su estatus opresor según los conocimientos y la ignorancia de los demás.

En ella hay grandes dosis de la sexualidad y la testosterona que popularmente se atribuyen a la cultura de barrio Brasileña , con la que el director construye una historia con constantes idas y venidas en la memoria del protagonista.

Nonato: Un campesino ignorante y falto de inquietudes. Don Zulmindo: El tabernero de un bar de mala muerte que le da trabajo por el mero interés mercantilista. Íria: Una prostituta voluptuosa e insaciable tanto en el sexo como en la comida. Don Giovanni: Una especie de restaurador iluminado por la cocina Italiana que se cree sabedor de los secretos culinarios más exquisitos , y que los usa para enriquecerse a costa de los ignorantes. Y Bujiú: Uno de aquellos capos carcelarios que ejerce de verdugo sobre todo bicho viviente , en una masificada cárcel donde se plasma a la perfección la sociedad jerarquizada de los poderosos y los débiles.

Los cinco personajes recrean una recurrente y exótica comedia negra a la que se le puede atribuir cierta semejanza con: EL PERFUME de Patrick Suskind , COMO AGUA PARA EL CHOCOLATE de Alfonso Arau , o EL COCINERO , EL LADRÓN , SU MUJER Y SU AMANTE de Peter Greenaway. Si lo que se pretende es pasar de puntillas sobre ella , pasar un buen rato o simplemente recurrir a lo esotérico de la cocina y toda la magia que la rodea.

Pero de la que se pueden extraer numerosos y singulares aspectos del mecanismo de nuestra sociedad , en la que nos servimos de nuestros congéneres en un status quo de oferta y demanda. Y en la que aplicamos un rango militar y de manada en función; de los estereotipos , de la preparación , de la casta o simplemente de la cultura. El pez grande se come el chico , el rico utiliza al pobre y el listo se aprovecha del tonto.

Hasta el instante en el que nuestras miserias nos acaban situando de nuevo a todos en la línea de salida.

Marcos Jorge escarba sutilmente en muchos de estos aspectos , nos sumerge en un plano menos sofisticado del arte la cocina y de paso sitúa la narración en un lugar atípico a la tradición culinaria extrayendo numerosos guiños a esa maravillosa sexualidad latente en la cultura Brasileña. Visto desde la óptica de un perdedor nato que se abre paso sordamente para encontrar su sitio en un mundo insufrible y egoísta.

Con un título totalmente descriptivo y visceral con el que define brillantemente nuestras debilidades más arraigadas por antonomasia , la del comer: Por el que se han sellado pactos , se han cuajado amistades , se ha seducido , se ha follado y hasta se ha asesinado.

En el fondo el relato retrata comportamientos tan extendidos y enraizados en nuestro universo de clases que los observamos desde el horizonte. Como si ello ocurriera solo en ambientes sórdidos y suburbiales , cuando en realidad los sufrimos de manera más elegante en nuestra tecnócrata sociedad.

La cocina y sus maravillas son tan solo un vehículo que enriquece la trama de manera inteligente e iconoclasta el universo sofisticado de la cocina , y además hace de ella , una película maravillosamente digestiva y descriptiva para todos aquellos que como yo se sienten del lado de los típicamente denominados “tontos del pueblo”.

Para entendernos , de locos y de los tontos , que ni son tan tontos ni están tan locos. Hasta me atrevería a afirmar que le da un toque poético al carácter marginal de los desahuciados e incomprendidos.

 Trailer:

Entrevista y comentarios del Director:

 

FATIH AKIN Y LAS CONSIGNAS DE LA VIDA.

FATIH AKIN Y LAS CONSIGNAS DE LA VIDA.

Contra la pared vs. Soul Kitchen

Cahit Tomruk conduce a toda velocidad por entre las calles de Hamburgo en una fría y ardiente noche espoleado por su enésima pelea de alcohol. En su destartalado coche suenan incendiantes los acordes del “i feel you” de Depeche Mode: Fuma , llora y en su cabeza repican sus atormentados pensamientos. Gira y tuerce en revuelos interminables , canta atizado por el dolor , y acaba fundiendo su vehículo en un abrazo contra una gélida pared.

Con esta sucesión de fotogramas comienza CONTRA LA PARED (Gegen Die Wand 2004) , cuarto largometraje de siete que en total tiene Fatih Akin , joven director Alemán de origen Turco , posiblemente el más representativo y laureado en su extenuante carrera , desde luego el más crudo , realista y poético de su filmografía. En él da forma a una historia de la que no se puede desdeñar ni un solo plano y encuadre de su implacable forma de filmar la aspereza de la vida , sabiamente tutelado y aconsejado por el no menos lúcido Gillermo Arriaga.

El año pasado año regresó con un nuevo largometraje bajo el brazo , esta vez en las antípodas de todo su bagaje fílmico.

Para algunos , en los que me incluyo yo mismo , una broma de mal gusto si se la compara con los viajes a las entrañas de nuestra sociedad y el mestizaje cultural que suponen películas como: “Al otro lado” o “Contra la pared”. Una película que se enfrenta en inferioridad de condiciones con sus predecesoras , y donde la cotidianidad de sus personajes contraponen la realidad más sórdida , con grandes dosis de humor que en ocasiones rozan el esperpento.

Pero aún y así , sus films siguen estando dotados de ese amor incondicional por los suburbios y por todas esas historias anónimas que allí se suceden. Un cine representativo con su incomparable sello personal , que está por encima de lo real o lo burlesco que puedan parecer sus situaciones.

Y es que muchas veces los contrastes nos pueden desconcertar , caernos rendidos a una forma de trabajar , de plasmar o de exponer para luego al más mínimo giro sentirnos traicionados. Sin caer en la cuenta de la belleza del riesgo extremo , el azar de las cosas o el ¿que pasaría si...? como en una especie de irreverente actitud ante las miserias de la vida.

En Soul Kitchen las situaciones se desarrollan atropelladas , a veces sin sentido , el protagonista podría ser cualquiera de nosotros que ante un percance desgraciado suma y sigue para explotar la mala suerte en beneficio propio. Hacer de una desgracia una incombustible sucesión de personajes rocambolescos que se dan cita en un antro de mala muerte , para que con un toque mágico de varita se acabe convirtiendo en el local de moda. Digamos por poner el caso que ante la penuria de la vida ¿para que llorar? Si nos podemos destornillar. Una hipótesis que seguramente me acabo de sacar de la manga , pues el sinsentido es para algunos una excusa para disfrazar la falta de creatividad.

Yo , señores míos no seré quien diserte sobre ese tema , pues mi dramas internos los supero con estoicidad a base de surrealismo. Pero sé que para la mayoría , sobretodo los que presumen de cabales , formales y coherentes. El drama es el drama , la comedia es la comedia , y la tragicomedia es tan solo un disfraz para imaginarnos que nuestra mierda de vida es una mierda , por mucho que nos riamos de ella.

Tirando del hilo me fui al otro extremo , al de “Contra la pared” o “Gegen die wand” , por la que volví a caer en la tentación de rememorarla estos días. A la búsqueda de aquellas claves e interconexiones entre ambas películas , de las que huye la lógica popular.

Volver a verla ha resucitado el buen sabor de boca que me dejó hace un tiempo , en particular por esa afilada historia de amor

en la que se cruzan dos vidas aparentemente extremas para entrelazarse en un binomio de amor y odio. Aquel del que el cine muestra en ocasiones como una preciosa historia de color de rosa , con final simpático y feliz , pero del que todo el mundo conoce que es una pública mentira cochina.

En las relaciones humanas , se suceden bastantes más reacciones de pura química de las que cualquiera pudiera prever , más aún que en cualquiera de nuestros laboratorios. El amor y el dolor , por poco que nos guste , andan casi siempre en un constante pulso reflejo de nuestro yo más interno , aquel al que no podemos dar una explicación lógica y al que lo guían nuestros impulsos. Es por eso por lo que a muchos nos acaban por atraer los encantos de aquello que en un principio detestamos.

Contra la pared vuelve a ser otro ángulo o punto de vista de lo que somos y deseamos , un giro de tuerca sobre las relaciones humanas en un entorno extraño y desconocido , o si lo preferimos una oda al mestizaje cultural. Del que en ocasiones queremos hacer partícipes al resto sin tomarnos la más mínima molestia por el de los demás. En esta faceta Fatih Akin es un erudito , pues sus películas lejos de caer en los tópicos de la multi-culturalidad lo esquivan elegantemente situándonos en un país extraño pero familiar , para escarbar en aquello que nos hace a todos comunes: Nuestra ubicación en un país extranjero , nuestras relaciones con culturas diferentes a las nuestras o nuestra adaptación a un paisaje desconocido , para acabar por demostrarnos aquello que cae por su peso. Y es que todos somos exactamente iguales , salvo por nuestras diferencias culturales.

Y lo triste o magnífico de todo esto , es que cuando nos sacudimos de todos aquellos tópicos de la inmigración: Falta de adaptación , delincuencia , conflictos o incomprensión. Lo que quedan son las historias que a todos nos unen , historias reales que son exactamente como las imaginamos en nuestro aséptico e inodoro mundo perfecto Holliwoodiense.

Fatih Akin en “Contrala pared” nos narra una historia de amor real y descarnado de dos personas que viven al filo del precipicio de dos modos muy distintos: Uno inflingiendose una condena personal devastadora para acelerar el ocaso de la que cree una vida sin sentido , otro buscando hacer un pacto con el diablo para volar del nido paterno en busca de una ansiada y promiscua libertad. Los dos de la misma forma suicida y auto destructiva , hasta que sus caminos acaban cruzándose.

En un acto de conveniencia y compasión deciden pactar una falsa boda , sin darse cuenta que sus diferencias y sus miserias abonaran aquel amor que creían inexistente. De ahí nace la linea principal de la película , cuando de su odio y del amor comienza una hermosa espiral de forcejéos entre lo que les dicta el corazón y lo que realmente les pide el cuerpo.

Una historia de amor y desarraigos culturales sin clichés que a simple vista puede parecer de lo más común , pero donde a la vista queda que se puede abordar de miles de formas y contextos: Soul Kitchen , Al otro lado , o Contra la pared son una firme muestra de la multi-culturalidad , de los aspectos de la convivencia y de nuestros dramas sociales vistos desde diferentes encuadres.

Con unas incendiarias bandas sonoras que cabalgan a lo largo de ambas películas , con una historia que muta tal y como lo hacen sus personajes , con verdaderas sacudidas visuales e interpretaciones desoladoras. Y una historia que transcurre sin injerencias que decanten la balanza hacía ninguno de los variados ingredientes del largometraje , es sencillamente el encanto de sus películas donde todos los aspectos se dan cita y del que nace un sabor distinto.

Soul Kitchen y Contra la pared por distintas que parezcan comparten bastantes más códigos de los que creemos: Códigos de supervivencia , de autosuficiencia y grandes lecciones de realismo. El modo por el que cada uno nos veamos en esas historias es meramente autodidacta , pues la realidad absoluta es tan solo un reflejo de los límites que nosotros mismos queramos ponernos.

Parodiando la realidad , escarbando en las historias subterráneas , en la volatilidad del amor o en nuestra singular cultura tan solo nos ha de servir para abrir nuestras mentes y ver que nuestras raíces son universales y equidistantes. Y que el camino por donde nos quieran llevar las películas son meramente circunstanciales al modo en el que los espectadores estemos dispuestos a dejarnos conducir.

SALUDOS Y BUEN CINE!!

BSO en comentarios

 http://www.imdb.com/name/nm0015359/

http://www.imdb.com/title/tt0347048/ 

http://www.imdb.com/title/tt1244668/ 

                                      VISUALES 

MAN FROM EARTH ¿FICCIÓN O REFLEXIÓN?

 

THE MAN FROM EARTH__ 2007

¿FICCIÓN O REFLEXIÓN?

Año: 2007

Dirección: Richard Schekman

Guión: Jerome Bixby

Música: Mark Hinton Stewart

Fotografía: Afshin Shaidi

Reparto: John Bilingsley , Ellen Crawford , William Katt , Annika Petterson , Richard Riehle , David Lee Smith , Alexis Thorpe , Tony Todd , Steven Littles , Robbie Bryan , Chase Sprage.

Género: Ciencia Ficción , Intriga , Drama

¿Has tenido alguna vez uno de esos días “tontunos” en los que reflexionando , reflexionando has acabado en un bucle , de esos que no te llevan a ninguna parte?

¿ Que piensas de la filosofía? O ¿prefieres no pensar para no calentarte la cabeza en exceso?

Os preguntareis a que viene tanta preguntita impertinente , pero tranquilos solo intento preparaos para la película de la que os quiero hablar. Una cinta a la cual no quiero dar más expectativas de las que se le puede dar a algo simplemente interesante , desde el punto de vista de un escéptico.

Y no es que yo me considere un escéptico , pero en ocasiones nuestras pasiones al explicar una experiencia nos pueden llevar a crear falsas expectativas que acaben derivando en frustración , y la verdad no quiero que así sea.

Hablemos de la película ,y del género que le podemos atribuir , aunque nos obligue a encorsetar algo que tiene diferentes y múltiples lecturas.

The Man from Earth se la puede considerar una película de ciencia ficción si tenemos en cuenta que el hilo argumental habla de algo que en teoría no es real , o por lo menos no le encontramos una explicación científica.

Pero ¿que es y que no es real? ¿acaso la sociedad medieval no consideraba ficción todo aquello a lo que no encontraba explicación? Aunque posteriormente se demostrara que: La tierra es redonda , que descendemos del mono o que existe el universo.

Creo que ahora es cuando debo hablar de la trama de la película:

Imaginaos que un buen amigo vuestro y compañero de trabajo al que conocéis desde hace 10 años decide: Cambiar de aires , dejar el trabajo (de docencia en este caso) y organiza una pequeña velada con 6 de sus mejores amigos.

Es evidente que todos ellos se preguntan el porqué de su decisión y el misterio que la rodea , pues él no da en principio ningún motivo lógico a su decisión. Aquí es cuando empieza a desarrollarse el hilo argumental y donde obedeciendo al más puro escepticismo , os puede echar para atrás la arriesgada temática del film en cuestión. Puesto que en la mayoría de los casos , cuando nos enfrentamos a una película de Ciencia-Ficción buscamos: Entornos futuristas , efectos especiales y argumentos de imposible explicación sujetos a la más pura fantasía.

John Oldman explica entonces , que él es un ser prehistórico de más de 14.000 años y que hasta hoy ha ido cambiando cada 10 años de lugar de residencia. Evidentemente es inmortal por un motivo que el desconoce , ha sido líder de una tribu , conocido de Buda y para rematar afirma que es , lo que nosotros entendemos como Jesucristo.

En ese instante es cuando el guionista nos tira por tierra todo aquello que está sujeto a lo que nosotros entendemos como científicamente lógico. Lo que nos puede llevar a tomarnos a guasa la película , curiosamente la misma reacción que tienen sus invitados.

John Oldman va contestando a todas y cada una de las incrédulas preguntas que le van haciendo los allí presentes , de forma lógica salvo lo increíble de su inmortalidad. Convirtiéndose así la película en una excitante y absorbente historia fantástica alrededor de las llamas de una chimenea.

Una película que sin duda no deja indiferente , para todo aquel que la ha visionado hay todo tipo de reacciones: Desde el que la considera una auténtica bazofia , hasta el que la entrona como una auténtica cinta de culto. Aunque siendo un poco objetivo se la ha de tener por un experimento que nos trata de llevar hacía un terreno incómodo , donde nos invita a reflexionar sobre lo que actualmente tenemos por científicamente lógico , las leyendas históricas hipotéticas o nuestras creencias más o menos culturales y religiosas. Donde hay muchísimo sobre lo que disertar . De echo lo llevan haciendo filósofos y pensadores desde hace siglos.

Solo que en la actualidad , en un carácter práctico totalmente lógico , decidimos obviar o aparcar cualquier tema que nos haga dudar sobre nuestra existencia , más si no le vamos a encontrar respuesta lógica.

También sería totalmente interesante conocer la historia que hay detrás de esta película y su guión , para afrontar su visionado desde un punto de vista estereotipado.

Jerome Bixby fue un conocido escritor de ciencia ficción , en Estados Unidos más popularmente conocido por el relato en el que más tarde se basó ISAAC ASIMOV para escribir el libro de “Un Viaje Alucinante”, del que también se haría una película en 1966. Además escribió varios guiones para numerosos episodios de la serie televisiva STARTREK de 1966.

En 1946 Jerome Bixby esbozó el primer borrador de “The Men from earth” donde se habla de un profesor de historia que confiesa a sus colegas ser un hombre de Cro-Magnon y haber nacido hace 14.000 años. Durante años Jerome de la mano de su hijo Emerson , intentaron sin suerte que ese guión fuera llevado a la pantalla. Pero evidéntemente no encontró ningún empresario del 7º arte interesado en arriesgarse a rodar una idea tan ambigua y complicada. Con lo que finalmente , el guionista falleció en 1998 con el texto criando polvo en un cajón.

Por suerte su hijo Emerson ha seguido obstinado , intentado cumplir ese ambicioso deseo de su padre. Hasta que en el 2006 conoció a Richard Schekman , quién con un presupuesto mísero de forma totalmente independiente se lió la manta a la cabeza y decidió rodarla.

La cinta ha tenido una distribución práctica y exclusívamente desde la Red , apoyándose en páginas y blogs de P2P. Hasta el punto de que el propio director agradeció públicamente por el apoyo secundado en la Red.

http://www.rlslog.net/piracy-isnt-that-bad-and-they-know-it/

De tal manera que os será sumamente fácil encontrarla olisqueando un poco con Google junto con los subtítulos , aunque estén traducidos casi literalmente y solo en Español neutro.

Por eso solo me queda deciros que si os animáis a verla , lo hagáis sin ninguna idea preconcevida intentando siempre que no os condicionen mis palabras. De echo , he intentado ser lo más literal posible para que nadie caiga en ningún prejuicio y teniendo en cuenta que la película está rodada: En un solo escenario , por actores independientes , sin ningún tipo de efecto especial y sobretodo narrada de una forma totalmente honesta.

Si os apasionan los relatos de Philip K. Dick y ese tipo de Ciencia-Ficción reflexiva , estoy seguro de que os gustará.

Web de la película: http://www.manfromearth.com/index2.html